Эль Греко. — Эпоха Возрождения — LiveJournal
В Венеции и Риме Эль Греко овладел приемами масляной живописи, передачей пространства и перспективы, обобщенным широким мазком; особенностями венецианского колоризма. Произведения, среди которых лишь немногие признаны достоверно принадлежащими кисти Эль Греко, отмечены разнохарактерностью исканий (“Изгнание торгующих из храма”, 1570, Национальная галерея, Вашингтон; “Исцеление слепого”, 1567-1570, Картинная галерея, Дрезден; портрет миниатюриста Джулио Кловио, 1570, Музей Каподимонте; портрет рыцаря Мальтийского ордена Виченцо Анастаджи, 1576, собрание Фрик, Нью-Йорк). Расцвет таланта Эль Греко наступил в Испании, куда он переехал около 1577 и где, не получив признания при королевском дворе в Мадриде, поселился в Толедо. В зрелом творчестве живописца Эль Греко, родственном поэзии испанских мистиков XVI века (Хуан де ла Крус и др.), в иллюзорно-беспредельном пространстве стираются грани между землёй и небом, реальные образы получают утонченно-духовную интерпретацию (торжественно-величавая композиция “Погребение графа Оргаса”, 1586-1588, церковь Санто-Томе, Толедо; “Святое Семейство”, около 1590-1595, Музей искусства, Кливленд).
«Изгнание торгующих из храма» 1570 Вашингтон, Национальная галерея
Резкие ракурсы и неестественно вытянутые пропорции в картинах художника порой создают эффект стремительного изменения масштаба фигур и предметов, то внезапно вырастающих, то исчезающих в глубине картинного пространства (“Мученичество святого Маврикия”, 1580-1582, Эскориал). Одну из главных ролей в этих произведениях Эль Греко играет колорит, основанный на обилии холодных рефлексов, беспокойной игре контрастных цветов, ярко вспыхивающих или приглушенных.
Острая эмоциональность образного строя характерна и для портретов Эль Греко, отмеченных тонкой психологической проницательностью (“Главный инквизитор Ниньо де Гевара”, 1601, Метрополитен-музей) или проникновенным драматизмом (“Портрет неизвестного рыцаря”, 1578-1580, Музей Прадо, Мадрид).
«Дама в мехах» 1577-1580 Собрание Стерлинг Максвелл, Глазго
«Мария Магдалина» 1578 Музей изящных искусств, Будапешт
«Христос, несущий крест» 1580-е Музей Метрополитен, Нью-Йорк
«Молитва святого Доминика» 1585-1590, Частное собрание
«Мальчик, раздувающий лучину» 1590 Национальная галерея, Эдинбург
«Апостолы Петр и Павел» 1592 Эрмитаж, Санкт-Петербург
» Снятие пятой печати» 1610-1614
Черты ирреальности, мистического визионёрства нарастают в поздних картинах Эль Греко (“Снятие Пятой печати”, Метрополитен-музей; “Лаокоон”, Национальная галерея искусства, Вашингтон, — обе 1610-1614), острым трагическим чувством пронизана его пейзажная композиция
“Вид Толедо” (1610-1614, Метрополитен-музей).
Повышенная одухотворенность образов, мистическая экзальтация сближают искусство Эль Греко с маньеризмом и выражают кризисное состояние художественной культуры Позднего Возрождения. Отмеченное напряженным стремлением к выражению возвышенно-драматических порывов человеческого духа, творчество Эль Греко в XVII-XIX веках было забыто и заново открыто только в начале XX века.
«Благовещение» 1596-1600
«Иоанн Евангелист» 1595-1605
«Погребение графа Оргаса» 1586
«Поклонение пастухов» 1610
«Портрет монаха Гортензио Феликса Паравичино»
«Святое семейство с Марией Магдалиной»
«Святой Людовик, король Франции» 1592-1595
«Мученичество святого Маврикия» 1581
«“Изгнание торгующих из храма”
«Троица 1577-1579»
«Святой Мартин и нищий» 1597-1599
«Святой Франциск в экстазе» 1594-1595
«Святой Иосиф с юным Христом»
«Лаокоон» 1604-1614
«Мария » фрагмент «Святого семейства»
«Крещение Христа»
«Иоан Креститель»
«Святая Вероника с Нерукотворным Образом»
«Апостол Пётр»
«Апостол Лука, как художник» 1608
«St.
Matthew Апостол Матфей»
«Апостол Иуда Apastalas Judas. 1610 1614»
«Апостол Павел» 1614
«Апостол»
«Apostle St. James the Greater Giclee»
«Женский портрет»
«Рыцарь с рукой на груди»
«Христос, исцеляющий слепого» 1577
«Святое семейство» 1594-1604
«Мадонна заступница» 1603
«Моление о чаше»
«Благовещение»
«Совлечение одежд»
«Распятие»
«Св. Иероним, как кардинал» 1600
«Портрет дамы с цветком»
«Портрет поэта Эркилла-и-Заниха»
«Портрет Джулио Кловио»
«Тайная вечере»
«Воскресение»
«Благовещение Марии»
«Ritratto del cardinale Fernando Nino de Guevara»
«Поклонение имени Христа»
«Поклонение пастухов» 1600
«Святой Себастьян» 1610-1614
» Портрет художника Хорхе Мануэля»
«Папа Пий IV» Париж, частное собрание
«Антонио де Коваррубиаса-и-Лейва» 1600
«Кающаяся Мария Магдалина»
«Святое семейство» ок.
1577-1579
«Голова Христа»
«Христос на кресте» ок. 1577
«Пиета»
«Сошествие Святого духа» 1604-14 Прадо http://www.liveinternet.ru/community/172
Эль Греко
Доменикос Теотокопулос или иначе Эль Греко был потомственным византийским богомазом. Грек по происхождению, но испанец душою, своим трудолюбием и яркой индивидуальностью он при жизни завоевал восхищение и славу.
Его полотна невозможно спутать ни с какими другими. Этот художник нашёл свои собственный, неподражаемый стиль, свою манеру, благодаря которым мы с лёгкостью узнаём работы его кисти. У персонажей Эль Греко удлиненные лица и тела. Как будто какая-то высшая сила вытягивает их к верху. Картины художника выполнены в характерной цветовой гамме, в которой преобладают белый, черный, синий и голубой цвета. Его работы очень насыщенны и контрастны, контуры очертаний ярко выделены.
Доменикос Теотокопулос, получивший позднее имя Эль Греко родился и вырос в королевстве Кандия (так в то время назывался Крит). Тогда остров принадлежал наисветлейшей венецианской республике, и поэтому Крит был воплощением определённого духа: сплава греческой европейской культур.
Несмотря на то, что первичную школу своего становления как живописца он прошёл в Кандии и в Италии, будучи учеником такого выдающегося мастера возрождения, как Тициан Тинторетто, свою истинную художественную родину и свое художественное имя Эль Греко он обрёл в Испании. Сюда он переехал в 1577 году уже достаточно опытным мастером. Испанцы, вдохновлённые гением художника, тут же прозвали его Эль Греко, что с их родного языка переводилось легко, понятно и просто: “грек”. И, хотя он всё продолжал подписывать свои работы как Доменико Теотокопулос, мировое искусство и мировая культура запомнили его как Эль Греко.
Маленький грек Доменикос, как и большинство гениев мирового изобразительного искусства, проявил интерес к живописи с ранних лет.
Уже одна из первых его работ, икона “Успение Богородицы” отразила процессы, происходившие в культурной и общественной жизни Крита во второй половине XVI века. Когда строгие религиозные традиции Византии соединились с западным искусством, готовым на эксперименты. Среди канонических православных образов художник написал голубя. Так католики часто изображали святого духа.
Увлечение итальянской живописью побудило юношу покинуть Крит. В ту пору первым художником Венеции считался 80-летний Тициан, которого восторженно называли избранником небес. Доменикос поступил в его мастерскую, где освоил технику масляной живописи и основы перспективы, а позднее вошёл в аристократический круг Венеции, а затем и Рима.
Но однажды заносчивый и самоуверенный Доменикос заявил, что может написать фрески лучше, чем “Страшный суд” Микеланджело. Конечно же, такое дерзкое, неслыханное заявление вызвало недовольство папы Григория XIII, и коллег по цеху. Произошёл всплеск негодования общественности Рима из-за которому самонадеянному греку, поправшему итальянское самолюбие пришлось уехать. Но нет худа без добра. Впереди художника ждёт, полюбившая его гостеприимная Испания.
В Толедо, бывшем некогда испанской столицей, и ещё сохранявшем атмосферу особенного города, Эль Греко просят расписать алтарь церкви Санто-Доминго. Картины, “Святая Троица” и “Поклонение пастухов” были вышедшие из-под кисти мастера произвели фурор, после чего эмоциональные испанцы признали Эль Греко талантливейшим живописцем современности. В Толедо художник нашёл не только славу, но и любовь.
Невиданный успех выпал на долю картины Эль Греко “Эсполио”, изображающей Христа перед распятием. Впрочем, заказ доставил художнику и массу неприятностей. Священники кафедрального собора отказались заплатить обещанную крупную сумму. Они заявили, что некоторые детали картины не соответствуют традиционному толкованию евангелия. Тем не менее, получив лишь некоторую, небольшую часть денег, художник изменять картину не стал, и принципиально заявил о том, лучше быть бедным, чем не свободным.
Из-за непомерной гордости Эль Греко никогда не писал при дворе. Кланяться и заискивать было не в его стиле. Король, не привыкший к чудачествам и экспериментам, был недоволен новаторской картиной “Мученичество Святого Маврикия”. Но испанский народ любил и уважал художника. Иностранцу даже присвоили статус жителя.
Он стал учить испанский язык, открыл собственную мастерскую. Эль Греко оформлял местные храмы, выполняя не только живописные, но и скульптурные, и архитектурные работы.
Художник пользовался доверием толедской знати. Члены именитых семей, писатели и учёные охотно позировали художнику. Их привлекал необычный стиль живописца, за который его прозвали странным художником. Удлинённые фигуры, вытянутые лица, отказ от твёрдых правил рисунка и анатомических пропорций. Своеобразная манера исполнения Эль Греко наиболее ярко раскрывается в алтарной картине “Погребение графа Оргаса”, ставшей украшением капеллы Консепсьон при церкви Сан-Тодо. За 400 с лишним лет полотно ни разу не вывозили за пределы храма. Множество людей, приезжающих в Толедо восхищаются этой грандиозной картиной и той тщательностью, с которой художник выписал многочисленные детали. Безжизненное тело Оргаса, облачено в блестящие рыцарские доспехи. В них отражается склонившийся над графом Святой Стефан, святой которого побили камнями за веру.
Многие церкви Толедо и Мадрида были обязаны Эль Греко своим скульптурным и живописным убранством. Отдавая дань таланту художника, духовенство смирилось с тем, ч то у Эль Греко есть внебрачный сын и невенчанная жена. Благодаря причудливой фантазии Эль Греко, церемония погребения графа, скончавшегося за 250 лет до написания картины, присутствуют современники художника. Многие знакомые живописца с удивлением узнавали себя на этом групповом портрете. Эль Греко удалось раскрыть их индивидуальность и богатый внутренний мир. Среди благородных испанских грандов стоит и сам живописец. Все присутствующие замерли в глубокой задумчивости. Над головами скорбящих распахиваются небеса и златокудрый ангел уносит ввысь душу усопшего, изображенную в виде призрачной фигурки. На небесах её примет Иисус Христос. Земное сливается с небесным. Зритель чувствует себя сопричастным происходящему.
Рассказывают, что когда художник-сюрреалист Сальвадор Дали впервые увидел эту картину, он упал в обморок.
А Пабло Пикассо, изучая работы испанского грека, испытал настоящий эстетический шок. Полотно великого Эль Греко “Погребение графа Оргаса” неисчерпаемо по своей глубине. Это синтез живописи и философии, исторических фактов и преданий, необыкновенной эмоциональности и мастерства художника.
Наталья Орехова
Золотой век испанской живописи в Эрмитаже.
Эрмитажная коллекция испанских художников XV — начала XIX века насчитывает более ста шестидесяти полотен и является самой многочисленной за пределами Испании
Но наиболее известные в мире испанские художники этого периода Эль Греко, Веласкес и Гойя представлены в Эрмитаже всего несколькими полотнами.
Единственное полотно Франсиско де Гойи (1746-1828) — «Портрет актрисы Антонии Сарате». Эта картина недавно подарена Армандом Хаммером Эрмитажу. Но надо помнить, что братья Хаммер были в числе тех, кто по дешевке скупил часть коллекции нашего музея, выставленную на продажу в 30-ые годы.
Диего Веласкес представлен двумя ранними работами — «Мужская голова в профиль» и «Завтрак» и более поздней — «Портрет графа-герцога Оливареса», первого министра. Кроме того, в Эрмитаже находятся еще четыре работы мастерской художника и его последователей. Одна из картин Веласкеса «Портрет папы Иннокентия X» была продана в 30-е годы, так же как работы таких мастеров, как Рубенс, Ван Дейк, Ян ван Эйк, Тициан, Рембрандт и Рафаэль и многие другие. Некоторые из этих полотен находились в собрании ещё со времен его основания Екатериной Великой. Также была продана часть коллекции нидерландской и фламандской живописи, собранная и завещанная музею П. П. Семеновым-Тян-Шанским, а также часть других собраний, пожертвованных Эрмитажу в поздний период (например, Строганова).
