Испанские танцы википедия: Испанский танец: история и современность…

Испанский танец: история и современность…

Для самых страстных и темпераментных поклонников ритмопластики и движения свои двери открывают школы испанского танца. Фламенко, сальса, танго – это лишь небольшая часть танцев, которые вы сможете изучить, посещая студию испанского танца.

Но чтобы танцевать «Испанию», мало освоить движения и заучить их комбинации. Испанский танец требует большой самоотдачи. Здесь нужен особый характер, свободолюбивая суть, способность без оглядки любить, ревновать, страдать, прощать и даже ненавидеть. Эти эмоции, пережитые страстным сердцем и открытой душой, однажды смогут стать правдивым и ярким испанским танцем.

Исторически сложилось, что именно на берегах Андалузии и в других провинциях Испании жили самые страстные и темпераментные мужчины и женщины. Они умели любить и страдать без оглядки. Их страсть создала танец, любимый по всему миру и известный нам как испанский.

Сложно найти группу танцев более эмоциональную, чем испанские. Мощнейший заряд энергии, идущей от сердец танцоров, притягивает внимание зрителей. Часть из них влюбляется в испанский танец и решает отдать ему часть своей жизни.

Испанский танец – это жгучая страсть, южный темперамент, ритм кастаньет, звуки гитары и отточенные движения статных брюнеток. Однако не все знают, что испанский танец очень многогранен в своем стилистическом воплощении. Существует много его разновидностей. Испанский танец также богат насыщенной историей становления и развития.

Бешеной популярностью у поклонников движения всех возрастов сегодня пользуется именно испанский танец. Благодаря яркой эмоциональности и зажигательной музыке на занятия этим стилем танца приходит все больше и больше учеников.

Для тех, чье сердце бьется в ритме испанского танца, расскажем о нем несколько интересных фактов.

История зарождения и развития испанского танца

Первые упоминания об испанском танце в мировой литературе появились более пяти столетий тому назад. Так постановки пьес известного испанского драматурга Лопе де Вега включали в себя танцевальные композиции.

Танец под названием «сарабанда» был одним из первых темпераментных и страстных испанских танцев. В процессе своей эволюции «сарабанда» стала исполняться на королевских балах в качестве парного танца.

Испанский танец в том виде, который знаком нам сегодня, сформировался лишь в 19 веке. Именно тогда танцоры начали исполнять танго и другие разновидности испанского танца.

 

Испанский танец сегодня

Испанский танец сегодня очень разнообразен. Профессиональные хореографы и танцоры различают четыре группы испанских танцев,  в том числе:

1.      Классический испанский танец представляет собой постановки балетов, основанные на стилистике и лексике этой ветви хореографии. Особой популярности достигли такие классические испанские балеты, как «Арагонская хота», «Болеро», «Дон Кихот», «Треуголка» и другие. Расцвет классического испанского танца приходится на середину 19 века.

2.      Народный испанский танец  очень разнообразен и многогранен. Каждая испанская провинция в средние века обладала собственным выразительным танцем, который подчеркивал национальный колорит той или иной земли. Отсюда возникли такие народные танцы, как Х

ота, Сардана, Муньэйра, Замбра, Болеро, Фанданго, Севилана и другие. Интересно, что большинство народных испанских танцев исполняются под волынку, тамбурин и лишь отдаленно напоминают испанский танец в представлении простого обывателя.

    3.      Фламенко – это, пожалуй, наиболее страстный и любимый всеми испанский танец. Именно фламенко танцуют под гитару, сопровождая его выстукиваньем кастаньет и четкими дробями каблуков. Во время исполнения фламенко танцор открывает свое дуэнде, то есть свою душу, погружаясь в состояние своеобразного транса. Часто на сцене танцоры выкрикивают то, что у них на душе. Концентрация эмоций в этом танце максимальная. Большую роль играет костюм – он яркий, с множеством воланов на объемных юбках у женщин и рукавах у мужчин.

    4.      Современный испанский танец возник в первой половине 20 века. Его отличительная особенность – гармоничное единение танца и пения. Танец сопровождается живым пением, часто в исполнении самих танцоров.

      Однажды влюбившись в испанский танец, вы со временем поймете, что это любовь на всю жизнь. Это яркое чувство наполнит особым смыслом ваше существование и внесет яркий штрих в повседневность.

      Ради такой любви стоит найти время, и стать частью класса по испанской хореографии.

       

      Валентина Никонова /педагог по народным танцам, специально для портала SportSamara.ru/

      История фламенко

      Обычно фламенко называют цыганским танцем.

      Это справедливо, но лишь отчасти. Исследователи находят во фламенко следы влияния культуры мавров и иудеев, которые прочно обосновались на полуострове при арабах. Однако все сходятся во мнении, что фламенко представляет собой соединение лучшего в танцевальной культуре народов, населявших территорию Андалусии в течение веков.

      Популярность стиля фламенко началась с музыки фламенко. Танец примерно в том виде, в котором мы его знаем, появился в XVIII веке. До этого народ любил слушать необыкновенные голоса певцов фламенко, затем пение стали сопровождать танцем. Исполнялось это в специальных музыкальных кафе – cafés cantantes (кафес кантантес). В дальнейшем танец «украл» основное внимание зрителей у певцов фламенко.

      Нет единого мнения и о происхождении слова «фламенко». Есть попытки связать его с солдатами, которые принимали участие в войнах в Нижних Землях (Голландия, Фландрия, Брабант) и всегда выглядели гордыми и решительными, однако это всего лишь предположение.

      Танец фламенко в исполнении профессиональных танцоров – это огнедышащая страсть и импровизация. В первые мгновения танцоры (bailaor/bailaora – байлаор/байлаора) неподвижны. Они словно впитывают в себя звуки гитары, хлопки ладоней (у «правильных» исполнителей фламенко в руках нет кастаньет! Пластика рук должна передавать состояние души танцора. А кастаньеты – это для туристов) и пение кантаора (cantaor – кантаор, певец фламенко), пока не услышат звука удара, приглашающего к началу танца.

