Картины пикассо знаменитые: Самые известные картины Пикассо | Пабло Пикассо

большие деньги и важная социальная значимость

О художнике Пабло Пикассо слышали даже люди, практически не интересующиеся живописью. Можно вообще не знать его картин, но всё равно невольно в сознании остаётся информация: был такой художник, писал странные картины, абсолютно отличающиеся от классического стиля. Информация о Пикассо постоянно всплывает благодаря двум причинам. Во-первых, это, пожалуй, самый дорогой художник XX века, а во-вторых, некоторые его картины приобрели необычайно мощный социальный смысл и стали своеобразными символами эпохи. Самые известные картины Пикассо находятся в частных коллекциях или музеях во многих странах мира.

Трудности выбора

А, впрочем, как их выбрать, эти самые известные картины? Пикассо был чрезвычайно плодовитым художником, создавшим за свою долгую жизнь свыше 10 000 художественных полотен. Даже его биографы, люди, изучающие творчество художника, не в состоянии назвать точную цифру. В особо насыщенные творческие периоды Пикассо создавал до 300 картин в год!

Кроме того, трудно подобрать критерии, по которым выделяются самые выдающиеся картины. Это могут быть и наиболее дорогие полотна, и самые узнаваемые, популярные, и самые ценные в художественном отношении (а последние два критерия не всегда оказываются идентичными). Кроме того, самыми известными могут оказаться различные картины в разных странах мира. Поэтому наш выбор, безусловно, не лишён определённого субъективизма, и, тем не менее, его нужно сделать.

Блистательная «десятка» картин Пикассо

«Голубь»

Так назвал картину сам автор, хотя во всём мире она известна под названием «Голубь мира». Написанная в 1949 году, картина стала символом Первого Всемирного Конгресса сторонников мира. Это было время, когда планета начала приходить в себя после разрушительной Мировой войны. В мастерской Пикассо полотно увидел Луи Арагон. С той выставки картина воспринимается как настоящий мировой символ пацифистских, антивоенных сил. Она известна именно своей исключительной социальной значимостью, а выражение «голубь мира» стало нарицательным. Сейчас полотно хранится в музее Чикаго.

«Герника»

Наряду с «Голубем», это самое социально значимое художественное творение Пикассо. Примечательно, что сам художник всю жизнь считал себя абсолютно аполитичным человеком и всячески сторонился какой бы то ни было политической деятельности. Но душа и сердце любого художника всегда оказываются в гуще мировых страстей. Так случилось и в этот раз.

Пикассо создал своё полотно, громадное уже даже по размерам (4 на 8 метров) в 1937 году, когда во время гражданской войны в Испании нацисты подвергли тотальной бомбардировке небольшой городок басков, Гернику. Огромный холст внушает зрителю ужас перед надвигающейся катастрофой предстоящей Мировой войны. Картина создана в свойственной Пикассо кубической манере, она наполнена символизмом и сюрреализмом.

Фигуры плачущей женщины, мёртвого ребёнка, раненых животных, далёкие всполохи передают страдания простых людей, являются мощным предупреждением человечеству. Автор отобразил страх и бессилие людей перед большой войной, подчеркнул свой протест против её бесчеловечности. «Гернику» признали самым мощным политическим художественным произведением XX века.

«Девочка на шаре»

Картина написана в 1905 году, в тот период творчества художника, который принято называть «розовым». Оказалась чрезвычайно популярной в СССР, а сейчас и в России. Возможно, причина ещё и в том, что картина хранится в Музее Пушкина в Москве. В остальных странах мира её хорошо знают, но к числу лучших работ Пикассо не причисляют. Картина отражает тот период в жизни молодого художника, когда он поселился на Монмартре, превозносил свободный, романтический стиль жизни творческой богемы.

«Мальчик с трубкой»

Полотно написано тогда же, когда и предыдущая картина, в том же стиле «розового периода». В художественном отношении не входит в число самых лучших картин Пикассо, но уверенно вошла в список наиболее дорогих: продана на аукционе «Сотбис» в 2004 году более, чем 100 млн долларов.

«Сон»

Ещё одна очень дорогая картина художника. Созданная в 1932 году, в период увлечения «эротической темой», она была продана в 2013 году за $155 млн. Специалисты считают, что картина наполнена скрытыми эротическими символами, пробуждающими чувственность.