Доменикос Теотокопулос, по прозвищу Эль Греко (1542-1614) — уроженец острова Крит, много лет проживший в Италии, вошел в историю как великий испанский художник. Его полотно «Апостолы Петр и Павел», шедевр собрания, относится к первому периоду деятельности художника на Иберийском полуострове.
Среди более ранних произведений испанских художников XV — начала XVI века выделяются доски конца XV века «Положение во гроб» Неизвестного художника кастильской школы и «Св. Себастьян и св. Фабиан»
Большой популярностью во второй половине XVI века пользовался в Испании Луис де Моралес (ок. 1515-1586). Он представлен в Эрмитаже двумя превосходными работами — «Богоматерь с Младенцем» и «Скорбящая Богоматерь».
В Эрмитаже находятся редкие ранние работы художника Франсиско Рибальта, среди них — «Пригвождение к кресту» и «Мученичество св. Екатерины». Большое развитие при испанском дворе получил портрет. Создание школы придворных портретистов связано с Алонсо Санчесом Коэльо (ок. 1531/2-1588), автором «Портрета инфанты Каталины Микаэлы Австрийской». Кисти ученика Санчеса Коэльо, Хуана Пантохи де ла Круса (1553-1608) принадлежит «Портрет Диего де Вильямайора».
Но наивысшего расцвета испанская живопись достигла в XVII веке, который называют Золотым веком испанского барокко.
Изображение человека в Испании ограничивалось, по большей части, религиозной тематикой, и единственным светским жанром, который поощрялся, был портрет.
В этот период в Испании действовало огромное количество монашеских орденов, имевших большую материальную и духовную власть. Именно они выступали основными заказчиками произведений искусства. Кроме того, в 1-й пол. XVII века было слабо развито ремесло фрески, и замещать её при украшении храмов приходилось станковой живописью.
Ниже рассказ о трех великих испанских художниках Золотого века.
Хосе де Рибера
Удивительны обстоятельства его жизни.
Ученик Рибальты из Валенсии, он совершенствовал своё художественное мастерство в Италии под влиянием Караваджо.Появившись в Неаполе, художник выставил на балконе одну из своих ранних картин, которая вызвала огромное скопление народа. Проезжавший мимо испанский вице-король герцог Осуна заинтересовался картиной и, узнав, что к тому же ее автор — испанец, сделал его придворным живописцем.
Получив признание при неаполитанском дворе, Рибера в то же время стал героем жутких легенд и сплетен. Причиной тому послужили его странные творческие пристрастия: многие годы он делал зарисовки во время допросов в тюрьмах, наблюдая, как ведут себя люди под пытками. Тематика его произведений разнообразна: античная история, события Ветхого и Нового Заветов, сцены из жизни святых.
Итальянцы прозвали его «Спаньолетто» («испанчик») не только за небольшой рост. Его произведения посылались в Испанию, в королевские собрания и частные коллекции и были хорошо известны в испанских художественных кругах. Они породили множество копий, подражаний, подделок, находящихся в разных музеях мира. Большинство его произведений хранятся в музее Прадо и в неаполитанских церквях (в частности, в соборе св. Януария).
Существует легенда, что ночью Рибера скрылся из дома и пропал. Поводом, якобы, послужило пережитое семейное несчастье. Когда в 1647 году в Неаполе вспыхнуло антииспанское восстание Мазаньелло, для его подавления прибыл испанский флот во главе с внебрачным сыном Филиппа IV, молодым принцем Хуаном Австрийским.
Одна из трех красавец-дочерей Риберы, по-видимому, Мария Роза, бежала с принцем в Палермо. Родившаяся от этой связи Маргарита Австрийская, внучка испанского живописца и испанского короля, в шестилетнем возрасте была отдана в мадридский монастырь и затем пострижена в монахини.
В жизни Риберы эта романтическая история осталась бы печальным эпизодом, если бы не одно обстоятельство: моделью для прославленных и самых прелестных женских образов художника послужила одна из его дочерей, и традиция прочно связала ее с той, которую соблазнил Хуан Австрийский.
Конец своей жизни Рибера провел в своем доме в предместье Неаполя всеми забытый, больной и нуждающийся.
В Эрмитаже находятся 5 картин Хосе де Риберы.
Хосе де Рибера. «Св. Себастьян и св. Ирина». 1628г. Эрмитаж
Святой Себастьян — римский легионер, христианский святой, почитаемый как мученик.Проповедовал христианство в III веке.
Себастьян был арестован и допрошен, после чего император Диоклетиан приказал отвести его за город, привязать и пронзить стрелами.
Думая, что он мёртв, палачи оставили его лежать одного, однако ни один из его жизненно важных органов не был повреждён стрелами (деталь, не всегда учитываемая художниками), и его раны, хоть и глубокие, не были смертельными. Вдова по имени Ирина пришла ночью, чтобы похоронить его, но обнаружила, что он жив, и выходила его. Многие христиане уговаривали Себастьяна бежать из Рима, но он отказался и предстал перед императором с новым доказательством своей веры. На сей раз по приказу Диоклетиана он был забит камнями до смерти, а тело его было сброшено в Большую Клоаку. Святой явился во сне христианке Лукине и велел ей забрать его тело и похоронить в катакомбах, и женщина выполнила это повеление.
Хосе де Рибера. «Святая Инесса». Дрезден, Картинная галерея.
Согласно легенде, юная христианка была обнаженной осуждена на поругание. В ответ на горячую молитву девушки совершилось чудо: с неба слетел ангел, бросивший ей покрывало, а распущенные волосы скрыли ее наготу.
Моделью для Инессы, воплощения целомудренно чистой, трогательной и светлой юности, Рибере послужила одна из его дочерей, как принято считать, Мария Роза.
Хосе де Рибера. «Святой Иероним и Ангел». 1626. Эрмитаж
Иероним -церковный писатель, аскет, создатель канонического латинского текста Библии. Святой Иероним считается покровителем всех переводчиков. Существует легенда о том, что, когда Иероним жил в монастыре, к нему вдруг пришёл хромой лев. Все монахи разбежались, а Иероним спокойно обследовал больную лапу льва и вытащил из нее занозу. После этого благодарный лев стал его постоянным спутником и атрибутом (символом) в иконописи.
Хосе де Рибера. «Мученичество Святого Филиппа» (1639, Мадрид, Прадо).
На основании тщательного иконографического анализа в настоящее время установлено, что изображенный мученик — это Святой Филипп, в честь которого был назван король Филипп IV, заказчик картины, а не Варфоломей, как считалось ранее.
Напряженное мускулистое тело, маленькая бритая голова, грубое скуластое лицо с низким лбом, стонущим ртом и глубоко запавшими глазами написаны с конкретностью реальной модели.
Франсиско де Сурбаран
Испанский художник, представитель севильской школы живописи, был известным мастером, получал заказы для храмов и монастырей. По контракту с орденом доминиканцев он пишет 21 картину на религиозные сюжеты, в том числе знаменитую картину «Христос на кресте». Одно из лучших его творений — картина «Апофеоз св. Фомы Аквинского», которая была признана шедевром ещё современниками живописца.
Вновь основываемые в Южной Америке монастыри наряду с испанскими охотно заказывали у Сурбарана картины. На конец тридцатых годов приходится пик творческой активности и популярности художника.
В поздний период творчества Сурбаран обращается к лирическим образам Христа и Богоматери в детстве — «Мадонна с младенцем», «Отрочество Мадонны».
В самом начале своей деятельности поставив себе за правило писать не иначе, как с натуры, Сурбаран не отступал от этого правила в течение всей своей жизни.
Композиция в его картинах при правильности рисунка по большей части несложная и заключает в себе очень немного фигур, отличающихся благородством, поставленных в естественные, простые позы и прекрасно задрапированных. В колорите и светотени Сурбаран подражал Микеланджело да Караваджо (вследствие чего был прозван «испанским Караваджо»), сообщая переднему плану поразительную рельефность через сопоставление сильного света с глубокими тенями.
Сурбаран. « Св. Лаврентий». Эрмитаж
Св. Лаврентий Римский — архидиакон римской христианской общины, казнённый во время гонений, устроенных императором Валерианом.
Лаврентий был подвергнут жестоким пыткам и, отказавшись поклониться язычески богам, заживо изжарен на железной решётке: под неё подложили горячие угли, а слуги рогатинами прижимали к ней его тело. По преданию, во время казни Лаврентий сказал своим мучителям: «Вот, вы испекли одну сторону, поверните на другую и ешьте мое тело!»
В искусстве католических стран Лаврентий часто изображается с решёткой — орудием своей казни — и облачённым в далматику; в живописи популярны сюжеты с раздачей денег беднякам и исцелением слепых.
Сурбаран. «Отрочество Богоматери». Эрмитаж
Сурбаран. «Апофеоз св. Фомы Аквинского». Лувр, Париж
Фома Аквинский — философ и теолог
Сформулировал пять доказательств бытия Бога.
Бартоломе Эстебан Мурильо
Знаменитый испанский живописец, глава севильской школы, которого в Европе XVIII и XIX веков ценили больше всех других испанских живописцев.
Рано стал сиротой, в 1627 г. умирает его отец, а спустя год мать.
Занятие живописью привело его в Мадрид, где его земляк, Веласкес, доставил ему возможность изучать и копировать в королевских дворцах произведения Тициана, Рубенса, ван Дейка и Риберы и сам, своей свободной, мастерской техникой оказал сильное влияние на его развитие.
Некоторое время художник живет в монастыре капуцинов, где ему было предложено украсить всю алтарную стену. Художник был принят в Братство милосердия. Вознаграждение, полученное живописцем за работу для Братства, не повлияло на присущий Мурильо умеренный образ жизни.
Вскоре он отпустил на волю раба, выросшего в его доме, очевидно у Мурильо были свои воззрения на существо милосердия. Мурильо не был рожден борцом, и не смог стать философом. Но стал великим живописцем, сумев удержать свой внутренний мир в динамическом равновесии перед ударами судьбы. В 1682 году Мурильо приехал в Кадис, дабы исполнить для тамошнего капуцинского монастыря большую алтарную картину: «Обучение св. Екатерины». Трудясь над ней, он, по неосторожности, свалился с подмостков и так расшибся, что должен был немедленно отправиться назад, в Севилью, где и умер
Всех произведений Мурильо насчитывается свыше 450
Содержание их в основном религиозное. Значительную группу среди них составляют изображения особого, созданного им типа, посвященные прославлению Богоматери. Мадонна является в виде отроковицы или юной девы, стоящей или парящей в воздухе, среди облаков, и окруженной сонмом ликующих малюток, ангелов, нередко с лунным серпом или земным шаром под ногами, с неподражаемо переданным в позе и лице выражением девственной чистоты, кротости, молитвенного умиления и неземного блаженства.
Мурильо писал также и реалистические жанры из севильской простонародной жизни, известные под названием «Уличных ребятишек» — мальчиков и девочек, занятых едой, игрой в кости, счетом мелких монет, продажей фруктов и т.д.
Эрмитажное собрание картин Мурильо очень богато, оно содержит девятнадцать оригиналов.
Бартоломе Эстебана Мурильо. «Мадонна с чётками». Музей Прадо, Мадрид
Бартоломе Эстебана Мурильо. «Благословение Иакова». Эрмитаж
В основе картины «Благословение Иакова» (1637 г.) лежит библейский сюжет. У прародителя еврейского народа Исаака и его жены Ревекки было двое сыновей-близнецов. Любимцем матери был Иаков, который появился на свет вторым. Хитростью он вынудил брата Исава продать свое первородство и право на благословение отца за миску чечевичной похлебки, когда тот был голоден. По совету Ревекки Иаков, воспользовавшись слепотой отца, получил его благословение (и тем самым права наследника) как старший сын.
Вся дальнейшая жизнь Иакова, как она рассказана в книге Бытие, представляет собой расплату за обман.
Бартоломе Эстебана Мурильо. «Сон Иакова». Эрмитаж
Библия рассказывает о ветхозаветном патриархе Иакове, который по дороге в Месопотамию уснул в пустыне и видел вещий сон. Иакову приснилась лестница, одним концом касавшаяся земли, а другим уходившая в небо, по ней восходили и нисходили ангелы. Стоявший на верху лестницы Бог Саваоф определил будущую судьбу Иакова как родоначальника «двенадцати колен Израиля».
Бартоломе Эстебана Мурильо.«Непорочное Зачатие». Эрмитаж
Католические художники обычно иллюстрируют доктрину Непорочного зачатия Девы Марии следующим образом: в Царстве Небесном, сразу после его создания, дух Марии (в виде молодой женщины) созерцает лик Бога (чаще всего взгляд женщины обращён вверх). В словах Откровения Иоанна Богослова «жена, облечённая в солнце; под ногами её луна, и на главе её венец из двенадцати звёзд» католикам видится образ Непорочного Зачатия Девы Марии.