      А дальше только испепеляющая все на своем пути страсть, с которой танцоры начинают свою партию. Роль танцора заключается в физической демонстрации сожалений о притеснениях фламенко в течение веков, о которых поет кантаор. Движения рук плавные и элегантные, в отличие от резких и сильных ударов о сцену каблуками. Оба исполнителя, и мужчина, и женщина, смотрят неотрывно друг на друга, участвуя в соревновании.

      Современные интерпретации фламенко

      Существует классический стиль Cante Hondo (или Jondo) и Cante Chico – более современный (канте ондо и канте чико). Второй считается более простым и облегченным. Каждый из них включает в себя не один десяток подклассов.

      После снятия запрета на все проявления региональной аутентичности фламенко впитал в себя элементы классического балета, с одной стороны, а с другой, не обошел своим вниманием джаз и мелодии Острова свободы. Такая «всеядность» явно пошла на пользу фламенко, и он обрел новую выразительность. Сохраняя при этом все лучшее из наследия прошлых веков.

      Сегодня фламенко интересен как профессиональным хореографам, так и зрителям во всем мире. Где еще можно увидеть такие неподдельные страсти, да еще в «интимной» камерной обстановке таблао?

      12345

      Проголосовало 0 чел.

      Болеро — Bolero — qaz.wiki

      Жанр испанской музыки, кубинское происхождение

      Эта статья о жанре латинской музыки. Для композиции Равеля см Болеро . Для использования в других целях, см Болеро (значения) .

      Болеро относится к двум разным жанрам замедляющего темпа латиноамериканской музыки и связанным с ними танцами . Самый старый тип болеро возник в Испании в конце 18 — го века в виде бальных музыки, которая под влиянием искусства музыки композиторов во всем мире, наиболее известный Морис Равель «s болеро , а также стиль фламенко , известный как boleras . Несвязанный жанр певческой музыки возник на востоке Кубы в конце 19 века как часть традиции трова . Этот жанр получил широкую популярность в Латинской Америке на протяжении 20-го века и продолжает процветать.

      Испания

      Оригинальное испанское болеро — это 3
      4 танец, зародившийся в Испании в конце 18 века, сочетание контраданцы и севильаны .

      Художественная музыка болеро

      В художественной музыке (то есть классической музыке) есть много так называемых болеро, которые в основном вдохновлены одноименным оригинальным испанским жанром.

      • Равеля Болеро является одним из его самых известных произведений, первоначально написанных в баллах балетных по заказу Иды Рубинштейн, но теперь , как правило , играл как концертный номер . Первоначально он назывался фанданго, но имеет ритмическое сходство с испанской танцевальной формой, описанной в этой статье, и постоянно
        3
        4 время с заметной тройкой на второй доле каждого такта.
      • Шопен написал болеро для фортепиано соло (соч. 19), но его ритмы больше напоминают полонез . Он был близким другом Полины Виардо , дочери знаменитого испанского тенора Мануэля Гарсиа , который познакомил Париж с болеро.
      • Лео Делиб написал болеро в своей « Коппелии» в «Таблице 2».
      • Дебюсси написал болеро в балете La Soirée dans Grenade
      • Бизе написал болеро в » Кармен»
      • Сен-Санс написал болеро El desdichado для двух голосов и оркестра.
      • Первый набор Испанских танцев (соч. 12) Мошковского заканчивается болеро.
      • Лефебюр-Вели написал Boléro de Concert для органа
      • Болеро из « Шильперика» Эрве увековечено на знаменитой картине Тулуз-Лотрека (вверху).
      • Фридрих Баумфельдер написал «Премьер Болеро», соч. 317, для фортепиано.
      • Ричард Аакер Тритхолл написал болеро для четырех перкуссионистов, основанное на ритме и структуре традиционного танца болеро. Тритхолл представил четырех перкуссионистов как четырех танцоров, переплетающих свои соло, дуэты и трио с моментами работы в групповом ансамбле, как это мог бы сделать хореограф.
      • Шарль-Огюст де Берио написал болеро в своем концерте «Scene de Ballet» для скрипки и фортепиано (или оркестра).
      • Английский композитор на банджо Джо Морли написал болеро под названием «Контрабандиста» после того, как известный банджоист и композитор Альфред Каммейер опубликовал болеро в 4
        4 время для банджо. Морли сочинил его как настоящее болеро в 3
        4 время.
      • Джон Серри-старший написал свое африканское болеро для аккордеона и флейты в 1950 году.
      • Фумио Хаясака написал болеро для фильма Акиры Куросавы Rashomon в 1950 году.
      • Кейт Эмерсон написал свое Болеро Абаддона для оркестра и синтезатора в 1972 году.

      В некотором искусстве музыки болеро, корневые лежит не в болеро , но в хабанере , кубинский предшественник танго , который был любимый танец ритмом в середине 19-го века, и часто происходит во французской опере и испанский сарсуэла из 19 и 20 века.

      Куба

      Пепе Санчес (гитара, слева) и Эмилиано Блез (tres) с тремя певцами (стоит)

      На Кубе болеро было, пожалуй, первым великим кубинским музыкально-вокальным синтезом, получившим всеобщее признание. В 2
      4 Со временем эта танцевальная музыка распространилась на другие страны, оставив позади то, что Эд Моралес назвал «самой популярной лирической традицией в Латинской Америке».

      Традиция кубинского болеро зародилась в Сантьяго-де-Куба в последней четверти XIX века; он не обязан своим происхождением испанской музыке и одноименной песне. В 19 веке в Сантьяго-де-Куба выросла группа странствующих музыкантов, которые передвигались, зарабатывая на жизнь пением и игрой на гитаре.

      Пепе Санчес известен как отец стиля трова и создатель кубинского болеро. Нетренированный, но с замечательным природным талантом, он сочинял числа в уме и никогда не записывал их. В результате большая часть этих цифр сейчас утеряна, но около двух десятков сохранились, потому что их записали друзья и студенты. Он был образцом и учителем для великих последователей Тровадора.

      Распространение в Латинской Америке

      Хулио Харамилло , плодовитый эквадорский певец болеро и записывающийся артист, выступавший по всей Латинской Америке.