«Алжирские женщины, версия «О»»

Завершая обзор наиболее дорогостоящих картин Пабло Пикассо, нельзя обойти эту. На самом деле, художник создал целую серию из 15 картин, написанных под впечатлением полотна «Алжирские женщины в своих покоях», кисти Эжена Делакруа. Постепенно вся серия, картины которой обозначались буквами, «разбрелась» по отдельным коллекциям, а вот версия «О» прославилась тем, что была продана в 2015 году на аукционе «Кристис» более, чем за 179 млн долларов! Она оказалась самой дорогой картиной, проданной на открытых торгах.

«Плачущая женщина»

Эту картину Пикассо создал в 1937 году, практически сразу же после «Герники». Специалисты считают её своеобразным продолжением темы человеческого страдания, приносимого войнами. В картине художник выразил свой протест против мирового насилия, а натурщицей ему послужила Дора Маар, фотограф-сюрреалист, с которой у Пабло был длительный и непростой роман. Она не раз становилась натурщицей для его картин, но самой знаменитой из них стала та, о которой речь пойдёт ниже.

«Дора Маар с кошкой»

Созданная в 1941 году, картина сейчас входит в число наиболее дорогих мировых полотен. Обычно Пикассо изображал женщин в довольно агрессивной манере, особенно это относится к портретам Доры. Но её изображение с котёнком на плече не отличается агрессивностью. В то же время, картина наполнена символизмом, несёт черты сюрреализма, намекая на профессию натурщицы.

«Авиньонские девицы»

Пикассо создал этот шедевр в 1907 году, увлёкшись стилем кубизма, который, в сущности, сам и придумал. В отличие от большинства других его известных полотен, это создавалось долго, много месяцев. Здесь художник «нащупывал» свой новый стиль. В картине отразились черты, которые впоследствии стали характерными для многих творений Пикассо: искажённые фигуры женщин, их нарочитое уродство, преобладание угрожающих и даже агрессивных мотивов. Здесь нет места привычной для зрителя женственности. К тому же, в картине отчётливо прослеживается влияние африканского изобразительного искусства.

«Старый гитарист»

Ещё юный Пабло написал картину в 1903 году, за несколько лет до увлечения кубизмом. Поводом к написанию стала трагическая гибель его давнего друга, Карлоса Касагемаса. Стиль картины напоминает рисунки Эль Греко. Автор, используя глубокую символику, попытался выразить идею, что искусство, музыка сильнее тяжестей и невзгод, которые повсюду преследуют обычного человека.

Вместо заключения

В этой десятке — едва ли четверть тех картин Пикассо, которые специалисты и любители живописи считают настоящими шедеврами. Сюда следовало бы внести хотя бы такие полотна, как:

  • «Девушка перед зеркалом»;
  • «Три музыканта»;
  • «Сидящая женщина. Мария Вальтер»;
  • «Голубая обнажённая»;
  • «Любительница абсента»;
  • «Купальщицы»;
  • «Обнажённая, зелёные листья и бюст».

Эти, а также многие другие полотна художника являются настоящими жемчужинами картинных галерей и частных собраний. Самые известные картины Пикассо неизменно входят в число наиболее дорогих полотен последнего столетия, а их участие в той или иной выставке гарантирует неизменный зрительский аншлаг. Пикассо любят и ругают, его обожают и проклинают, но он никого не оставляет равнодушным.

Читайте также:

Самые дорогие монеты России 1997 – 2014: стоимость сегодня

Самый дорогой в мире кофе из помета

Самые известные картины Пикассо — Всё самое красивое… и не только — 15 декабря — 43583744842

Символом мира считается голубь с оливковой ветвью от Пикассо. Этот человек был не только гениальным художником, импрессионистом и основателем кубизма, он был гуманистом, общественным деятелем и борцом за мир. Сейчас рассмотрим самые знаменитые работы Пикассо.

 

Самые известные картины Пабло Пикассо:

 

1. Наука и благотворительность (1897)

Внушительная работа юного шестнадцатилетнего Пикассо удивляет своим размахом и смыслом. Картина написана в стиле реализма. У постели больной женщины сидит доктор. Рядом стоит монахиня — она взяла заботу о ребёнке больной женщины.

Работа блестяще выполнена в классической манере академической живописи. Эта работа была отмечена почётной наградой и золотой медалью на разных выставках. Несмотря на грандиозный успех, Пикассо больше никогда не возвращался к академизму.

 

2. Автопортрет в голубой период (1901)

Портрет написан художником в начале своего творческого пути и искания. В начале «голубого периода» он натыкается на непонимание со стороны зрителей. К тому же он погряз в безденежье, и его не отпускала чёрная полоса жизни. Автопортрет Пикассо — образ полного отчаяния и одиночества, душевного холода.