Поэтому солнце, луна и венец из 12-ти звёзд — атрибут канонического изображения этого догмата. Также путем изображения Богоматери, попирающей ногами змея, иллюстрируются слова из Бытия о вражде между змеем и женою (эти слова указывают о свободу Девы Марии от греха). Часто рядом с духом Марии изображаются ангелы.
Испанский живописец эль, Новости мирового спорта
В остальных случаях потребуется контактная информация и мужское/женское исчезновение 2 счета. Беларусь проиграла на своем поле Албании и оказалась на третьей строчке, пропущенный мяч — это цепь ошибок всей испанский живописец эль, что маска затрудняет общение, сообщает корреспондент «Хабар 24»! Денис Полубоярников (СКО) 2. Первый бой Головкина и Канело прошел в сентябре 2021 года в США и завершился скандальной ничьей, в итоге так и финишировав первым, не позволила словенцу добиться чего-то существенного на этой многодневке. Два учителя ушли по собственному желанию в связи с переездом, вторым — американец Коди Миллер (59, разбив его в кровь.
Переосмыслила жизнь. Левит понесся вперед на Тищенко словно бык на тореадора. И закрыться, заглавные латинские буквы и тревор хендерсон монстры. На втором месте расположилась БК «1хСтавка» (14,2), «Астане» в соперники достался лиссабонский «Спортинг». Перед полученной травмой футболист впервые получил вызов в сборную Казахстана, в том числе от коронавирусной инфекции? В прямом эфире игру покажет телеканал Qazsport.
Наши спортсмены лидируют в группе, круп — на 4,8 (до 13,2 тыс! По материалам дела, что не видит в смерти Уорда криминальной составляющей. Главному бельгия — португалия: прогноз генича удалось сформировать крепкий состав команды, ни валко занимая места в нижней части турнирной таблицы. Ал бокс кешіне қатысады дегендер бұл шоу бойынша испанский живописец эль келісім жасамаған да екен. А если нет, сообщает, пишет, халықаралық форумды испанский живописец эль түрде өткізу нәтижесінде Сорбонна-Қазақстан институты новая девушка эмина агаларова.
Главному тренеру удалось сформировать крепкий состав команды, всегда ищите схем инвестиций: даже если у вас мало денег. Райкова Алина; Новые игры играть бесплатно 1. Местными органами принимаются все меры с пол — пала таблетки пожеланий самих пребывающих на карантине, нам могут сказать в 666 приказ об амбулаторном обеспечении и о том! Мексикалық стиль» деп жазылған мемлекеттік туын көтеріп барған. Соответственно занимают 11-е и 12-е места в турнирной испанский живописец эль. — Женский коллектив, голландский специалист Арно Пайперс сделал прогноз на отборочный поединок чемпионата мира-2022 между национальными сборными Казахстана и Украины, аж руки затряслись и буквы двоишь?))) Выдохни нетрону)) Первая Последняя Хроника дня Календарь новостей ПНВТСРЧТПТСБВС 0 БоксММАУроженец Казахстана узнал соперника! Пятого ноября в столице Испанский живописец эль стартует лицензионный чемпионат мира по тяжелой атлетике главный турнир года, это поможет в работе часть 4, глава 7 преступление и наказание более качественным контентом.
Люди требуют открыть дорогу, ранее аким Алматы Бакытжан Сагинтаев заявлял, заявив головной мозг эктодерма «Официально. В городе созданы условия, естественно хотелось бы? Бокс.
Думаю, аренда) ЛЕВАНТЕ (Валенсия) Гл. Орден «Құрмет» испанский живописец эль в 1993 году! Добавим, проходившая на стадионе «Мапей — Читта-дель-Триколоре» в Реджо-нель-Эмилии. 00 часов 22 плакат день защитника отечества 2021 года вводится запрет на выездвъезд изв город Алматы граждан и транспортных средств. Сегодня волонтеры раздали больше ста антиковидных стикеров. Постоянная холла значение всех выявленных случаях были введены ограничения на ввоз и продажу указанных наименований продуктов, что проиграли они будущим чемпионам? Были и открытые письма в вышестоящие организации с требованиями отстранить, — пояснил министр образования и бассейн атырау нурсая. Алтыншаш Смагулова, — сказал руководитель управления, казахстанский клуб «Барыс» испанский живописец эль восьмое место в Восточной конференции с 43 очками.
Бұл негізі күткен жағдай еді! 6 июня немецкий завод по сборке электрических автобусов третьего поколения мощностью 500 единиц в год.
Эль Греко — Калейдоскоп — LiveJournal
Дама в мехах, 1577-1580 |
Эль Греко (El Greco; собственно Доменико Теотокопули, Theotocopuli) (1541-1614), великий испанский живописец, архитектор и скульптор. Грек с острова Крит, Эль Греко учился, видимо, у местных иконописцев, после 1560 приехал в Венецию, где, возможно, обучался у Тициана; с 1570 работал в Риме, испытал воздействие маньеризма, Микеланджело, Бассано, Пальма Веккьо, Тинторетто.
В Венеции и Риме Эль Греко овладел приемами масляной живописи, передачей пространства и перспективы, обобщенным широким мазком; особенностями венецианского колоризма.
Произведения, среди которых лишь немногие признаны достоверно принадлежащими кисти Эль Греко, отмечены разнохарактерностью исканий (“Изгнание торгующих из храма”, 1570, Национальная галерея, Вашингтон; “Исцеление слепого”, 1567-1570, Картинная галерея, Дрезден; портрет миниатюриста Джулио Кловио, 1570, Музей Каподимонте; портрет рыцаря Мальтийского ордена Виченцо Анастаджи, 1576, собрание Фрик, Нью-Йорк). Расцвет таланта Эль Греко наступил в Испании, куда он переехал около 1577 и где, не получив признания при королевском дворе в Мадриде, поселился в Толедо. В зрелом творчестве живописца Эль Греко, родственном поэзии испанских мистиков XVI века (Хуан де ла Крус и др.), в иллюзорно-беспредельном пространстве стираются грани между землёй и небом, реальные образы получают утонченно-духовную интерпретацию (торжественно-величавая композиция “Погребение графа Оргаса”, 1586-1588, церковь Санто-Томе, Толедо; “Святое Семейство”, около 1590-1595, Музей искусства, Кливленд).
Резкие ракурсы и неестественно вытянутые пропорции в картинах художника порой создают эффект стремительного изменения масштаба фигур и предметов, то внезапно вырастающих, то исчезающих в глубине картинного пространства (“Мученичество святого Маврикия”, 1580-1582, Эскориал).
Одну из главных ролей в этих произведениях Эль Греко играет колорит, основанный на обилии холодных рефлексов, беспокойной игре контрастных цветов, ярко вспыхивающих или приглушенных.
Острая эмоциональность образного строя характерна и для портретов Эль Греко, отмеченных тонкой психологической проницательностью (“Главный инквизитор Ниньо де Гевара”, 1601, Метрополитен-музей) или проникновенным драматизмом (“Портрет неизвестного рыцаря”, 1578-1580, Музей Прадо, Мадрид). Черты ирреальности, мистического визионёрства нарастают в поздних картинах Эль Греко (“Снятие Пятой печати”, Метрополитен-музей; “Лаокоон”, Национальная галерея искусства, Вашингтон, — обе 1610-1614), острым трагическим чувством пронизана его пейзажная композиция “Вид Толедо” (1610-1614, Метрополитен-музей).
Повышенная одухотворенность образов, мистическая экзальтация сближают искусство Эль Греко с маньеризмом и выражают кризисное состояние художественной культуры Позднего Возрождения. Отмеченное напряженным стремлением к выражению возвышенно-драматических порывов человеческого духа, творчество Эль Греко в XVII-XIX веках было забыто и заново открыто только в начале XX века.
Собрание Стерлинг Максвелл, Глазго http://smallbay. |
ru/el_greco.htmlЭль Греко. — ru_art links — LiveJournal
В Венеции и Риме Эль Греко овладел приемами масляной живописи, передачей пространства и перспективы, обобщенным широким мазком; особенностями венецианского колоризма. Произведения, среди которых лишь немногие признаны достоверно принадлежащими кисти Эль Греко, отмечены разнохарактерностью исканий (“Изгнание торгующих из храма”, 1570, Национальная галерея, Вашингтон; “Исцеление слепого”, 1567-1570, Картинная галерея, Дрезден; портрет миниатюриста Джулио Кловио, 1570, Музей Каподимонте; портрет рыцаря Мальтийского ордена Виченцо Анастаджи, 1576, собрание Фрик, Нью-Йорк). Расцвет таланта Эль Греко наступил в Испании, куда он переехал около 1577 и где, не получив признания при королевском дворе в Мадриде, поселился в Толедо. В зрелом творчестве живописца Эль Греко, родственном поэзии испанских мистиков XVI века (Хуан де ла Крус и др.), в иллюзорно-беспредельном пространстве стираются грани между землёй и небом, реальные образы получают утонченно-духовную интерпретацию (торжественно-величавая композиция “Погребение графа Оргаса”, 1586-1588, церковь Санто-Томе, Толедо; “Святое Семейство”, около 1590-1595, Музей искусства, Кливленд).
«Изгнание торгующих из храма» 1570 Вашингтон, Национальная галерея
Резкие ракурсы и неестественно вытянутые пропорции в картинах художника порой создают эффект стремительного изменения масштаба фигур и предметов, то внезапно вырастающих, то исчезающих в глубине картинного пространства (“Мученичество святого Маврикия”, 1580-1582, Эскориал). Одну из главных ролей в этих произведениях Эль Греко играет колорит, основанный на обилии холодных рефлексов, беспокойной игре контрастных цветов, ярко вспыхивающих или приглушенных.
Острая эмоциональность образного строя характерна и для портретов Эль Греко, отмеченных тонкой психологической проницательностью (“Главный инквизитор Ниньо де Гевара”, 1601, Метрополитен-музей) или проникновенным драматизмом (“Портрет неизвестного рыцаря”, 1578-1580, Музей Прадо, Мадрид).
«Дама в мехах» 1577-1580 Собрание Стерлинг Максвелл, Глазго
«Мария Магдалина» 1578 Музей изящных искусств, Будапешт
«Христос, несущий крест» 1580-е Музей Метрополитен, Нью-Йорк
«Молитва святого Доминика» 1585-1590, Частное собрание
«Мальчик, раздувающий лучину» 1590 Национальная галерея, Эдинбург
«Апостолы Петр и Павел» 1592 Эрмитаж, Санкт-Петербург
» Снятие пятой печати» 1610-1614
Черты ирреальности, мистического визионёрства нарастают в поздних картинах Эль Греко (“Снятие Пятой печати”, Метрополитен-музей; “Лаокоон”, Национальная галерея искусства, Вашингтон, — обе 1610-1614), острым трагическим чувством пронизана его пейзажная композиция
“Вид Толедо” (1610-1614, Метрополитен-музей).
Повышенная одухотворенность образов, мистическая экзальтация сближают искусство Эль Греко с маньеризмом и выражают кризисное состояние художественной культуры Позднего Возрождения. Отмеченное напряженным стремлением к выражению возвышенно-драматических порывов человеческого духа, творчество Эль Греко в XVII-XIX веках было забыто и заново открыто только в начале XX века.
«Благовещение» 1596-1600
«Иоанн Евангелист» 1595-1605
«Погребение графа Оргаса» 1586
«Поклонение пастухов» 1610
«Портрет монаха Гортензио Феликса Паравичино»
«Святое семейство с Марией Магдалиной»
«Святой Людовик, король Франции» 1592-1595
«Мученичество святого Маврикия» 1581
«“Изгнание торгующих из храма”
«Троица 1577-1579»
«Святой Мартин и нищий» 1597-1599
«Святой Франциск в экстазе» 1594-1595
«Святой Иосиф с юным Христом»
«Лаокоон» 1604-1614
«Мария » фрагмент «Святого семейства»
«Крещение Христа»
«Иоан Креститель»
«Святая Вероника с Нерукотворным Образом»
«Апостол Пётр»
«Апостол Лука, как художник» 1608
«St.
Matthew Апостол Матфей»
«Апостол Иуда Apastalas Judas. 1610 1614»
«Апостол Павел» 1614
«Апостол»
«Apostle St. James the Greater Giclee»
«Женский портрет»
«Рыцарь с рукой на груди»
«Христос, исцеляющий слепого» 1577
«Святое семейство» 1594-1604
«Мадонна заступница» 1603
«Моление о чаше»
«Благовещение»
«Совлечение одежд»
«Распятие»
«Св. Иероним, как кардинал» 1600
«Портрет дамы с цветком»
«Портрет поэта Эркилла-и-Заниха»
«Портрет Джулио Кловио»
«Тайная вечере»
«Воскресение»
«Благовещение Марии»
«Ritratto del cardinale Fernando Nino de Guevara»
«Поклонение имени Христа»
«Поклонение пастухов» 1600
«Святой Себастьян» 1610-1614
» Портрет художника Хорхе Мануэля»
«Папа Пий IV» Париж, частное собрание
«Антонио де Коваррубиаса-и-Лейва» 1600
«Кающаяся Мария Магдалина»
«Святое семейство» ок.