      Болеро впервые распространилось с востока Кубы в Доминиканскую Республику в 1895 году, благодаря троадору Синдо Гараю , который ранее привез на Кубу криоллу «Ла Дорила», положив начало прочному обмену лирическими стилями между обоими островами. В начале 20-го века болеро достигло Пуэрто-Рико и Мексики, где оно было популяризировано первыми радиостанциями примерно в 1915 году. К 1930-м годам, когда Трио Матаморос прославил свою смесь болеро и сон-кубано, известную как болеро-сон , жанр был основной продукт музыкального репертуара большинства стран Латинской Америки. В Испании кубинское болеро было включено в репертуар Copla с добавлением элементов из андалузской музыки , что дало начало так называемому болеро moruno , прославившемуся такими композиторами, как Кармело Ларреа и Кинтеро, Леон и Кирога.

      Некоторые из ведущих композиторов болеро приехали из соседних стран, как, например, в случае плодовитого пуэрториканского композитора Рафаэля Эрнандеса и мексиканских композиторов: Агустина Лара и Марии Гревер . Некоторые кубинские композиторы болеро в первую очередь считаются trovadores. Несколько лирических теноров также способствовали популяризации болеро в Северной и Южной Америке в 1930-е и 1940-е годы посредством живых концертов и выступлений на международных радиосетях. В эту группу вошли мексиканские оперные теноры: Хуан Арвизу и Нестор Места Чайрес . Их сотрудничество в Нью-Йорке с такими музыкантами, как Альфредо Антонини , Териг Туччи , Эльза Миранда и Джон Серри-старший в радиошоу CBS Viva América также представило болеро миллионам слушателей по всей территории Соединенных Штатов. Также заслуживают внимания выступления в 1940-х и 1950-х годах Trio Los Panchos , в котором проявилось мастерство музыкантов из Мексики и Пуэрто-Рико, в том числе: Чучо Наварро , Альфредо Хиль и Эрнандо Авилес. Популярность болеро возродилась в 1990-х годах, когда мексиканский певец Луис Мигель был признан за возрождение интереса к жанру болеро после выпуска Romance .

      Болеро слияния

      Хосе Лойола комментирует, что частые слияния болеро с другими кубинскими ритмами — одна из причин, по которой оно так плодотворно в течение столь длительного периода времени:

      «Адаптация у fusión дель болеро кон отрос géneros де ла música популярная bailable ha contribuido al desarrollo del mismo, ya su vigencia y contemporaneidad».
      (Адаптация и слияние болеро с другими типами популярной танцевальной музыки способствовали их развитию, а также его выносливости и вневременности.)

      Эта адаптивность была в значительной степени достигнута за счет отказа от ограничений в формате или инструментарии, а также за счет увеличения синкопии (что дает более афрокубский звук). Примеры:

      • Болеро в данзоне : появление лирики в данзоне для создания данзонете .
      • Болеро-сын : давний фаворит танцевальной музыки на Кубе, захваченных за рубежом под некорректным «румба».
      • Болеро мамбо , в котором медленные и красивые песни были добавлены в сложные механизмы биг-зонных мамбо.
      • Болеро-ча , 1950 — х годов производного с ChaChaCha ритма.
      • Бачата , производное Доминиканский разработан в 1960 — х годах.

      Лирику болеро можно найти в популярной музыке, особенно в латиноамериканской танцевальной музыке.

      Вьетнам

      Музыка болеро распространилась и во Вьетнаме . В 1930-е годы страна полюбила современную музыку, сочетающую западные элементы с традиционной музыкой. Вьетнамское болеро, как правило, медленнее, чем испаноязычное болеро, и частично под влиянием японской энка . Такая музыка была романтичной, выражая на поэтическом языке концепции чувств, любви и жизни; эту предрасположенность ненавидел Вьет Минь , который в то время стремился сформировать рабочий класс.

      Этот жанр стал в просторечии известен как желтая музыка в отличие от красной музыки, одобренной коммунистическим правительством Ханоя в эпоху войны во Вьетнаме . В результате победы Северного Вьетнама в войне музыка была запрещена в 1975 году. Те, кого поймали на прослушивании желтой музыки , были наказаны, а их музыка конфискована. После падения Сайгона многие вьетнамцы эмигрировали в Соединенные Штаты, взяв с собой свою музыку. Запрет был снят в 1986 году, когда снова можно было писать песни о любви, но к тому времени музыкальная индустрия была уничтожена.

      Правительство Вьетнама также запретило продажу зарубежной вьетнамской музыки, в том числе развлекательные шоу, такие как Asia и Paris by Night . Однако в последние годы болеро снова стало популярным, поскольку во Вьетнаме выступало все больше зарубежных певцов. Кроме того, стали популярными телесериалы о песенных конкурсах, такие как « Болеро идол» , певцы исполняют песни, в том числе песни, ранее запрещенные.

      Бальный танец

      Международный бальный зал

      Версия кубинского болеро танцуется во всем мире латинских танцев (под контролем Всемирного танцевального совета ) под неправильным названием « румба », часто пишется как «румба». Это произошло в начале 1930-х годов, когда потребовался простой общий термин, чтобы продавать кубинскую музыку аудитории, незнакомой с различными кубинскими музыкальными терминами. Знаменитый » Peanut Vendor «, на самом деле son-pregón, получил такой ярлык, и этот ярлык закрепился за другими типами кубинской музыки.

      На Кубе болеро обычно пишут на 2
      4 время, в другом месте часто 4
      4 . Темп танца около 120 ударов в минуту. В музыке мягкий кубинский ритм, связанный с медленным сыном , поэтому его лучше всего можно описать как болеро-сон. Как и в некоторых других кубинских танцах, есть три шага к четырем ударам, причем первая ступень фигуры находится на второй доле, а не на первой. Медленно ( в течение двух ударов четыре и один) выполняются с движением бедра над стоячей ногой, без ножного Флика.