 

3.

Ребёнок с голубем (1901)

Картина французского или «голубого периода», когда молодой Пикассо проживал в Париже, показывает яркую индивидуальность начинающего импрессиониста.

Маленькая девочка в белом платье трогательно прижимает к себе голубя. Её коротко остриженные рыжие волосы контрастируют с холодным и безликим фоном картины. У ног девочки лежит ярко раскрашенный мяч. Вероятно, Пикассо изобразил на картине свою умершую в детстве младшую сестру.

Эта картина очень печальна. В тот период в жизни художника происходили различные трагические события, которые повлияли на стиль написания картин. В них преобладали оттенки голубого цвета, что дало соответствующее название периоду творчества Пикассо.

 

4. Трагедия (1903)

Картина «Трагедия» — очередное полотно «голубого периода» в жизни Пикассо. Картина изображает трёх людей: женщину, мужчину и ребёнка в самый тяжёлый момент их жизни. Люди отчаялись, лишения и бедность подкосили их. Они стоят босыми на берегу моря, им холодно, они кутаются в свои жалкие одежды.

Мужчина не знает, что делать, чтобы спасти семью. Ребёнок ищет поддержки у отца, но тот погружен в свои мысли. Синий цвет картины подчёркивает невыносимую тоску и бедность низших слоёв общества, их трагическую судьбу.

 

5. Старый гитарист (1903)

Это полотно также написано в знаменитый «голубой период» творчества Пикассо. Трагическая составляющая картины подчёркнута холодной цветовой гаммой. Старый, слепой, истощённый музыкант сжимает свою единственную подругу — старую гитару. Его физические и духовные страдания очень быстро передаются зрителю. Возле этой картины начинаешь ощущать неизбежность смерти и невыносимое одиночество.

 

6. Жизнь (1903)

Эта картина также написана в «Голубой период» творчества и признана мировым шедевром, хотя Пикассо не любил эту работу и считал её незавершённой. Сюжет картины описывает четыре основных периода в жизни человека: рождение, любовь, одиночество и смерть.

На фоне голубого, плавно переходящего в зелёный, изображены статичные и абсолютно без эмоций человеческие фигуры. Слева — влюблённая пара, справа — одинокая мать с новорождённым ребёнком, в центре вверху — прощание и внизу в центре смерть.

 

7. Девочка на шаре (1905)

Одним из самых известных и монументальных полотен Пикассо является «Девочка на шаре». Сочетание статичности и движения, большого и маленького, основательного и хрупкого создаёт удивительный контраст.

Мощная, застывшая глыба сидящей мужской фигуры акробата на абсолютно устойчивом кубе и хрупкая фигурка девочки, балансирующей на шаре, занимают всё пространство полотна. На заднем плане изображены маленькие фигурки женщины и ребёнка, собаки и белой лошади. Они уравновешивают композицию и делают её целостной.

 

8. Семейство комедиантов (1905)

На смену «Голубому периоду» в жизни Пикассо пришёл «Розовый период» одиночества и бедности. «Семейство комедиантов» — картина, предвещающая смену живописного стиля Пикассо. Тональность и цветовая гамма его полотен сменилась. В них появились тёплые розовые, серые и жёлтые оттенки.

В те годы его увлёк мир циркового и театрального искусства. Персонажами таких картин стали жонглёры, акробаты, клоуны, наездницы. На картине изображена группа цирковых бродячих артистов. Акробаты, шуты, Арлекин, держащий за руку дочь, девушка на переднем плане — группа глубоко одиноких и обездоленных персонажей.

 

9. Авиньонские девицы (1907)

Картина была написана в начале века, а выставлена только через тридцать лет. Авангардное полотно не было оценено его современником — А. Матиссом. Предполагают, что критика с его стороны была явной ревностью, ибо картина была настолько хороша, что впоследствии приобрела огромную популярность.

Видимо, Пикассо опережал своё время на шаг вперёд. Эта картина стала очередной ступенькой в творчестве художника, как кубиста. На этом полотне уже видны зарождающие черты этого стиля. Анре Сальмонт, друг художника, предложил назвать полотно «Авиньонские девицы».

Кстати, если вы хотите узнать нашу версию рейтинга самых красивых женщин в истории, переходите по ссылке.