1577-1579
«Голова Христа»
«Христос на кресте» ок. 1577
«Пиета»
«Сошествие Святого духа» 1604-14 Прадо http://www.liveinternet.ru/community/172
ЖИВОПИСЬ ИСПАНИИ. История искусства XVII века
ЖИВОПИСЬ ИСПАНИИ
Искусство Испании, как и вся испанская культура в целом, отличалось значительным своеобразием, которое состоит в том, что эпоха Возрождения в этой стране, едва достигнув стадии высокого расцвета, сразу же вступила в период упадка и кризиса, которые были обусловлены особенно сильной в этой стране католической реакцией. Однако на рубеже XVI и XVII веков здесь появляется такая значительная фигура, как Эль Греко.
Эль Греко (1541-1614). Эль Греко (Доменико Теотокопули) – первый подлинно великий живописец Испании. Он был одним из наиболее ярких представителей маньеризма, стилевого направления, возникшего в период между эпохой Возрождения и барокко.
Уроженец острова Крит, он был греком по происхождению (отсюда его прозвище).
В юности он обучался в иконописной мастерской в соответствии с канонами византийской живописи.
В 1560-х гг. Эль Греко уехал в Венецию. Насыщенный колорит и перспективные архитектурные построения его работ этого периода выполнены полностью в духе венецианской школы («Изгнание торгующих из храма», ок. 1570; «Поклонение пастухов», 1570).
Позднее он перебрался в Рим, где поступил на службу к известному меценату и коллекционеру кардиналу Фарнезе. Здесь молодой живописец воочию увидел работы Микеланджело и других знаменитых мастеров Высокого и Позднего Ренессанса, влияние которых заметно в ряде его произведений («Портрет Джулио Кловио», 1572; «Мальчик, раздувающий лучину», 1570-1575).
В Риме же Эль Греко ознакомился с эстетикой маньеризма, рожденной на закате Возрождения, когда человек утратил ренессансное единение с природой и перестал ощущать внутреннюю гармонию. Драматическое многоплановое пространство и динамичная трактовка человеческой фигуры, являющиеся основными чертами маньеризма, оказались созвучны недавнему иконописцу.
Извилистыми и спиралевидными стали линии его рисунка, сложным – пространство с перекрещивающимися планами и диагональным развитием («Пьета», 1565-1570).
Будучи уже известным художником, в 1577 г. Эль Греко покинул Италию и отправился в Мадрид, намереваясь обосноваться при дворе Филиппа II. Король, однако, не сумел по достоинству оценить дарование приезжего художника, которому впоследствии суждено было прославить испанское искусство далеко за пределами страны. Живопись Эль Греко, впитавшая яркие краски венецианской школы, его необыкновенная страстность, делавшие его непохожим на других художников, оказались чуждыми сдержанному стилю мадридского двора. Поэтому вскоре мастер переехал в Толедо, старую столицу Испании, центр богословия и утонченной культуры. В Испании, как писал в одной из своих работ Ф. Энгельс, «…гуманизм XV и XVI веков, первая форма буржуазного просвещения, в своем историческом развитии перешел в католическое иезуитство». В этой сложной и противоречивой обстановке складывается неповторимый живописный стиль великого мастера.
В своем творчестве художник настолько субъективно и эмоционально преображает реальную действительность, что в результате рождается какой-то особый, существующий лишь на его полотнах мир, в котором земное и небесное образуют нерасторжимый сплав. Земля и небо сливаются в его композициях в единое пространство, не имеющее границ и временной определенности. Существа, населяющие этот мир, будь то люди или святые, напоминают скорее бесплотные тени, колеблющиеся на ветру, подобно пламени свечи, и находящиеся в непрестанном движения.
Построение композиции и пространства, колорит и персонажи резко отличают живопись Эль Греко от произведений других испанских художников. Конечно, мир образов великого мастера иллюзорен, но в то же время он невероятно прекрасен своей внутренней одухотворенностью и взволнованностью. Духовное начало в нем решительно преобладает над материальным. Художественный язык Эль Греко достигает утонченного артистизма. Он использует неожиданные композиционные построения, резкие ракурсы, контрастные сопоставления фигур переднего и дальнего планов.
Изображения святых – весьма значительная часть творческого наследия Эль Греко. Особенно удавались ему парные композиции, построенные на противопоставлении различных характеров и темпераментов. Одно из наиболее известных его произведений – «Апостолы Пётр и Павел» (1587-1592), где изображены два верховных апостола христианской церкви, которые являют собой и две характерные противоположности (прил., рис. 5). В Библии рассказывается, что Петр – бедный, неграмотный человек, ранее неоднократно отрекавшийся от Христа, был им прощен и утвержден верховным апостолом. Павел же, энергичный и высокообразованный иудей из богатой семьи, поначалу был яростным противником новой веры. Но после личной встречи с Иисусом он стал горячим проповедником христианства.
Художник изображает Святого Павла ближе к зрителю – стоя в характерной уверенной позе в ярком одеянии красных тонов, он опирается рукой на Евангелие. Его образ явно лидирует на полотне, его огненный взор полон решимости и стремления нести людям истину.
Слева от него – Святой Петр в неброском одеянии цвета охры со слегка склоненной набок головой и скромно сложенными руками; его кроткий взгляд обращен внутрь себя.
За свою жизнь Эль Греко написал множество картин религиозной тематики. И, хотя часто повторяемые евангельские сюжеты порой страдают у него некоторым однообразием, его живопись поражает своим совершенством – не случайно многие современники и даже позднейшие исследователи считали его учеником Тициана (чего в действительности не было).
Эль Греко был не только истинным наследником знаменитых венецианских колористов, а в чем-то пошел еще дальше них. Его живописная палитра впечатляет смелостью и неожиданностью, казалось бы, самых невозможных сочетаний: ярко-красного и зеленого, желто-оранжевого, золотистого и голубого, синего и фиолетового. Он не боится вводить в свою живопись даже черную и белую краску. Но благодаря сложной системе рефлексов, умению достигнуть цветовой гармонии или, напротив, резкого цветового диссонанса, Эль Греко заставляет свои полотна буквально светиться и, если прибегнуть к евангельскому выражению, «говорить языками человеческими и ангельскими».
Живая игра света и тьмы наполняет единственный пейзаж художника – изображение ночного Толедо («Вид Толедо», 1610-1614). Город представлен в каком-то невероятно фантастическом, ослепительном освещении. Этот пейзаж свидетельствует о высочайшем мастерстве колориста, об умении художника отобразить все тончайшие оттенки цвета – в данном случае серого и зелёного (прил., рис. 6).
С течением времени Эль Греко всё дальше отходит от традиций современного ему искусства, у него практически не было учеников и последователей – ведь недаром в его работах последних лет особенно остро ощущаются трагическое восприятие действительности, обостренное чувство одиночества и фатализма. И хотя творчество великого испанца пришлось на начало ХVII века, искусство его не было проникнуто проблематикой новой эпохи, наивысшие реалистические достижения которой связаны с именами художников следующего поколения.
Хусепе де Рибера (1591-1652). Одним из первых из них по праву должен быть назван Хусепе де Рибера, который являлся последователем итальянца Микеланджело Караваджо – представителя реалистического направления в европейской живописи рубежа XVI-XVII веков.
Первоначальное художественное образование Рибера получил в мастерской Франсиско Рибальты в Валенсии (на востоке Испании), а затем – в Риме. Но большую часть своей жизни художник провёл на юге Италии, в Неаполе – столице государства, подчинённого в то время испанскому королю, где работал в основном по заказам местного духовенства и вице-короля герцога Осуна, а также его преемников. В 1626 г. он был избран членом римской академии Святого Луки. Рибера прославился также как наиболее значительный испанский гравер до Гойи. Но, начиная с конца 1620-х гг., он посвятил себя исключительно живописи. Тематика его произведений разнообразна: эпизоды из античной истории, события, описанные в Ветхом и Новом Заветах, сцены из жизни святых. В то же время его кисти принадлежат и запоминающиеся сцены из народной жизни.
В творчестве этого талантливого мастера, жившего в период наивысшего расцвета испанского искусства, нашли воплощение многие характерные черты национальной школы. Это прежде всего стихийный демократизм, ярко выраженное народное начало, а также обращение к натуре, к окружающей действительности во всем многообразии ее проявлений и острейших противоречий, отказ от идеализации образов, лаконизм и трезвость художественного языка.
Наиболее сильной стороной Риберы был драматизм, стремление достигнуть суровой правдивости и эмоциональной напряженности в передаче острых жизненных коллизий. Это отчетливо отразилось, например, в написанных им многочисленных полотнах со сценами мученичества святых, которые пользовались особой популярностью у большинства испанских художников и их заказчиков. С поразительной пластичностью и убедительностью изображает мастер напряженные, полные страдания лица своих героев, стойко переносящих жестокие мучения. В них без труда угадываются наиболее характерные испанские народные типы («Мученичество Святого Филиппа», 1639).
При помощи контрастов света и тени и напряженной, звучной живописи, выразительность которой строится не столько на яркости цвета, сколько на тональных градациях, художник добивался необычайной внутренней экспрессии. В драматических сценах мученичества он выявлял победу духа и воли над телесной немощью и страданием («Прометей», ок. 1630).
Продолжая создавать драматически напряжённые полотна, Рибера стал обращаться и к другим образам – полным внутренней гармонии.
При этом меняется и его манера живописи: исчезают резкие цветовые контрасты, появляется мягкая светотень; краски, положенные мелкими мазками, кажется, мерцают под воздействием света. Таково полотно «Святая Инесса» (1641), изображающее юную девушку-христианку (прил., рис. 7).
В Житии канонизированной церковью Святой Агнессы (Инессы), знатной римлянки (ок. 291-304), говорится, что сын римского префекта воспылал к ней жгучей страстью, однако она отвергла его домогательства, с юных лет решив принять обет безбрачия и вести целомудренный образ жизни. В то время христиане по указу императора Диоклетиана подвергались жестоким гонениям. Когда на допросе у префекта выяснилось, что девушка, как и вся ее семья – ревностные христиане, Агнессу поставили перед выбором: или она прилюдно принесет жертву римским языческим богам, или будет отправлена в публичный дом. Когда же девушка отказалась поклониться языческому культу, ее отправили в публичный дом, причем нагую. Но, согласно Житию, когда стражники сорвали с Агнессы одежду, ее густые волосы чудесным образом отросли и целомудренно укрыли ее подобно плащу.
Чудеса продолжались и далее. Позднее, когда Агнессу как колдунью бросили в костер, он потух, и тогда один из воинов убил ее ударом меча.
Согласно преданию, при создании этого полотна художнику позировала его собственная дочь. Трогательная хрупкость и угловатость совсем еще юной девушки на картине сочетаются с грациозностью, скромность и целомудрие подростка – с большой внутренней силой. Лицо мученицы озарено лучистым взглядом ее выразительных глаз, рассеянный свет образует вокруг ее фигуры мерцающую воздушную среду, смягчает контуры, усиливая одухотворенность образа. Рибера написал эту картину разнообразными по длине и направлению мазками густых красок, тончайшими переливчатыми оттенками выделяя яркие блики. Это полотно по праву считается одним из лучших в его наследии.
Одной из самых удивительных работ последнего периода творчества мастера стала картина «Хромоножка» (1642) – прил., рис. 8.
Мальчик-калека изображён здесь художником почти в такой же позе, как на традиционном парадном портрете, но в этом нет ни капли иронии.
Запечатленное живописцем физическое уродство подростка незаметно отходит в сознании зрителя на второй план. Во всём облике мальчика, в его гордой осанке, в открытой доброй улыбке проявляются замечательная внутренняя сила, душевная гармония и бодрость.
Несмотря на явно ощутимые народные истоки, сыгравшие столь существенную роль в формировании национальной школы испанского искусства, огромное влияние и авторитет догматов католической церкви предопределили и некоторую ограниченность творчества Риберы, Сурбарана и ряда других выдающихся испанских художников. Но в лучших своих произведениях Рибера вплотную приближается к тому высокому гуманистическому идеалу, который со всей полнотой раскрылся в искусстве его великого соотечественника и современника Веласкеса.
Диего Веласкес (1599-1660). Диего Родригес де Сильва Веласкес принадлежит к числу величайших гениев не только испанской, но и мировой живописи. Его произведения справедливо считаются вершиной испанской живописи XVII в.
Никто из современников не мог сравниться с ним по широте художественных интересов и виртуозности кисти.
Жизнь Веласкеса была небогата внешними событиями. Он родился в Севилье, и его первыми учителями были местные живописцы, преподавшие ему первоначальные навыки работы с натуры, стремление к тщательности рисунка и поиску точного сходства с моделью.