      Американский ритм

      Танец, известный как болеро, является одним из соревновательных танцев в категории бальных танцев американского ритма . Первый шаг обычно делается на первой доле, удерживается во время второй доли с еще двумя шагами, приходящимися на третью и четвертую доли (обозначенные как «медленно-быстро-быстро»). В соревновательном танце музыка звучит 4
      4 время и будет колебаться от 96 до 104 ударов в минуту. Этот танец сильно отличается от других американских танцев в ритме тем, что он требует не только кубинских движений, но и подъемов и падений, таких как вальс и движения тела . Популярная музыка для этого стиля танца не обязательно должна быть латинского происхождения. Доступны списки музыки, использованной в соревнованиях по американскому ритм-болеро.

      Смотрите также

      Заметки

      использованная литература

      М.И. Глинка «Арагонская Хота»: история, видео, содержание

      М.И. Глинка «Арагонская Хота»

       

      Тема Испании была одной из самых модных в эпоху Романтизма. В литературе, искусстве и театре того времени то и дело воспевали эту удивительную солнечную страну с древней историей и колоритными традициями. Не обошел ее своим вниманием и М.И. Глинка. Композитор никогда не скрывал своей любви к загранице, ведь он с самого детства мечтал побывать в далеких странах. Но среди прочих его более всего как раз привлекала Испания. Свои восторженные впечатления от пребывания в южном государстве он воплотил в двух «Испанских увертюрах». Первая из них – пышная и торжественная «Арагонская хота».

      Историю создания «Арагонской Хоты» Глинки, содержание произведения и множество интересных фактов читайте на нашей странице.

       

       

      История создания

      Впервые о создании «Блестящего каприччио для большого оркестра на тему Арагонской хоты», а именно так изначально называлось это симфоническое произведение, Глинка задумался в 1844 – начале 1845-х гг., когда находился в Париже. Во французской столице композитор постоянно встречался с Г. Берлиозом, который лично знакомил его со своими творениями. В один из вечеров он представил на суд Михаила Ивановича «Римский карнавал». Прослушивание этой программной увертюры напомнило Глинке о его итальянском путешествии, и он решил во что бы то ни стало сочинить концертные пьесы для оркестра под названием «Живописные картины».

      За написание первого сочинения из этого цикла он пообещал взяться сразу по приезду в Испанию, и помочь ему в этом должен был местный фольклор, который он намеревался тщательно изучить.

      В 1845 году в день своего рождения Михаил Иванович отправляется в путешествие по Испании. По дороге в Мадрид Глинка посещает Вальядолид, где получает первые, наиболее яркие впечатления от испанской культуры. Больше всего русского композитора удивляло то, как жители этого города проводили свои вечера – соседи собирались целыми семьями, играли на музыкальных инструментах, пели и плясали.

      Во время одного из таких собраний сын местного предпринимателя Феликс Кастильо исполнил на гитаре арагонскую хоту. Глинка был настолько впечатлен услышанным произведением, что сохранил его в памяти вместе со всеми вариациями, которые исполнил юноша. Приехав в Мадрид, композитор тут же сел за создание «Блестящего каприччио».

      Изначально Глинка подразумевал, что его каприччио будет звучать в мадридском театре. С незапамятных времен в нем существовала традиция исполнения симфонических пьес перед спектаклем, и Михаил Иванович рассчитывал, что его сочинение будет увертюрой или интермедией к какому-либо драматическому представлению. Однако этому намерению не суждено было сбыться – премьера его произведения состоялась только в 1850 году в Петербурге. Только тогда оно уже носило другой заголовок – «Арагонская хота». Дирижировал им К. Ф. Альбрехт.

       

       

      Интересные факты

      • В основе глинкинской «Хоты» лежит популярнейшая мелодия испанского народного танца. Вместе с Глинкой над этой темой поработал в своем произведении и Ф. Лист, положив ее в основу своего творения под названием «Большая концертная фантазия». Она была создана в 1845 году, а затем была переработана в «Испанскую рапсодию». Эта же мелодия звучит в «Испанской рапсодии» М. Равеля, а также в романсе С. Даргомыжского «Оделась туманом Гренада».
      • После прослушивания «Блестящего каприччио» В. Ф. Одоевский сделал Глинке несколько замечаний по оркестровке и композиции пьесы. Композитор прислушался к мнению друга, которого он считал величайшим музыкантом, и взялся за переработку своего творения. Обновленное произведение увидело свет в 1850 году уже с новым названием.
      • Многие исследователи творчества Глинки считают, что тональность увертюры – Es-dur – выбрана им не случайно. Считается, что этим он решил подчеркнуть связь «Хоты» с «Героической симфонией» Л. Бетховена, которых объединяет не только мужественный, волевой тон, но и приемы симфонизма.

      • В 1916 году балетмейстер Фокин поставил уникальный балет на музыку глинкинской «Хоты». Он произвел фурор на сцене, и даже ярые критики фокинского искусства высоко оценили эту работу. В настоящее время в России этот спектакль нигде не ставится.
      • За время своего пребывания в Испании композитор тщательно изучал местный фольклор. Целыми днями он совершал пешие и конные прогулки по улицам и окрестностям города, чтобы постигнуть обычаи, традиции и культуру южной страны, а потом достоверно воплотить все это в своей музыке. И он смог это сделать. Как рассказывают биографы композитора, после отъезда Глинки из страны там был проведен эксперимент – местным жителям предлагали послушать его «Арагонскую хоту». Они называли эту музыку подлинной испанской, и не верили в то, что ее написал русский композитор.
      • Первую фортепианную транскрипцию «Хоты» сделал М. Балакирев. В своей обработке он постарался максимально сохранить характер оркестрового звучания, и одновременно сделать ее технически сложной. Во время работы над переложением композитор опирался на сочинения Листа и Бетховена. В настоящее время обработку Балакирева исполняют только виртуозы-пианисты.

      • Автографов, черновиков и даже набросков «Испанских увертюр» Глинки в России не сохранилось. В Российской национальной библиотеке в Санкт-Петербурге хранится только копия «Хоты», сделанная неустановленным лицом.
      • В 1855 году Глинка сделал рукописные копии своих «Испанских увертюр» и подарил их испанскому другу дону Педро. Впоследствии эти партитуры были переданы на хранение в Парижскую национальную библиотеку, где и хранятся по сей день.