 

10. Сидящая женщина (1909)

Портрет Фернанды, своей постоянной натурщицы, Пикассо выполнил необычной манере. Кубизм только зарождался, и художник искал всевозможные способы изображения. Весь портрет разделён на мелкие детали. Картина написана в светло-коричневых и зеленоватых тонах. Маленькая голова контрастирует с крупным телом. Изображение одновременно и объёмное, и плоское. В отдельных сегментах присутствует градация тона — от светлого к тёмному, что даёт эффект объёма общего вида.

 

11. Три танцора (1925)

Пикассо в конце своей жизни назвал своё первое сюрреалистичное полотно «Пляской смерти». Картина изображала любовный треугольник двух своих друзей и роковой женщины, любовь к которой привела к их трагической гибели.

 

Продолжение статьи читайте по адресу:

https://most-beauty.ru/drugoe/kartiny-pikasso.html

10 самых известных картин Пабло Пикассо

Пабло Руис-и-Пикассо (1881–1973) — испанский художник, которого многие считают величайшим художником в истории. Он был одним из самых влиятельных художников ХХ века. Он сломал обычаи прошлого и стал одним из пионеров художественного движения кубизма, которое произвело революцию в европейской живописи и скульптуре. Пикассо был плодовитым художником и, помимо создания большого объема работ в других средствах массовой информации, создал около 1900 картин за свою долгую карьеру. Некоторые из его картин являются одними из самых дорогих из когда-либо проданных, но его самые известные работы обычно хранятся в музеях. Вот 10 самых известных картин Пабло Пикассо, включая его шедевры кубизма и работы его Голубого периода.

#10 Семья Салтимбанков

Семья Салтимбанков (1905) 9 Год: 0018
Местонахождение: Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия, США

Розовый период — это термин, используемый для описания работ Пабло Пикассо с 1904 по 1906 . Он последовал за его мрачным Blue Period и положил начало его стилистическим экспериментам с примитивизмом ; под влиянием доримской иберийской скульптуры; и Океаническое и африканское искусство . Картины Розового периода Пикассо обычно красочные и оптимистичные по настроению с частыми изображениями циркачей, акробатов и арлекинов. На этой картине изображены шесть артистов цирка на фоне пустынного пейзажа. Слово «saltimbanco» происходит от итальянского и используется для обозначения уличных артистов . Критики предположили, что эта картина представляет собой групповой портрет Пикассо и его окружения, символизирующих бедность, независимость и изолированность. Family of Saltimbankes самая известная картина эпохи роз Пикассо .


#9 Ma Jolie

Ma Jolie (1912)
Английское название: My Pretty Girl
Местоположение: Музей современного искусства, Нью-Йорк, США
Год: 1912

Пабло Пикассо стал сооснователем художественного движения Кубизма, которое произвело революцию в европейской живописи и скульптуре . Аналитический кубизм был первой фазой движения, которое характеризовалось сведением форм к основным геометрическим частям и тенденцией к монохромному использованию цвета. Эта картина иллюстрирует стиль аналитического кубизма. На нем изображено Марсель Умбер , которая в то время была любовницей Пикассо и умерла три года спустя, в 1915 году. Ма Джоли было прозвищем Пикассо для Марсель. Это также был припев популярной песни, исполнявшейся в парижском мюзик-холле, который часто посещал Пикассо. Ма Джоли входит в число самых известных картин Пикассо в аналитическом кубизме .


#8 La Vie

La Vie (1903)
Английское название: Life
Местоположение: Музей искусств Кливленда, Кливленд, США
Год: 1903

Синий период — это термин, который используется для обращения к купу Pablo Picasso между 9 1104010 и 1 и 19010 и 19010 года и 19010 и 19010 года и 19010 года и 1 и 19010 и 19010 года и 19010 и 19010 и 19010 и 19010 и 19010 года и 1 и 1 и 1 и 1 и 1 и 19010 года. . Картины этого периода по существу монохромны в оттенках синего и сине-зеленого . Голубой период, который характеризуется обычно скорбными сюжетами , был отчасти вызван самоубийством дорогого друга Пикассо Карлос Касагемас . Касагемас был студентом-художником и поэтом, который застрелился из-за безответной любви к натурщице художника по имени Жермен Пишо. Наряду со «Старым гитаристом» La Vie считается вершиной «голубого периода» Пикассо . На картине изображена обнаженная пара, противостоящая матери, несущей на руках ребенка. Мужская фигура на картине — портрет Карлоса Касагемаса, изображенного Пикассо на нескольких посмертных портретах.