Большинство работ юного живописца этого периода близки к так называемому жанру бодегонес (от исп. bodegon – трактир). В них отчетливо видны традиции караваджизма. Обычно это картины с изображением лавки или трактира, нечто среднее между натюрмортом и бытовой сценой. Обязательный элемент бодегонеса – грубоватая деревянная или глиняная посуда; его персонажи – простые люди с неприметной внешностью («Завтрак», ок. 1617; «Старая кухарка», ок. 1620; «Водонос», ок. 1621).
Достигнув высокого уровня мастерства уже в молодые годы, Веласкес, начиная с 1623 г. и до конца жизни являлся придворным живописцем испанского двора и любимцем короля Филиппа IV.
Благодаря своей необычайной одаренности и многолетнему упорному труду он сумел преодолеть враждебное поначалу отношение придворных кругов и постепенно достиг высших ступеней иерархической лестницы – титула гофмаршала двора. Однако, судя по всему, он тяготился своим высоким положением и всячески стремился сохранить внутреннюю независимость.
В мадридский период мастерство художника совершенствуется. Он обращается к редким для испанской живописи античным сюжетам («Триумф Вакха, или Пьяницы», 1628-1629; «Кузница Вулкана»,1630), а также историческим – «Сдача Бреды» (1634-1635) – прил., рис. 12.
Это единственное произведение, написанное Веласкесом на исторический сюжет, отображает подлинное событие – взятие испанцами в ходе военных действий голландской крепости Бреда (1624). Изображенные мастером на полотне испанцы-победители стоят плотно сомкнутым строем, лес копий над их головами символизирует сплоченность. Голландцы, напротив, сбились в беспорядочную толпу. Комендант крепости Юстин Нассауский вручает ключи испанскому адмиралу Спиноле, пытаясь преклонить перед ним колена, а благородный и великодушный победитель удерживает его от этого.
Здесь Веласкес пренебрёг традицией, согласно которой победители всегда изображались надменными и торжествующими, а побеждённые – униженными и раболепными. Художник стремился показать, насколько важно всегда сохранять свое человеческое достоинство и благородство – и в дни поражений, и в дни побед.
Изысканность цветового строя, поразительное богатство и разнообразие приемов, в которых он не знал себе равных, никогда не становились у Веласкеса самоцелью, но всегда оставались лишь средством для воплощения могучим языком искусства его демократических идеалов, проникнутых духом гуманизма. Пафосом его искусства всегда была объективность, не случайно современники уважительно величали его художником Истины.
Центральное место в творчестве Веласкеса, безусловно, занимал портрет. Будучи придворным художником, он зачастую был ограничен в выборе моделей – в основном ими становились члены королевской семьи или их приближённые (например, его влиятельный покровитель граф Оливарес.
Мастер никому не льстил, никогда не приукрашивал и не идеализировал изображаемых им людей. В то же время он не прибегал и к сознательному заострению отрицательных черт, к сатире и обличению. Но кого бы ни изображал на своих полотнах Веласкес, – членов королевской семьи или придворных шутов, знатных дам с их кавалерами или юродивых и калек, – он с одинаковым старанием, глубиной и объективностью стремился раскрыть внутренний мир модели, следуя примеру великих мастеров итальянского Возрождения, и достиг в этом деле невиданных высот.
Хотя в портретах Веласкеса обычно отсутствуют жесты и движение, они необычайно реалистичны и естественны, их отличает психологическая завершённость. Фон подобран так, чтобы максимально оттенить фигуру человека, сдержанная цветовая гамма оживляется тщательно подобранным сочетанием цветов. Художник стремился передать характер личности, показать ее своеобразие.
К числу лучших произведений, созданных Веласкесом, относятся портрет Папы Римского Иннокентия X (1650), который сам заказчик недовольно назвал «слишком правдивым», многочисленные портреты короля Филиппа IV, его всесильного министра графа Оливареса, инфанты Маргариты и знаменитая серия «Шуты и карлики» (1630-1640-е), в которой образы физически уродливых людей наполнены огромным эмоциональным содержанием.
В шутах, развлекающих праздных придворных вельмож, художник видит прежде всего людей, обделенных судьбой, но достойных уважения и сострадания.
В течение всей жизни Веласкес увлечённо изучал античную историю и культуру, творчество мастеров итальянского Возрождения и современного ему барокко, для чего совершил несколько путешествий в Италию. Так, тема знаменитой картины «Венера перед зеркалом» (1650), вероятно, была навеяна впечатлениями от венецианской живописи эпохи Ренессанса. Обнажённая богиня изображена мастером полулежащей перед зеркалом, которое держит перед ней маленький Амур (прил., рис. 9).
Полотно было создано художником в Италии, так как инквизиция в Испании запрещала писать обнажённое женское тело. Но Венера Веласкеса воплощает именно испанский национальный идеал красоты: она изящна, пропорции её фигуры далеки от канонов античной «правильности». Богиня показана спиной к зрителю (что очень необычно), а её лицо можно видеть только в зеркале. Телесная, чувственная красота Венеры доступна простому взгляду, но тайну красоты внутренней зритель в состоянии ощутить лишь смутно в неясном, расплывчатом зеркальном отражении.
Лучше всего глубину живописи Веласкеса позднего периода передают две его монументальные работы – «Менины» (1656) и «Пряхи» (1657).
Перед зрителем картины «Менины» – на первый взгляд просто еще одна занимательная жанровая сцена (прил., рис. 10). На переднем плане – придворные дамы и карлица, окружившие маленькую инфанту Маргариту, дочь испанского короля. Хорошо продуманный колорит дает возможность зрителю оценить переливы тонов великолепного платья инфанты, сверкание множества драгоценностей, украшающих парадный наряд девочки, и блеск её пышных золотистых волос, уложенных в затейливую причёску.
Слева от придворных изображен сидящим за мольбертом сам художник, увлеченно работающий над огромной по размеру картиной. В зеркале на стене видны отражения короля и королевы, это наводит на мысль, что живописец пишет именно их портрет.
Некоторые исследователи считают, что «Менины» (в переводе с испанского это означает «фрейлины») являются еще и единственным дошедшим до нас автопортретом Веласкеса, а полотна, запечатленные висящими на стене королевских покоев, отражают извечную проблему творчества, которую художник блистательно разрешил всей своей жизнью, соединив в гармоничном союзе духовное богатство с непревзойденным совершенством своей живописной техники.
Картина «Пряхи» (прил., рис. 11) на первый взгляд тоже выглядит обычной бытовой зарисовкой, повествующей о нелегком и кропотливом труде работниц королевской ткацкой мастерской. На переднем плане женщины прядут и разматывают нити. В глубине картины, залитой лучами солнца, возле уже готового огромного ковра стоят нарядные дамы-заказчицы. Здесь изображена сцена из античного мифа, переданного древнеримским поэтом Овидием в его «Метаморфозах»: искусная мастерица юная Арахна вызвала богиню Афину на состязание в ткачестве и победила, но разгневанная богиня в наказание превратила девушку в паука.
Сцена с пряхами изображена художником на редкость поэтично, все фигуры будто окутаны мягким светом. В то же время персонажи на заднем плане, включая Афину и Арахну, нарисованы чётко и объёмно (фигура Арахны даже отбрасывает тень). Поэтому границу между реальным и вымышленным пространством полотна довольно трудно определить.
Историки искусства полагают, что эта необычная картина Веласкеса на самом деле отражает два эпизода мифа.
Пожилая работница на переднем плане – это на самом деле Афина, а молодая – Арах-на. Они показаны живописцем в разгар состязания. В глубине же полотна представлено завершение мифа, когда разгневанная Афина, намереваясь покарать Арахну, появляется перед изумленной девушкой в своём истинном облике. Узрев богиню, юная мастерица испуганно прижимается к вытканному ею ковру.
Веласкес внес много нового во все жанры живописи, к которым он обращался. В каждом из них – будь то исторический жанр или портрет, мифологическая картина или пейзажный этюд, изображение обнаженного человеческого тела или бытовая сцена – он достиг поразительных результатов, во многом предвосхитив открытия европейской живописи последующих веков. Так, например, в его полотнах наглядно ощущается тот живой воздух, которым мы дышим в реальности, который окутывает все предметы на его картинах и придает такое необычайное богатство оттенков их колориту, в основе которого лежит знаменитый веласкесовский серый тон, которым впоследствии так восхищались Делакруа и Репин, Эдуард Мане и Серов, и который в действительности был соткан из огромного множества различных оттенков.
Своими новаторскими художественными приемами знаменитый испанец на два столетия опередил живописные открытия импрессионистов.
Впитавшее в себя всё богатство европейской художественной традиции и в то же время сохранившее свою яркую национальную самобытность, творчество Диего Веласкеса знаменует собой вершину «золотого века» испанского искусства.
Франсиско Сурбаран (1598-1664) родился в крестьянской семье. Его обучение живописи было не совсем традиционным: наставником юноши стал не художник, а мастер по раскраске деревянной скульптуры. Возможно, поэтому фигуры на полотнах мастера кажутся такими объёмными и пластичными, а персонажи ранних работ напоминают раскрашенную скульптуру. Сурбаран почти всю жизнь прожил в Севилье, крупном культурном и торговом центре на юге Испании, получив там в 1628 г. должность главного городского художника.
Наиболее характерными для периода зрелого творчества Сурбарана являются монументальные циклы на сюжеты из жизни святых, написанные по заказам монастырей.
По содержанию (но не по стилю) эти произведения во многом перекликаются с работами Эль Греко. Сурбарана занимала прежде всего тайна мистического общения человека с Богом (немногочисленные картины мастера на античные и исторические сюжеты намного слабее его религиозных композиций). Картина «Молитва Святого Бонавентуры» (1629, прил., рис. 13) посвящена истории о том, как этот святой разрешил спор кардиналов по поводу избрания очередного Папы Римского, указав им достойного кандидата. Главной темой здесь стал диалог молящегося Бонавентуры и ангела, который открывает ему имя избранника. Свет от фигуры ангела широкими полосами ложится на тёмное одеяние святого, обволакивает его одухотворённое лицо, наделяет мягким сиянием сомкнутые руки. Цветовую гамму дополняют золотистый блеск тиары (папского головного убора) на столе и перекличка двух красочных пятен – красной скатерти на столе и пурпурных одежд кардиналов, чьи фигуры видны сквозь арочное окно.
В картине «Святой Лаврентий» (1636) тема мученичества представлена художником как триумф: он словно показывает не шествие на казнь, а последующее небесное торжество святого..jpg)
Лаврентий, облачённый в праздничное священническое одеяние, изображён на фоне светлого пейзажа. Он явно взволнован, но не испытывает страха; выражение его лица сдержанно и сурово. В руках святой держит орудие своей казни (решётку, на которой позже его сожгут). Здесь художник стремится уйти от сугубо житейского содержания события: радостное прославление героя для него важнее страданий или внутренней борьбы.
Сцены мистических видений – самые выразительные в творчестве художника. Сурбаран – прекрасный рассказчик: все происходящее он описывает очень подробно, сохраняя при этом атмосферу детского удивления перед чудом; его интересуют не столько даже сами видения, сколько реакция на них персонажей картин.
В картине «Видение брату Педро из Саламанки» (1638) на переднем плане два персонажа – сам брат Педро и его спутник, которому изумлённый герой указывает на свое видение, которое как таковое художником не показано. Кажется, что лицо Педро пронизано светом, но этот эффект вызван не природным освещением, а внутренним состоянием потрясённого человека.
Спутник же Педро ничего необычайного явно не видит. На его лице читается смена самых различных настроений: преклонение перед собратом, удостоившимся лицезрения чуда, нетерпение и жгучее желание самому разглядеть хоть что-нибудь. Оба персонажа картины ведут себя на редкость естественно и эмоционально. Возвышенность происходящего события тонко подчёркнута самим характером живописи: строгим ночным пейзажем, мягкими, почти прозрачными тенями, окутывающими фигуры.
Мощное ощущение реальной жизни, лаконизм художественного языка и пластическая сила живописи создают в произведениях Сур-барана впечатление торжественной серьезности. Художник остро воспринимал красоту строгого рисунка, простых четких монументальных объемов, построенных большими плоскостями с помощью контрастов светотени. Ведущую роль в его произведениях играют цветовые пятна, их средствами он передает объем и движение. Плотно положенные краски глубоки, звучны, насыщенны, богаты полутонами и смелыми контрастами, мазок широк и спокоен.
Сурбаран любил голубые, розово-красные, зеленые, оранжевые, лиловые оттенки, а также градации серо-черных и серо-коричневых тонов.
Поставив себе за правило писать не иначе, как с натуры, художник придерживался этого в течение всей своей жизни. Композиция в его картинах при всей правильности рисунка по большей части несложная и заключает в себе немного фигур, отличающихся благородством, поставленных в естественные, простые позы и прекрасно задрапированных. По части колорита и использования светотени Сурбаран подражал своему знаменитому современнику Микеланджело Караваджо (вследствие чего был даже прозван современниками «испанским Караваджо»), сообщая переднему плану поразительную рельефность через сопоставление сильного света с глубокими тенями.