       

       

      Содержание «Арагонской Хоты»

      Впервые услышав арагонский вариант хоты, Глинка воспринял ее как самое типичное выражение испанского характера – этот танец стал для него символом самой Испании. В своем произведении он попытался воплотить истинный дух этой великой страны и огненный темперамент ее жителей.

      Для «Арагонской хоты» Глинка избрал стройную классическую сонатную форму, и мастерки сумел совместить в ней принципы сонатности и вариационности. Такая трактовка формы кажется вполне естественной, ведь в основе произведения лежит подлинная народная тема, которой изначально присущи приемы варьирования. Основной контраст в произведении создается между торжественным, строгим вступлением, и летящими, ликующими темами сонатного аллегро.

      В толковании Интродукции музыковеды несколько расходятся. Одни видят в призывных фанфарах и последующем сосредоточенном повествовании сбор на праздник толпы народа, другие же трактуют образы вступления намного шире, ассоциируя их с далеким прошлым Испании с ее рыцарями, древними замками и живописным горным ландшафтом. Композитор словно рисует огромное пространство, создаваемое горными высями и бесконечными далями – октавному унисону струнных отвечает «эхо» деревянных духовых, перерастающее в героический возглас валторн и труб.

      После сурового вступления перед зрителем разворачивается изящная танцевальная сцена: появляются темы главной партии – мелодия арагонской хоты и кантиленный страстный напев у деревянных духовых. Главная тема хоты соткана из звонких пассажей, имитирующих звучание гитары – исполняют ее арфа и две солирующие скрипки на фоне пиццикато струнных. Вторая тема хоты в исполнении низких тембров струнных, арфы, деревянных духовых и кларнета создает яркую одну живописную зарисовку, которыми богата вся партитура увертюры. Побочная партия родственна главной — это утонченный, скерцозный образ, основанный на тех же танцевальных ритмоинтонациях.

      В разработке темы обретают мужественную, волевую экспрессию, и звучат с особым размахом – испанский характер обнаруживает скрытый воинский пыл. В репризе же темы увертюры сливаются в вихре победного танца, а всю грандиозную картину пляски завершает последний штрих – опять звучат призывные фанфары, которые приглашали народ на праздник.

       

      Балет «Арагонская хота»

      Идея создать испанский балет возникла у М. Фокина в 1914 году, когда он находился в Испании.  Культура этого народа казалась ему удивительной и чарующей, совсем не такой, какой ее представляли на императорской балетной сцене. В современной ему России испанцы выглядели как-то зловеще, в них совершенно не было жизнелюбия и веселья. Именно по этой причине он решил создать испанский балет и показать испанский народ таким, каким он является на самом деле. Идеальным произведением в этом плане для него как раз стала «Арагонская хота» Глинки.

      Премьера балета на увертюру Глинки состоялась 29 января 1916 года в Мариинском театре. Художником постановки стал Александр Головин, прославившийся своей любовью к испанской тематике. Декорации к «Хоте» он сделал строгие и очень простые – чистое небо с разбросанными по нему облаками, яркое солнце, поросший травой пригорок, мост и крыши крестьянских домиков. Уникальность постановки заключалась в том, что горизонт располагался очень низко, и зрители видели всех танцовщиков на фоне воздуха. Все критики в один голос восхищались спектаклем, восхваляя каждую его драматургическую составляющую. Балетовед А. Волынский дал очень емкую характеристику этой постановке: «Бриллиантики настоящего искусства танца нанизываются на золотую нить мелодии Глинки».

       

       

      Несмотря на то, что «Арагонская Хота» сплошь соткана из испанских народных мотивов, музыковеды настаивают на том, что Глинка все же оставил в ней отчетливо слышимый русский знак. Якобы, композитор, при всей любви к испанской романтике, ни на миг не оставлял мысли о своих корнях, и именно поэтому в финале сочинения подчеркнул, что оно принадлежит перу русского композитора. Вслушайтесь в последний каданс увертюры, ведь именно в нем спрятана характерная черта отечественной музыки – он плагальный.

       

       

      Михаил Иванович Глинка «Арагонская хота»

      Гальярда (Gagliarda) – в переводе «веселый» – считается старейшим танцем в Италии. Гальярду исполняли в паре или соло. Основными чертами танца являются скачки и комбинация пяти па. Со временем Гальярда приобрела обыденную чопорность придворных танцев, стала медленной, а к концу XVII века перешла в музыку. После Италии этот танец получил распространение в других станах западной Европы. Гальярда была любимым танцем английской королевы Елизаветы I, и несмотря на быстроту темпа, она танцевала его и в немолодые годы.

      Тарантелла

      Тарантелла (Tarantella) – зажигательный энергичный танец, популярный в южной италии, особенно в Калабрии и на Сицилии, хотя классическим вариантом считается неаполитанская тарантелла.

      По одной из версий название танца происходит от названия итальянского города Таранто. Согласно другой легенде, тарантелла была способом излечиться от безумия, вызванного укусом тарантула – «тарантизма». Быстрый темп, скачки танца якобы помогали разгонять кровь и противодействовать яду паука. В XVI веке по улицам гуляли специальные оркестры, под музыку которых народ часами танцевал тарантеллу. Пары или отдельные танцоры образуют круг во время танца, двигаясь по часовой стрелке, потом неожиданно меняя направление.

      Музыка для танца игралась на гитарах, флейтах, ударных или клавишных инструментах, часто сопровождаясь пеним и тамбуринами или кастаньетами в руках танцоров. В средневековье церковь сочла танец воплощением женской похоти и запретила его. Но уже во времена кардинала Барберини танец вновь был разрешен и стал исполняться при дворе. В наше время тарантеллу иногда танцуют на итальянских свадьбах и на Notte della Taranta – фестивале проходящем в Мелпигнано.

      Пиццика

      Пиццика (Pizzica) – один из видов тарантеллы, родом из Саленто, широко распространенная в Апулии, Базиликате и Калабрии.

      Так и тарантеллу, пиццикатанцуется в кругу, сопровождаемая жестикуляцией рук и резкими поворотами. Но в отличие от тарантеллы, пиццику исполняют только дуэтом.

      На праздниках в кругу семьи, пару могут составлять однополые родственники. В былые времена обязательным атрибутом танца был платок на плечах женщины. Сам танец похож на ухаживание, когда дама ускользает, а кавалер старался добиться ее расположения, а именно забрать платок. Существует вариант танца с мечами, когда разыгрывались сцены сражений и дуэлей.

      Бергамаска

      Сальтарелла (Saltarello) – популярный в эпоху Возрождения музыкальный жанр, в XVIII веке возродившийся в качестве танца. С итальянского saltare переводится как «прыгать», что отражено в движениях танца – прыжки, поклоны и обороты.

      Танец начинается медленно, кавалер приглашает даму на танец, а та делает вид, что не хочет танцевать. После раздается сигнал к началу активных движений, и по ходу танца темп музыки нарастает. С середины XX века сальтарелла популярен на свадьбах, праздниках в честь завершения сбора урожая и карнавалах. Музыка сальтареллы дошла до нас в сюитах и увертюрах Берлиоза, Мендельсона, Кастельоно.

      Павана

      Павана – медленный придворный бальный танец, который в XV веке пришел на смену бас-дансу.

      Павана (La pavana) отличалась изяществом движений, вычурностью манер и торжественностью. Придворные облачались в парчу и бархат, кавалеры носили плащи и шпаги, а платья дам украшали шлейфы. Весь танец состоит из простого или двойного шага, или их комбинации, с периодическими реверансами и сменой положения партнеров. Павану танцевали в начале празднеств и на балах, в народ он не ушел. Считается, что танец появился в городе Падуя (Padova) и также его название схоже с латинским вариантом слова «павлин» – «pavo».

      Танцы Сардинии

      Народные танцы Сардинии исполнялись, как правило, во время религиозных праздников, в честь удачного урожая или охоты. Часто танцевали вокруг костра, взявшись за руки, тем самым символизируя единение с коллективом. Некоторые танцы, например ballu antigu танцевали без музыки, под пение одного человека. Танец ballu tzivile напоминает движениями польку или мазурку, а во время танца serpentina танцоры образуют своеобразную змейку.

      Балет

      Балет (Balletto) зародился именно в Италии в эпоху Ренессанса, хотя приобрел популярность во Франции. Само название происходит от итальянского глагола ballare — «танцевать».Изначально балет был танцевальной частью итальянской оперы. Французы, покоренные мастерством итальянских балетмейстеров, приглашали их к своему двору, в результате чего с XVII века именно Франция стала центром балетного мастерства.

      Начало эпохе балета дал «Комедийный балет королевы», поставленный при французском дворе итальянцем Бальтазарини де Бельджозо (Baldassare de Belgiojoso) в октябре 1581 года. Первые балеты были основаны на придворных танцах, но со второй половины XVII века зарождались новые жанры, как комедия-балет. В самостоятельный танцевальный жанр балет превратился во второй половине XVIII века уже во Франции.

      ПОЛЕЗНЫЕ САЙТЫ И СТАТЬИ

      ️🇮🇹 ПОЛЕЗНЫЕ СТАТЬИ И САЙТЫ🇹↙️

      Simple English Wikipedia, бесплатная энциклопедия

      Группа фламенко. Певец сидит на пустом ящике ( cajón ), который постукивает руками. Дает неплохое представление о мужском костюме. Белен Майя — известная танцовщица

      Фламенко — это стиль развлечения с песнями, музыкой и танцами. Он очень популярен в Испании и известен во всем мире. Его основание находится в Андалусии в Испании. В его развитии важную роль сыграли андалузские цыгане. [1] Термин «фламенко» впервые был записан в конце 18 века, но многие считают, что это искусство намного старше.

      Фламенко включает музыку для акустической гитары, пение, хлопки в ладоши, пятки, кастаньеты. Его танцуют мужчина и женщина в традиционных испанских костюмах. У танца нет заданного темпа. Он может иметь как быстрые, так и медленные отрывки, достигая кульминации ближе к концу.

      Исполнение фламенко развивалось на протяжении истории этого музыкального жанра. Вначале (не позднее 18 века) песни исполнялись без гитарного сопровождения. В 19 веке гитара использовалась для сопровождения песен. Со второй половины 19 века на соло-гитаре играют на концертах фламенко. [2]

      16 ноября 2010 года ЮНЕСКО объявило фламенко одним из шедевров устного и нематериального наследия человечества. [3]

      1. ↑ См. 3-е определение термина фламенко в Словаре Real Academia Española.
      2. ↑ Скиера, Эренхард; Шульце, Бернхард-Фридрих (1990). Фламенко: цыганский танец и музыка Андалусии .пер. Молли Комерфорд Питерс. Портленд, Орегон: Amadeus Press. п. 124.
      3. ↑ Фламенко: Внесено в 2010 г. в Репрезентативный список нематериального культурного наследия человечества ЮНЕСКО: [1]

      Примеры фламенко:

      • Традиционное фламенко [2]
      • Традиционное фламенко Хосе Греко [3]
      • Примечателен голосом и гитарой, а также танцем Сары Баррас [4]
      • Группа Рамона Руиса [5]
      Обратите внимание на веер и каблуки.

      Пасодобль — Энциклопедия танцевального спорта

      Определение

      Paso Doble (что в переводе с испанского означает «двойной шаг») относится к стилю бальных танцев, включенному в категории соревнований по танцевальному спорту, которые начались в 16 веке во Франции. Этот танец стал популярным в Испании, потому что он стал основан на звуке, драме и движении испанской и португальской корриды.

      Обзор

      Paso Doble изначально представлял собой легкую испанскую музыку с бинарным ритмом и умеренными движениями, предположительно основанную на типичных испанских танцах 16 века.Этот традиционный танец пары возник во Франции, а затем был принят в Испании и Португалии.

      История

      В 18 веке Пасодобль использовался в комедиях. Позже он был принят в качестве нормативного шага для испанской пехоты с особой особенностью, которая заставляла войска делать обычный шаг: 120 шагов в минуту.

      Музыка была использована в боях быков в 19 веке. Теперь он разыгрывается во время выхода тореадора на ринг (пасео) или во время пасов (фаэна) непосредственно перед убийством.Он соответствует танцу Пасодобль (традиционному и бальному).