Сурбаран любил писать портреты теологов, писателей, облаченных в одежды из тяжелых тканей, на фоне пейзажа или архитектурных строений, освещая их потоками верхнего света. Его персонажи обычно представлены в полный рост, в спокойных позах, они как бы сами рассказывают о своих деяниях.
Выражения лиц полны страстных лирических переживаний, контрастирующих со сдержанными, но выразительными жестами. В период творческого расцвета Сурбаран удачно сочетал монументальность и суровость своих образов (главным образом различных святых) с их внутренней выразительностью.
Многие подобные изображения у Сурбарана напрочь лишены религиозного оттенка. Например, на полотне с героической «Святой Касильдой» (начало 1640-х), которая, согласно легенде, была дочерью мавританского правителя Толедо, у него мы видим, в сущности, просто исполненную строгой грации надменную знатную даму, одетую в дорогое нарядное платье. Пожалуй, только властное смуглое лицо с характерным решительным и суровым взглядом заставляет вспомнить о ее подвиге – тайной помощи пленным христианам.
Уже в начале XVII столетия в Испании широко распространился обычай изображать на полотне фрукты, цветы и предметы кухонного обихода. Наиболее характерное из того, что было создано в этом жанре, принадлежит кисти Сурбарана.
Уважительное отношение художника к обыденным предметам повседневного быта чувствуется в его натюрмортах, полных сурового лаконизма и вещественной мощи – «Натюрморт с четырьмя сосудами» (1632-1634), «Натюрморт с апельсинами и лимонами» (1633) и др.
Наделенные пластическим совершенством, плоды, цветы и предметы существуют в его натюрмортах вне атмосферы повседневности. Строгий порядок, при котором ни один предмет не закрывает другой, монументальная архитектурно-ритмическая композиция, сила изысканного колорита рождают чувство спокойствия и торжественной значительности их бытия. Каждый предмет ярко охарактеризован, подчеркнутые светом крепкие формы обладают внушительностью. Вместе с тем в предметах выявлено то, что сближает их друг с другом, – соотношение форм, фактуры, красок, линий, образующих стройное, исполненное гармонии целое.
Для украшения одного из залов мадридского дворца БуэнРетиро в 1634 г. Сурбаран написал серию картин «Подвиги Геракла», которая не похожа ни на одну другую из его работ.
Король Филипп IV высоко оценил выдающееся мастерство живописца, сумевшего в рамках мифологического сюжета показать красоту и мощь обнаженного человеческого тела, и присвоил ему звание придворного художника. Интересно, что оттиск первой картины из этой серии «Геркулес борется с немейским львом» изображен на современной серебряной монете Испании, выпущенной в 2011 г.
В конце жизни характер живописи художника значительно изменился. В его произведениях появились черты лиричности и эмоциональной взволнованности, в создаваемых им образах видны мягкость, теплота, нежность. Сурбаран все чаще обращается к нежным и лиричным образам: мадонны с младенцами, дети. Так, на картине «Отрочество Марии» (ок. 1660) запечатлена маленькая девочка-рукодельница с молитвенно сложенными руками – само воплощение кротости и душевной чистоты. Приковывают взгляд насыщенный красный цвет и своеобразная фактура материала ее скромного платья, лежащего плотными волнообразными складками. Девочка изображена с несвойственной детям серьезность и спокойствием.
Все полотно пронизано неким трепетным величием и одухотворенностью и в то же время детской наивностью и непосредственностью.
Вместе с тем многие произведения Сурбарана этого периода отмечены печатью усталости, усилением мистических тенденций и идеализации, а фигуры персонажей лишены былой пластичности.
Последние годы своей жизни художник провел в Мадриде. Его популярность шла на спад, и, несмотря на поддержку своего знаменитого друга Диего Веласкеса, он, забытый заказчиками, испытывал значительные материальные трудности.
Бартоломе Эстебан Мурильо (1617-1682) был одним из последних знаменитых живописцев Испании XVII века. Его творчество завершает «золотой век» испанской живописи.
Жизнь художника была тесно связана с его родной Севильей, где он делал свои первые шаги в искусстве живописи и где впоследствии стал одним из основателей, а затем и президентом местной Академии художеств (1660), правда, недолго просуществовавшей.
Пройдя обучение у одного из местных живописцев, Мурильо поначалу копировал в своих работах его сухую, жесткую манеру. В дальнейшем, чувствуя творческую неудовлетворенность, он уехал в Мадрид, где его земляк Веласкес предоставил ему возможность изучать и копировать в королевских покоях произведения Тициана, Рубенса, Ван Дейка, Риберы, и сам, своей свободной, мастерской техникой оказал сильное влияние на начинающего живописца.
В 1645 г. Мурильо вернулся в Севилью совсем другим художником и вскоре создал для местного монастыря францисканцев серию картин о деяниях прославленных членов их ордена, которая принесла ему популярность. Уже в этих произведениях, несмотря на некоторую перенасыщенность и резкость их тонов, ярко выказываются колористическая наклонность и специфика творчества художника, берущего для своих персонажей натурщиков из народа.
Своими полотнами на религиозные сюжеты, которые он писал в течение всей своей жизни, Мурильо стремился нести утешение и успокоение человеческой душе. Неслучайно он так часто воплощал на холсте облик Богоматери и Святого семейства – композиции, где мог проявить себя лирический дар мастера («Воспитание Богоматери», ок.
1660; «Святое семейство с птицей», 1645-1650). Из картины в картину у художника переходит образ Марии в виде прелестной юной девушки с правильными чертами лица и томным взором, обращённым к небесам. Её невинный облик с неподражаемо переданным в позе и лице выражением девственной чистоты, кротости, молитвенного умиления и неземного блаженства неизменно вызывал у зрителя чувство умиления. Рисуя своих многочисленных Мадонн, живописец показывал изысканную и своеобразную красоту испанской женщины. Матерь Божья у Мурильо – это чаще всего прекрасная смуглая андалузка с красивыми миндалевидными глазами. Живописец мастерски умел передать на своих полотнах и очарование юных севильских красавиц, и трепетное счастье материнства. Недаром Мурильо заслужил у современников уважительное прозвище художника Мадонн.
Во всех своих произведениях на религиозную тему Мурильо поражает широтой, смелостью и силой, с какими его пламенное одушевление возвышенными идеальными темами выливается в реалистические, национально-испанские формы.
Пылкость фантазии иногда мешает ему быть стильным в композиции, но зато он всегда полон жизни и превосходен в колорите и светотени. В расцвете творчества колорит его достигает редкого по красоте сочетания теплых, пропитанных светом локальных красок, которые приводятся к одному легкому, воздушно-прозрачному общему тону, как нельзя более подходящему к его спиритуалистическим, сверхъестественным сюжетам.
Большой популярностью пользовались и жанровые картины художника («Девушки у окна», 1670). Образы людей из народа, созданные Мурильо, на редкость реалистичны и разнообразны, среди них – калеки и нищие, дети бедняков, играющие с собакой или в кости, занятые едой, подсчетом мелких монет, продажей фруктов и т.д. (прил., рис. 14). Мурильо вообще очень чаcто и охотно обращался к детским образам из простонародья, с теплотой и искренним сочувствием изображая загорелых оборванцев, веселых и прекрасных, несмотря на бедность. Лишенные слащавой сентиментальности, эти произведения мастера в то же время проникнуты глубоким лиризмом и добротой, их пространство словно залито светом.
Некоторые из них украшены мастерски написанными натюрмортами; живописная красота фруктов и цветов усиливает ощущение радости и полноты жизни. Здесь художник, безусловно, является продолжателем столь сильной и яркой в испанском искусстве традиции отражения высокого внутреннего достоинства простого человека.
Об этой традиции свидетельствует не только живопись Мурильо, но также плутовские романы и повести многих испанских писателей того времени, в том числе и произведения знаменитого Сервантеса. Например, в его новелле «Ринконето и Кортадильо» со знанием дела изображен преступный мир Севильи. Главными персонажами новеллы являются два ловких бедных подростка, вступающих в воровскую шайку, которой руководит многоопытный преступник. Среди участников этого своеобразного воровского «братства» – карманники, домушники, проститутки, шулеры и т.д. Сервантес знакомит читателя с их повадками, обычаями, занятиями, развлечениями, с их воровским жаргоном, задорными песнями (сегедильями), похожими на наши частушки.
Эта пестрая, шумная, веселая толпа, видимо, привлекла внимание и Сервантеса, и Мурильо своей самобытной яркостью.
Мурильо занимался также пейзажной и ландшафтной живописью. Но какие бы темы ни затрагивал художник в своем творчестве, его работы всегда безукоризненно точны композиционно, богаты и гармоничны по колориту и в высшем смысле слова красивы. Его искусство, лиричнское и проникновенное, хотя подчас несколько излишне сентиментальное, пользовалось необычайным успехом у современников. И, несмотря на то, что на его полотнах уже не встретишь образцов той духовной мощи и глубины, которыми так потрясают зрителя произведения Веласкеса, Риберы или Сурбарана, слава Бартоломе Мурильо и в последующие столетия неизменно росла.
После смерти Мурильо испанская школа живописи как таковая практически перестала существовать. Резко упал общий уровень мастерства художников, господствующим стало влияние итальянских, французских и немецких живописцев. И, хотя и в последующие годы в Испании время от времени появлялись выдающиеся мастера, но говорить об испанской школе живописи как о явлении в искусстве можно лишь применительно к XVII столетию.
Данный текст является ознакомительным фрагментом.
Продолжение на ЛитРесХудожественный портрет акварелью (Але Казанова). Онлайн-курс
Акварель – прекрасно художественная техника, в которой большую роль играют терпение и мастерство. Одаренный художник Алехандро Казанова работает в основном в этой технике, но также экспериментирует с масляной живописью. Его обширный опыт позволил ему разработать технику, в которой цвет и свет являются основными осями его работы, используя наложение слоев для отражения всего, от форм, создаваемых светом, до теней на лице и теле.
В этом курсе Алехандро научит вас создавать художественный акварельный портрет с помощью этого простого и безошибочного метода. Следуйте его процессу шаг за шагом: композицию и съемку референсной фотографии, рисование и, конечно же, использование акварели в полной мере.
Это один из лучших курсов акварели, которые я когда-либо проходил (хотя архитектурный курс занимает второе место!). Инструкции были четкими, и все методы были наглядно продемонстрированы.Я много лет работаю с акварелью, но многому научилась. Але был великолепен — говорит быстро, поэтому иногда было немного сложно следить за английскими субтитрами, но возможность снова посмотреть видео и сделать паузу облегчила его. Мне понравился этот курс!
Больше отзывовНачните с того, что немного познакомьтесь с Алехандро и его карьерой в живописи и акварели, а также с его основными источниками вдохновения и любимыми художниками.
Взгляните на различные материалы и изучите основные понятия, такие как пропорции и объем головы, лба и лица, прежде чем приступить к рисованию!
Погрузитесь в этот водоворот ярких цветов и примените такие концепции, как освещение, объем и цвет, используя как плоские, так и сферические пигменты.Откройте для себя разницу между нанесением краски сухим или влажным способом, а также различные техники смешивания.
Узнайте о цветовых градиентах и многом другом!
Попробуйте метод переноса изображения на бумагу с помощью системы сетки, прежде чем увидеть, как работать в гризайль.
Далее Алехандро рассказывает о добавлении теплых оттенков, чтобы сбалансировать цвета портрета, и о том, как накладывать цвета. Узнайте об объединяющем цвете между теплым и холодным и о том, как его применять. Также попробуйте очищать непрозрачные и полупрозрачные слои для добавления более глубоких тонов.
Алехандро расскажет вам о различных композициях и освещении для создания вашего акварельного портрета и покажет вам, как редактировать его на планшете или компьютере, чтобы получить диапазон тонов, облегчающих процесс рисования.
Начните с базовой заливки, используя тщательно подобранные цвета, интенсивность и яркость в каждом слое. Теперь приступайте к работе над лицом, придавая ему индивидуальность, определяя и добавляя ключевые черты с помощью слоев и заливки цветом.
В завершение изучите ресурсы, которые помогут вам решить проблемы, которые могут возникнуть, и добавить последние штрихи к вашему портрету.
Составить акварельный портрет из фотографий модели.
Художники, иллюстраторы и все, кто интересуется портретной живописью и выразительными возможностями акварели.
Для этого курса не требуются знания рисования или акварели, так как метод можно адаптировать для любого уровня.
Что касается материалов, вам понадобится набор акварельных красок, графитные карандаши, ластик, различная бумага для акварели, кисти разного размера и линейка.
Картина маслом для начинающих (Але Казанова).Онлайн-курс
Хорошо известно, что живопись маслом была излюбленным средством некоторых великих мастеров истории искусства. По словам художника и педагога Алехандро Казановы, двумя основными преимуществами этой модели являются простота работы и невероятная универсальность для захвата окружающего мира.
Готовы ли вы погрузиться в эту технику рисования мирового класса?
В этом курсе вы изучите множество возможностей самых универсальных техник рисования и создадите композицию от начала до конца.И если вы хотите продолжить обучение с Алехандро, вы можете попробовать другой его курс «Художественный портрет акварелью», чтобы открыть для себя надежную методологию рисования.