      Знаменитые тореадоры были удостоены чести носить пасодобльские мелодии в их честь. Другие мелодии навеяны патриотическими мотивами или местными персонажами.

      Танцевальные стили

      Традиционный стиль

      Традиционный пасодобль основан на музыке, играемой во время боя быков во время входа тореадора (пасео) или во время пасов (фаэна) непосредственно перед убийством. Ведущий этого танца играет роль матадора.Последователь обычно играет роль плаща матадора, но на некоторых фигурах может также представлять тень матадора, а также танцора фламенко. Последователь никогда не представляет быка, хотя обычно так думают. Его происхождение восходит к французскому военному маршу под названием «Пасо Редобль». Это был быстрый марш, поэтому это динамичный латиноамериканский танец, созданный по образцу испанской корриды. В это время была широко известна коррида.

      Ballroom Style

      Значительное количество пасодобльских песен являются вариациями España Cañi.В этой песне есть паузы или «блики» в фиксированных позициях в песне (два основных момента на уровнях программы, три основных момента и более длинная песня на открытых уровнях). Выделение подчеркивает музыку и звучит более мощно, чем другие части музыки. Обычно на основных моментах танцоры исполняют трюк и позицию, которую они удерживают до конца этого момента. Традиционно программы Paso Doble ставятся так, чтобы соответствовать этим основным моментам, а также музыкальным фразам. Соответственно, большинство других мелодий бального пасодобля написаны с похожими акцентами (без них просто избегают на большинстве соревнований).

      Из-за неотъемлемой хореографической традиции бальный пасодобль, по большей части, танцуется только на соревнованиях, почти никогда в социальном плане или без заранее усвоенного распорядка. При этом в Испании, Франции, Вьетнаме, Колумбии, Коста-Рике и в некоторых частях Германии этот танец в социальном плане исполняется как ведущий и сопровождающий (не хореографический) танец. В Венесуэле пасодобль — это почти обязательный танец на свадьбах и больших вечеринках, особенно он известен благодаря песне «Guitarra Española» от Los Melódicos.

      В соревновательном танце современный пасодобль является частью программы из пяти танцев, включая ча-ча-ча, самбу, румбу и джайв. Они называются Международными латинскими танцами бальных танцев.

      Согласно Всемирной федерации танцевального спорта (WDSF), современный Пасодобль состоит из двух танцевальных частей и одного перерыва между ними для танцоров класса D и из трех частей и двух промежуточных перерывов для танцоров классов C, B и A. Танцоры ниже класса D обычно исполняют только четыре официальных танца Международной латинской программы.См. Также Уровни танцев WDSF для классификации уровней.

      Техника

      Пасодобль — один из самых драматичных из всех латинских танцев. Это прогрессивный танец, в котором танцоры делают сильные шаги вперед пятками и используют художественные движения рук. Шаги вперед должны быть сильными и горделивыми.

      Человек должен также использовать обезьяну — движение, при котором он сильно топает ногой, как матадор ударяет по земле, чтобы привлечь внимание быка.Все движения пасодобля должны быть резкими и быстрыми, с высоко поднятой грудью и головой, символизирующими высокомерие и достоинство.

      Музыка

      Музыка Пасодобля имеет сильное влияние фламенко. Смелая, вдохновляющая музыка имеет простой маршевый ритм 1-2-1-2 с очень небольшими изменениями ритма. Темп музыки Paso Doble обычно составляет 120-124 ударов в минуту, 60 тактов в минуту. Испанский цыганский танец стал универсальным гимном Пасодобля.

      Знаменитые испанские пасодобли

      • Ампарито Рока
      • Эль-Бесо
      • El gato montés
      • Эль Реликарио
      • Агуэро
      • España cañí
      • Islas Canarias
      • La Gracia de Dios
      • Feria de Manizales
      • Манолет
      • La Morena de mi Copla
      • Пласа-де-лас-Вентас
      • Пакито эль Шоколатеро
      • Sombreros y Mantilles
      • Suspiros de España
      • Que Viva España
      • Валенсия

      Похожие темы

      Испания | Фердинанд Вики | Фэндом

      Предмет этой статьи существует в реальной жизни, но содержимое этой страницы содержит только информацию, относящуюся к вселенной Ferdinand или полученную из нее.Сведите такую ​​информацию к минимуму и вместо этого обратитесь к разделу Внешние ссылки для получения дополнительной информации.

      Испания

      • В Фердинанде
      • Флаг
      • Герб

      Испания — это страна в Европе, которая является основным регионом Фердинанд [1] .

      Развитие

      “ Мне очень хотелось запечатлеть палитру мира, которую я пытаюсь создать. ”
      —Карлос Салдана [2]

      Директор Карлос Салдана рассказал о трудностях, с которыми он столкнулся, пытаясь уловить суть испанской культуры, поскольку он не из Испании. Он хотел, чтобы история происходила в Испании, так как более теплая палитра подчеркивает воображаемую сторону фильма, которая сосредоточена на Фердинанде .Он описывает, что палитра Испании была «на больше оттенков красного, оранжевого и земных тонов, и [он] хотел, чтобы она была такой богатой ». Он черпал вдохновение из оригинальной книги, создавая оригинальные пейзажи в большей степени « lusher », так что « цвета и окружающая среда — это нечто, что будет выделяться и заставлять его чувствовать себя красивым ». [2] Яркие и смелые цвета помогли зрителям почувствовать атмосферу и сохранить оригинальные культурные элементы Испании. [3]

      Он также отметил, что существует ответственность за точное изображение испанской культуры, хотя и меньше, чем в его другом фильме, Рио , поскольку Фердинанд был «персонажем универсального » и мог можно найти в любой культуре.

      “ Мы старались быть максимально правдивыми в отношении ориентиров и того, как люди выглядели и одевались. Мы старались быть как можно ближе к таким настроениям.Я думаю, что в конце концов, если вы знаете Испанию или если бы вы были в Испании, вы, вероятно, увидите себя в этом мире. Вот что я хотел, чтобы люди извлекли из этого пользу. ”
      —Saldanha [2]

      Несмотря на то, что он имел возможность настраивать некоторые элементы для повествования, он хотел сохранить детали, от пейзажей до автомобильных номеров, чтобы зрители были погружены в культуру и провели обширные исследования.Он посоветовался с советами и мнениями нескольких испанцев, которые выразили трепет перед их точностью и подробностями.

      История

      Культура

      Бой быков

      Бои быков — одна из многих практик в Испании, которая широко рассматривается в фильме.

      Танцы фламенко

      Танцы фламенко — это традиционный испанский танец, который наблюдали в фильме несколько уличных танцоров.

      Общая информация

      Галерея

      Список литературы

      Внешние ссылки

      Навигация по сайту

      Парранда / Парранда — Ванвейпедия / wanweibaike

      Эта статья о праздновании Рождества в Пуэрто-Рико.Для уличных вечеринок на Кубе см. Parrandas. Чтобы узнать об испанском танце, см. Парранда (танец). , историческое значение рождественского сезона
      Parranda (s)
      Официальное название Parranda (s)
      Наблюдается пуэрториканцами
      Тип 24
      Праздники Музыка, еда, напитки, танцы
      Памятные даты Ежегодно
      Дата Декабрь, может распространиться на начало января
      17 Ежегодно
      Относится к Культура и религия

      A parranda (англ. Party or spree [1] ) — это пуэрториканская музыкальная традиция, которая проходит в Пуэрто-Рико во время рождественских праздников. [2] Parrandas — это общественные мероприятия, на которых звучит традиционная пуэрториканская музыка, еда и напитки. Они связаны с гордостью за обычаи традиционного пуэрториканского джибаро. Традиционные мероприятия можно сравнить с рождественскими песнопениями, но содержание песен скорее светское, чем религиозное. [3] Иногда они проводятся вечером, но чаще всего ночью, даже в ранние утренние часы. [4] Песни поются почти исключительно агуинальдо. [5]

      Планирование и назначение

      Parrandas часто являются спонтанными событиями и обычно происходят в любое время с позднего вечера до раннего утра, посещая целевых членов расширенной семьи или друзей в их домах и намеренно пробуждая их под музыку parranda. Сообщается, что они вызывают чувство пуэрториканства, единства и товарищества как среди тех, кто приносит музыку, так и среди целевых семей, получающих ее. [6] Участники, играющие на музыкальном инструменте или играющие на музыкальном инструменте, называются parranderos .Инструменты, используемые в дополнение к голосу, включают культурно значимые инструменты Куатро, маракасы, гуйро, палитос, тамбора, пандерата, пандеро (реквинто, сегидор и тумбадор), труба, тамбора и гитара. [7]

      Парранда «участок» и места проведения

      Одна из форм того, как происходит событие, наиболее традиционно выглядит следующим образом: группа друзей домовладельца с музыкальными инструментами в руках прибывает в свой целевой дом примерно после 22:00, а затем тихо направляется к крыльцу или как можно ближе к нему. это возможно.Руководитель парранды (как правило, их музыкальный руководитель) дает всем сигнал начать играть на своих инструментах и ​​петь. Музыка и пение удивляют спящих, которые встают, включают внутренний и внешний свет и приглашают «паррандерос» в дом. Попав внутрь, их угощают прохладительными напитками (большинство домов будет хорошо снабжено прохладительными напитками и традиционными рождественскими блюдами), и все будут есть и могут танцевать, пока паррандерос по очереди едят и играют музыку. Вечеринка продлится около часа или двух, после чего жители присоединятся к паррандерос со своими инструментами, если они есть, и перейдут к следующему целевому месту жительства.По мере того, как группа растет, группа обязательно оставляет напоследок те дома, в которых, как они предполагают, будет больше всего еды, чтобы поддержать растущую группу, или они просто направляются в дом одного из паррандеро, который уже заранее договорился. сервировка последней трапезы — традиционный asopao de pollo , пуэрториканский куриный суп. Вечеринка обычно заканчивается на рассвете, когда все желают всем спокойной ночи и отправляются спать в свои дома. [8]

      Связанные условия и события

      Термин trulla или trulla navideña относится к группе людей, которые собираются вместе для участия в парранде. В нее входят певцы, музыканты и все, кто присоединяется к группе. [9] Термин asalto navideño (буквально «рождественское нападение») используется для описания неожиданного визита группы trulla , когда они спускаются к своим спящим друзьям в их дома, чтобы спеть пуэрториканские рождественские песни. их после того, как они заснули. [10]

      Паррада часто включает в себя несколько минут чтения бомбы , импровизированных музыкально-поэтических композиций в стиле тровадора участниками parranda, предназначенных для того, чтобы добавить веселья и волнения к мероприятию parranda. [11]

      В массовой культуре

      • Песня Жилберто Санта Розы (при участии Тони Веги) под названием Llegó la Navidad (Sony BMG Music, 2011 {Альбом: «Top Latino Navidad Volume 2»}, UPC 886979550124) начинается с «Llegó la Navidad, y las parrandas se oyen por doquiera… «(Рождественский сезон уже наступил, и parrandas можно услышать повсюду …)
      • «La Parranda Fania» — это музыкальный альбом с Гектором Лаво, Йомо Торо и Даниэлем Сантосом. На обложке альбома написано «La Parranda Fania … A Gozar, A Bailar, A Parrandear» (La Parranda Fania … Давай наслаждаемся, давай танцевать, давай пойдем на Паррандас).
      • Иван Перес и Луис Ривера, есть песня Plena под названием «Parrandiando Con Santa Claus» (примерно переведенная как «Going on Parrandas with Santa Claus»), изданная в 2002 году под лейблом «Ivan Perez & Luis Rivera» (альбом: «El Lechón Pasmao «, ASIN B000QM4QVQ)
        • Песня
      • La Sonora Ponceña под названием Aguinaldo Antillano (Fania Records, 1971, альбом: «Rumbon Navideño», ASIN B0083L66AG) начинается с «Esta es la parranda de los Antillanos… «(Это parranda антильского народа …)

      См. Также

      Список литературы

      Дополнительная литература

      Общеобразовательные курсовые работы, утвержденные Csu

    1. Рейтинги