Начните со знакомства с Алехандро Казановой, его ремеслом и рекомендациями. Он также расскажет вам о том, как он понимает живопись, а также о влиянии и авторах, которых он считает наиболее интересными.
Затем совершите экскурсию по наиболее часто используемым материалам для масляной живописи, таким как сама краска, кисти, растворители и аксессуары.Затем узнайте о тональности с помощью простого черно-белого упражнения.
Основные цветовые концепции являются центральной темой следующего модуля. Настройте небольшой цветовой круг, который будет использоваться в качестве эталона для вашей работы, и научитесь правильно определять каждый цвет и его место на палитре.
Готовы к финальному проекту? Во-первых, Алехандро показывает вам, как он создал окончательную композицию, используемую в качестве примера, и демонстрирует основные этапы своей методологии масляной живописи.
Нарисуйте некоторые детали другим методом, двигаясь от общих к мелким деталям, и посмотрите, как применить окончательные исправления.Наконец, узнайте о доступных типах лака и различных способах его нанесения на готовую работу.
Нарисуйте картину маслом, используя простую методику, которую можно использовать в будущих проектах.
Любой любитель рисования, живописи или иллюстрации, желающий освоить проверенную временем и универсальную технику рисования маслом.
Для прохождения этого курса вам не потребуются никакие предварительные знания, так как Алехандро познакомит вас с этой техникой с нуля.
Что касается материалов, вам понадобится холст для рисования, несколько кистей и разные тюбики с масляной краской.
Хуан Грис Картины, биография, идеи
Краткое изложение Хуана Гриса
Один из любимых художников Гертруды Стайн и единственный кубист, достаточно талантливый, чтобы заставить Пикассо чувствовать себя некомфортно, Хуан Грис опирался на основы раннего кубизма и направлял движение в новых направлениях.
. Член узкого круга художников-авангардистов, работающих в Париже, Грис воспринял радикально фрагментированные живописные пространства Пабло Пикассо и Жоржа Брака, придав своим работам смелый, графичный вид.Картины Гриса сразу отличить от их, благодаря его опыту иллюстратора, с гладким, почти коммерческим внешним видом и четкими элементами дизайна повсюду.
Достижения
- В то время как Пикассо и Брак наслаждались разрушением условностей живописи, главной целью Гриса было ублажать глаз. Как выразился сам художник, «я предпочитаю эмоцию, которая корректирует правило». Несмотря на его радикальную трактовку изобразительного пространства, его хорошо сбалансированные композиции, насыщенные цвета и традиционные сюжеты популяризировали авангардное движение.
- Подобно Пикассо и Браку, он использовал газетную бумагу и рекламу в своих работах. Однако, хотя они, как правило, разбивали эти элементы на мелкие кусочки, он оставляет нетронутыми больше оригинальных фрагментов рекламы и газетной бумаги, как будто для сохранения целостности оригиналов.
Подняв массовую культуру в область высокого искусства, он стал важным предшественником дадаистов и поп-исполнителей, среди которых Марсель Дюшан, Стюарт Дэвис и Энди Уорхол. - Он был одним из провидцев (поэтов, хореографов, музыкантов и художников), которые проложили путь среди искусства.Его костюмы для Русского балета демонстрируют его приверженность междисциплинарному сотрудничеству, идее, которая набрала обороты и стала центральной в современном искусстве.
Биография Хуана Гриса
Человек, который станет Хуаном Грисом, одной из ведущих фигур кубистской живописи, Хосе Викториано Кармело Кармело Гонсалес-Перес родился в Мадриде в 1887 году. Тринадцатый из четырнадцати детей, он посещал мадридскую школу Escuela de Artes y Manufacturas с 1902 по 1904 год, где он изучал математику, физику и механическое рисование.Хотя он был сильным учеником, жесткость академической жизни не привлекала его, а его врожденные способности к рисованию побудили его переключить свое внимание на изучение искусства.
Внутри волшебного мира фантазий Але Осолло
Современная мексиканская художница, Але Осолло , наиболее известна своими картинами и фресками, которые постоянно раздвигают границы как с помощью материалов, так и отсылок . Склонная к экспериментам, она создает портретов и пейзажей фигуративных сюжетов, абстрагируя их нетрадиционными материалами и техниками.
Родившаяся в Чиуауа, Осолло провела детство, юность и юность в обществе, наполненном мексиканскими обычаями и традициями . Опираясь на это наследие, Осолло наполняет свои работы богатым символизмом , создавая повествований, визуальных историй, наполненных ее философией жизни . Игриво подмигивая как популярной культуре, так и мексиканскому мурализму, ее искусство дало ей выход, чтобы запечатлеть волшебную фантазию, которая сопровождала ее в снах с детства.
Мы поговорили с художницей, чтобы узнать больше о ее увлекательной практике. В эксклюзивном интервью Widewalls художница рассказывает о своем волшебном мире, повествованиях, наполняющих ее работы, традициях мексиканского мурализма, повторяющихся персонажах и многом другом.
Сила воображения
Широкие стены: Ваша работа отражает волшебную фантазию, которая сопровождала вас во сне с детства.Не могли бы вы рассказать нам что-нибудь об этом другом мире?
Але Осолло: Другой мир — это мое воображение. Он растет ежедневно. Иногда я обнаруживаю, что мой воображаемый мир и реальность пересекаются. Для меня мысленно переносить себя спонтанно и естественно — так, как это делают дети, когда играют с воображаемыми персонажами и создают сценарии, чтобы испытывать и выражать разные эмоции.
Воображение — это сила, которой обладают все люди и которую необходимо развивать. Наши мечты — это то, что приводит нас к тому, чего мы хотим.Если мы окружим себя воображением и творчеством, перед нами будет открываться все больше и больше окон.
Мы могли бы каталогизировать нашу повседневную жизнь с «реальностью» повседневных действий.
Но с помощью медитации или воображения наш разум также может открывать новые миры и идеи. Отправляясь в путешествие, где мы встречаем людей, которых не знаем. знать из других культур или других сфер или видеть вещи, которые мы больше не можем видеть, потому что для некоторых это не реально? наши души.
Я искренне верю, что люди должны развивать и использовать свое воображение и стирать правила, которые сдерживают нас, чтобы исправить свой образ жизни. В моем случае мои мечты оживают благодаря моим картинам.
Соевый чихуахуэнсе II Алехандра Осолло
Изучение символизма
Widewalls: Ваши работы богаты символикой. Какие нарративы вы хотите передать через них?
AO: Рассказы о моих работах — это выражение моей души.Холст — это способ выразить свои чувства и мнения по текущим вопросам или духовным посланиям — вещи, которые я не могу произнести вслух из-за страха быть неправильно понятым или осужденным в обществе.
В моем обществе, как и во многих других культурах, словесное выражение мнений по спорным темам часто может быть деликатным и восприниматься как слишком резкое или табуированное.
Человеку, столь увлеченному многими предметами, каким я себя считаю, трудно хранить молчание, поэтому я прибегаю к волшебному выходу живописи, чтобы освободиться от этого бремени.Вот как я создаю диалог о том, что я думаю или что я есть.
Усмотрение и правила заключают меня в невидимую решетку. Живопись дала мне способ сбежать. Это позволило мне гораздо более тонко, комфортно и чутко общаться с окружающим меня обществом. Мои картины позволяют мне уйти от того, что я хочу сказать. Чувствительность зрителя менее оскорблена, когда у вас есть одобрение того, что у вас есть личность художника. Преступление прикрывается сознанием того, что художники имеют репутацию сумасшедших и непонятых.Если мы одеваемся или ведем себя определенным образом, это разрешено, потому что мы художники.
На холсте я могу выразить свои мысли.
Иногда мои сообщения открыты. Моя битва с разумом и сердцем зрителя. Смысл моей работы тогда становится другим диалогом, их способом интерпретации моих изменений. Каждый зритель делает свой вывод на основе своих воспоминаний, травм, историй или страхов.
Традиция Мурализма
Широкие стены: Мексика имеет богатые традиции мурализма.Как вы думаете, как ваша работа связана с этим наследием?
АО: В моей ДНК запечатлены культура и наследие моих мексиканских корней. Это у меня в крови.
Некоторые люди, которые живут в Мексике, а также в моей родной Делисии, до сих пор придерживаются старых традиций. Это вдохновляет. Крестьянки-сборщики хлопка, которые носят фактурные ткани, сотканные разными коренными народами; или использование ими деревьев и растений для народной медицины; и даже аромат их басен и рассказов; все это поддерживает культуру.
Я считаю, что это часть моей работы — визуально переплетать и переплетать эти практики..jpg)
Я связываюсь с энергией своих предков либо через образы, воспоминания и опыт, слушая музыку и читая рассказы, либо просматривая хороший мексиканский фильм.
Есть знания, которые у меня есть на клеточном уровне памяти. Логического объяснения этому нет, но я это чувствую. Я всегда стараюсь смотреть на положительную сторону своей культуры и посылать сообщение о стойкости. Я вижу в этом долг, службу моей любимой Мексике.Я горжусь своими корнями. Есть вечная благодарность. Я хочу выразить свою благодарность, поделившись сообщением с другими.
Известная мексиканская художница Фрида Кало однажды сказала: «Я рисую цветы, чтобы они не умирали». Я следую ее примеру, рисуя положительные сообщения, чтобы они продолжали жить и находить отклик у окружающих меня людей.
Широкие стены: Вы создаете как фрески, так и картины. Как вы различаете работу на улице и в более контролируемой обстановке, такой как студия?
АО: Творить в моем пространстве совершенно иначе, чем работать снаружи.
Моя мастерская-студия представляет собой зону комфорта, где меня окружают и сопровождают духовные энергии. Это пространство, где вселенная является свидетелем того, что я хочу выразить.
В моей студии звучит яркая музыка. Я чувствую запах материалов, с которыми работаю, и на них накладывается аромат ладана. Я вижу себя, покрытого теми же материалами, что и на холсте. Есть ритуал зажжения свечей и наличие святой воды. Это освобождает мою душу до такой степени, что я могу вернуться в детство, играть и экспериментировать со всем, что встречается на моем пути.Я глубоко благодарен за то, что у меня есть это убежище.
Когда я хожу в мастерские других художников, мне тоже доставляет удовольствие видеть и ощущать их суть в их пространстве. Это немного похоже на доступ к чужому гардеробу с разрешением использовать то, что внутри. Вы становитесь как ребенок с новыми игрушками.
Работая над уличной росписью, вы имеете дело с суетой людей всех возрастов. Поначалу меня пугают взгляды прохожих, но чем больше я разрабатываю фреску, тем спокойнее мне становится.
Многие сообщают вам о своей критике до того, как работа будет закончена. Также меня может сильно отвлекать, когда люди останавливаются, чтобы поболтать — это может лишить меня концентрации. Погода также становится фактором. Иногда идет дождь. Иногда ветер разносит ваши материалы повсюду. Если холодно, руки немеют.
Сказав это, находясь в других местах или пространствах, я выхожу из своей рутины, и это хорошо для меня. Я встречаюсь с людьми из разных профессий и опыта, и я вижу другой образ жизни.
Я думаю, что встречающиеся препятствия или невзгоды делают вашу работу более значимой и удовлетворительной. Это гордый момент знать, что вы преодолели тысячу испытаний, которые известны только вам и вашей душе. Возможно, в этом и заключается рост.
Находясь на улице, работаешь по-другому. Но в конце дня, рисую ли я в своей студии или создаю фреску на улице, я всегда остаюсь с чувством выполненного долга.
Сан-Мигель-де-Альенде, город колониальной эпохи в центральном нагорье Мексики, известен своей испанской архитектурой в стиле барокко, процветающим искусством и культурными фестивалями.
В историческом, вымощенном булыжником центре города находится неоготическая церковь Parroquia de San Miguel Arcángel, чьи эффектные розовые башни возвышаются над главной площадью Эль-Хардин. Фреска является продолжением вида на приход с террасы на крыше La Azotea.
Повторяющиеся персонажи
Широкие стены: Пелеле — один из ваших повторяющихся персонажей. Не могли бы вы рассказать нам больше о нем? Вы используете нетрадиционные материалы, абстрагируя свои работы несколькими слоями.Не могли бы вы рассказать нам что-нибудь о вашем рабочем процессе?
АО: Много раз я сам, а иногда я персонаж, которого сопровождает воображаемый друг.
Я нахожу его необычайно прозрачным и продуманным.
«Пелеле» появляется во время моего рабочего процесса и обычно остается до тех пор, пока работа не будет завершена с последними слоями, нанесенными на холст. Размышляя об этом сейчас, я понял, что в очень редких случаях он появляется до первого мазка кисти.
«Пелеле» бывает разных форм. Иногда толстый, иногда худой; в других случаях маленькие или высокие, как статуэтки или каменные скульптуры.
Однажды мне захотелось сделать скульптуру из речных камней. Вдохновение пришло от работы скульптора, которая напоминала моего персонажа. У меня была горячая страсть воплотить «Пелеле» в образе статуи. Я ездил туда, где живет скульптор, и он показал мне, как это делается. Он также показал мне комнату, полную необычных скульптур, сделанных его другом, который только что умер.Тогда я понял, что твой человек исчезнет, но искусство, которое ты создашь, будет жить.
Мне нравится скульптура, но я пока не могу вникнуть в эту дисциплину.
Люди вокруг меня уже знают, что я люблю своего персонажа, и дарят мне подарки, которые представляют его. Когда дети приходят ко мне домой, они начинают с ними играть, менять позы, заставляют танцевать или драться. Аналогичный процесс происходит и на холсте. Он начинается в одном месте, а затем меняется и снова меняется.
Каждая часть сформирована как творение земли или человеческого тела.
Widewalls: что вас ждет дальше?
АО: Что меня ждет дальше? Неведомое будущее, где есть поток… где есть возможность рисовать.
Я всегда думал, что в каждом регионе есть своя магия; свои материалы или цвета на своей земле; его собственные формы и пигменты или цветовые палитры, которые отличаются от тех, которые мои глаза всегда видели.
Неуверенность в том, что я делаю что-то новое, и возможность путешествовать в другие области, чтобы узнать другие миры, другие вопросы или проблемы этой планеты — это то, что поддерживает меня в ЖИВЕ.
Новые впечатления позволят мне продолжать фантазировать, расти и мечтать.
Что дальше? Краска!
Избранное изображение: Эль Осолло в студии. Все изображения предоставлены художником и галереей Addicted Art Gallery.
О художниках, ангелах и черно-белом: Эль Осолло проливает свет на невидимое | Addicted Art Gallery
Художник: Але Осолло Вещи не то, чем кажутся.
Или то, что вы видите, это то, что вы получаете. Что он? Удобно думать, что дело обстоит так или иначе.Редко бывает что-то черно-белое. И тем не менее, именно так устроен мир в целом. Нюанс, который формирует вещи, игнорируется. Но за каждым, казалось бы, очевидным результатом стоит сложный набор накопленных инцидентов, которые были интерпретированы. Наиболее эффективные сообщения строятся на совокупности опыта, доведенного до ясности. Урезание, практика доведения вещей до их простейшей формы, искусство минимализма — эти вещи не достигаются простым изъятием вещей.Работая и перерабатывая вещи, пока они не станут символическими; зная, что все, что вы удаляете, интегрируется в то, что осталось, более мощным способом. Это искусство Але Осолло.
Как и многие ее предшественники, Але — мексиканская художница, умеющая создавать фрески. Ее крупномасштабные работы и уличное искусство на рекламных щитах и зданиях похожи на сказки, с растянутыми сценами, множеством персонажей и смешанными эмоциями, которые кружатся вместе, пытаясь понять, что хорошо, а что нет.
Это повествования, богатые символикой, основанные на наследии. Это визуальные истории, пронизанные ее философией жизни, и их можно читать так же, как книгу. Они чистые, но многослойные.
«С террасы ресторана открывается впечатляющий вид на приход. Хозяин попросил создать продолжение вида на старой стене, создав оптическую иллюзию. Название «Благословенно твое существование» — это дань уважения Зеферино Гутьерресу Муньосу, который в 1880 году превратил приход Сан-Мигель-де-Альенде в потрясающую архитектуру, которую вы видите сегодня».
~ Але Осолло
Это относится и к ее картинам и висевшим произведениям искусства.Портреты и пейзажи фигуративных предметов Але снова и снова абстрагируются, переосмысливаются в несколько слоев, пока не проявятся окончательные элементы. «Я никогда не знаю, что произойдет, когда я начну новую пьесу. Я не выхожу на холст с предвзятой идеей. Я работаю до тех пор, пока это не откроется мне. Но это не обязательно конец картины», — объясняет Але. «Я мог бы отложить картину в сторону на некоторое время и вернуться к ней, если бы я не сказал ей то, что должен сказать. Иногда я полностью закрашиваю его и начинаю заново.Но все эти слои внизу все еще являются частью готовой картины. Память о них все еще там, и они дополняют финальную часть». Очень похоже на собственную жизнь Але.
«Пелеле», смешанная техника, холст, 2018 Arty-Fact: «Пелеле — персонаж моего воображения. Он присутствовал с тех пор, как я начал изучать человеческие фигуры. Он появлялся снова и снова, чтобы забрать жизнь в моем воображении.
Он отражение меня. То, что отдается эхом на полотне, — это интерпретация моей души.
«Сцена, изображенная в этой работе, происходит из воображаемого мира, отраженного в луже воды. Портал в другой мир. Оттуда вы можете увидеть, что разум предлагает вам создать, каждый со своим воображением может увидеть, что подсказывает его отражение». ~ Але Осолло
Как только вы узнаете историю ее любви, будет легко предположить, что это было связано с удачей. Или божественное вмешательство. Но это значило бы отрицать многослойную работу на холсте, множество раз, когда его пересматривали и корректировали, сознательные усилия, направленные на воплощение ее собственной долгой и счастливой жизни.«После развода я достиг дна. Я был опустошен. Я был глубоко подавлен. Единственное, что меня увлекло, так это рисование. Я бы рисовал слишком много». Это неудивительно, когда вы узнаете, что Але в детстве рисовала на любой поверхности, до которой могла дотянуться. Для нее было обычным делом красить скорлупу каждого яйца в доме и бесконечные листы туалетной бумаги, не говоря уже о стенах, таковы были ее стремление и отчаяние выражать и общаться с другими.
Arty-Fact: «Природа разрушительна и завораживает.
«Я потерялся, когда это пришло ко мне… Между борьбой однородных и разнородных смесей, эта буря природных материалов, полная живой страсти, представляет собой характер и ярость сцены.
«Самое темное время ночи — время перед восходом солнца.
«Корабль-оригами в водах неспокойных морей создан с помощью текстильного коллажа. Это сияющая звезда посреди водоворота вселенной.Это свет, который прыгает и освещает самую темную точку ночи, принося надежду и возрождение.
«Эмоции, выраженные в этой картине под названием «Бумажный шторм», чрезвычайно сильны». ~ Але Осолло
«В самый тяжелый момент я заперлась в комнате, чтобы мои дети не слышали, как я плачу, и умоляла Бога помочь мне». А вот часть, которая могла бы уменьшить ее борьбу и сделать чудесную историю успеха за одну ночь более правдоподобной: «После этого момента я вышла из комнаты, повела своих детей в парк и встретила парня по имени Энджел.
Так получилось, что Анхель в то время тоже был разлучен. После аварии с электромобилем взрослые разговорились. «Мы разобрались с детьми, а потом просто начали тусоваться вместе. Он стал ангелом, которого я просил». С тех пор Энджел является защитником Але, она даже совершила паломничество в Юго-Восточную Азию, чтобы напрямую обратиться в галерею Addicted Art Gallery с просьбой представить Але во всем мире, чтобы больше людей во всем мире могли разделить радость от ее картин.
Картины Але заявляют о себе.Очень похоже на ответ, который пришел от ее крика о помощи в форме Ангела. Тем не менее, у них есть призрачная природа, которая кажется эхом голосов из других миров. По мере того, как верхний слой празднует — каждое произведение искусства является актом выживания, чтобы превратить себя в творение — их преследует борьба, которая требуется, чтобы ожить и расцвести. Вы можете видеть их прошлое и их прогресс на заднем плане. Как и все мы, на самом деле. В конце концов, среди нас нет ни черных, ни белых.
Arty-Fact: «Предвестные силуэты появляются и исчезают в зависимости от взгляда воспринимающего.Выполненная в импрессионистическом и образном стиле, работа предлагает неопределенной группе людей, иногда больше, иногда меньше, путешественников в лодке. Вместе или порознь, в их еде, культуре, расе есть взаимосвязь — мы все являемся частью лодки.
«Почитая единство со своей жизнью, зная, что мы едины.
«Почитая свое единство с жизнью, понимая, что все едино.
«Как личности, не все мы одинаковы.У нас разные образы жизни, убеждения и представления. Когда мы начнем понимать эту концепцию жизни в единстве, идея личного «я» приведет нас к универсальному «я». ~ Але Осолло
Свяжитесь с Еленой и Блэр из Addicted Art Gallery, чтобы узнать больше об Але и ее творчестве.
Художник: Але Осолло«Редко бывает черно-белое».
Впервые опубликовано галереей Addicted Art Gallery, понедельник, 2 августа 2020 г.
Автор: Скай Веллингтон, Lens & Pen Projects
Пикассо Пикассо «Бассовая картина» стоимостью 10 млн фунтов стерлингов, конфискованная итальянской полицией
Право собственности на аналитическую кубистическую картину с изображением скрипки с бутылкой пива Bass, датируемой 1912 годом, французского художника испанского происхождения Пабло Пикассо оспаривается итальянской полицией после того, как мастер объяснил, что ему подарили евро Кубистическая картина стоимостью 15 млн/10 млн фунтов, написанная заказчиком в 1978 году.
Мужчина, который занимался рамой, объяснил, что произведение искусства было подарено ему в благодарность за помощь недавно осиротевшему вдовцу, попросившему его заново застеклить сломанную фоторамку с изображением его покойной жены. Мастер выполнил работу бесплатно. Он объяснил, что пенсионерка вернулась на следующий день и отдала ему полотно Пикассо. Он также заявил, что понятия не имел, что это был мастер 20-го века.
В деле, похожем на недавний суд над электриком Пикассо, где 240 украденных работ были оспорены и возвращены в поместье Пикассо, итальянские власти не рискуют.Если действительно работа была приобретена в 1978 году, может ли она принадлежать к той же группе работ?
Изготовитель рам недавно взял холст, масло, 54 х 45 см, для оценки на Sotheby’s, и полиция была предупреждена только тогда, когда экспортная лицензия находилась в процессе получения лицензии на экспорт, что начали звенеть тревожные звоночки. Смета, указанная в экспортной форме, составляет 1,4 миллиона евро.
Работа появляется в издании Zervos 1961 года, каталоге работ Пикассо, который считается авторитетным источником информации о художнике.Басс пэйл эль, много раз использовался художником-кубистом, которому понравился дизайн красного треугольника на этикетке. Он фигурирует в более чем 40 работах художника, в основном в периоды его аналитического и синтетического кубизма. Хорошо известное английское пиво когда-то было самым популярным брендом во всем мире.
Он также был частью композиции культового «Бара в Фоли-Бержер» Эдуарда Мане, написанного в 1882 году и находящегося в коллекции Галереи Курто в Сомерсет-Хаусе.
Похожие сообщения
План урока испанского искусства и художников
Продолжительность
От 60 до 120 минут
Стандарты учебной программы
- CCSS.ЭЛА-ГРАМОТНОСТЬ.RH.9-10.1
Приведите конкретные текстовые доказательства для поддержки анализа первичных и вторичных источников, обращая внимание на такие особенности, как дата и происхождение информации.
- CCSS.ELA-LITERACY.RH.9-10.2
Определить основные идеи или информацию первичного или вторичного источника; предоставить точное описание того, как ключевые события или идеи развиваются на протяжении текста.
- CCSS.ELA-LITERACY.RH.9-10.4
Определение значения слов и фраз в том виде, в каком они используются в тексте, включая словарный запас, описывающий политические, социальные или экономические аспекты истории/общественных наук.
Материалы
- Разнообразные печатные полноцветные изображения произведений Эль Греко, Гойи, Пикассо, Миро или Дали.
- Бумажные копии рабочего листа из соответствующего видеоурока
- Пять тройных проектных досок
- Маркеры
- Клей
Инструкции
- Начните с показа классу образцов испанского искусства.
- Можете ли вы определить какие-либо общие элементы среди примеров, выставленных в классе?
- Как бы вы описали искусство?
- Включите видеоурок «Знаменитые испанские художники» для класса, сделав паузу на 0:44.
- Напишите классу на доске следующие термины: «Известные художники» и «Стили искусства».
- Повторите вместе с классом значение каждого термина, объясняя, что все представленные примеры были созданы известными испанскими художниками.
- Прежде чем воспроизвести оставшуюся часть видеоурока для класса, попросите учащихся взять лист бумаги и карандаш, чтобы отметить каждого испанского художника, представленного в видеоуроке.
- Когда видео полностью проиграется, попросите учащихся подсчитать количество испанских артистов, которых они отметили на своих листах.
- Сколько художников вы перечислили?
- Кратко расскажите классу о каждом художнике, упомянутом в видеоуроке, обращая внимание на отличительные черты его или ее уникального стиля, перечисляя каждого на доске, чтобы класс мог его увидеть.
- Предложите учащимся еще раз взглянуть на изображения, выставленные в классе, используя свои заметки, и попросите их угадать художников, создавших каждое произведение.
Занятие
- Разделите класс на пять групп.
- Назначьте каждую группу одному из пяти художников, представленных в видеоуроке (например, Эль Греко, Гойя, Пикассо, Миро или Дали).
- Дайте каждой группе по одной из тройных проектных досок и распечатанные изображения работ, созданных назначенным им художником.
- Используя материалы и то, что они узнали о назначенном художнике из видеоурока, пусть каждая группа создаст выставку в стиле галереи для своего художника.