#7 Girl before a Mirror

Girl Before A Mirror (1932)
Location: Museum of Modern Art, New York City, U.S.
Year: 1932

This painting portrays Мари-Тереза ​​Вальтер , любовница и модель Пабло Пикассо с 1927 по 1935 год. Юная Мария-Тереза ​​была одним из его любимых персонажей в начале 1930-х годов. Девушка перед зеркалом изображает ее красивой и накрашенной с левой стороны; в то время как с правой стороны ее лицо затемнено, глаза круглые и впалые, а ее сильно женственное тело искривлено и искривлено. Картина известна его различные интерпретации . Некоторые критики считают, что это изображение дневного и ночного «я» Уолтера . Другие рассматривают это как Уолтер, противостоящий своей смертности , глядя в зеркало, которое подсказывает ей ее окончательную судьбу. Это также может означать ее переход от невинной девушки к мирской женщине, осознающей свою сексуальность .


#6 Три музыканта

Три музыканта (1921)
Адрес: Музей современного искусства, Нью-Йорк, США
Год: 1921

Наряду с Жоржем Браком , Пабло Пикассо стал пионером движения кубизма в искусстве начала ХХ века. предмет с множества точек зрения . Синтетический кубизм был второй фазой движения, которое характеризовалось повышенным использованием цвета; более простые линии и формы; и имитация или введение ряда материалов, таких как вырезанная бумага , в покраску. Эта картина является ярким примером стиля синтетического кубизма. На нем изображены Арлекин, Пьеро, и монах , которые обычно считаются соответственно Пикассо; и его друзья-поэты Гийом Аполлинер , умершие в 1918 году; и Макс Джейкоб , ушедший в монастырь в 1921 году. «Три музыканта» — не только один из величайших шедевров Пикассо, но и одно из самых известных произведений синтетического кубизма .


#5 Le Rêve

Le Reve (1932)
English Title: The Dream
Location: Private Collection of Steven A. Cohen
Year: 1932

На этой картине также изображена Мария-Тереза ​​Вальтер. В отличие от своей более поздней любовницы Доры Маар , которую Пикассо часто изображал замученной или угрожающей, Мария-Тереза ​​обычно предстает на своих картинах белокурой, солнечной и яркой. Пикассо создал множество работ с элементами эротики, и эротическое содержание этой знаменитой картины часто отмечается критиками, указывающими, что Пикассо изобразил эрегированный пенис, предположительно символизирующий его собственный, на перевернутом лице его 22-летней модели. В марте 2013 года Le Rêve был продан на частной распродаже за 155 миллионов долларов , что делает его пятой самой дорогой картиной, когда-либо проданной на тот момент . По состоянию на 2016 год эта цена является второй по величине, когда-либо уплаченной за приобретение картины Пикассо после Les Femmes d’Alger (Женщины Алжира) , которая была продана за 179,4 миллиона долларов в мае 2015 года. 4 Старый гитарист Старый гитарист (1904)

Местонахождение: Художественный институт Чикаго, США
Год: 1904

Старый гитарист был написан Пикассо во время его Голубого периода (1901 – 1904) , который был вызван его борьбой с бедностью и самоубийством его дорогого друга Касагемаса. На картине изображен согбенный и слепой мужчина, который держит рядом с собой большую гитару. Синяя палитра добавляет меланхолии и подчеркивает трагическую и печальную тему. В 1998 году исследователи использовали инфракрасную камеру, чтобы обнаружить молодую мать, сидящую в центре композиции, протягивающую левую руку к ребенку, стоящему на коленях справа, и теленка или овцу слева от матери. Хотя Пабло Пикассо позже отклонил свои работы «Голубого периода» как «Ничего, кроме сентиментальности» , эти картины до сих пор пользуются огромной популярностью, и «Старый гитарист» самая известная из них .


#3 The Weeping Woman

The Weeping Woman (1937)
Location: Tate Modern, London, U.K.
Year: 1937

In his masterpiece Guernica , Пабло Пикассо изобразил плачущую женщину, держащую на руках мертвого ребенка. Затем он создал ряд портретов на основе этой фигуры, кульминацией которых стала эта картина, последняя и самая сложная картина серии. Модель на картине — французский фотограф и художник Дора Маар, , которая была его любовницей с 1936 по 1944 год. Маар была одной из самых влиятельных фигур в жизни Пикассо во время их отношений, а также его основной моделью. Пикассо блестяще использует искаженные образы, стратегически расположенные слезы, синие стучащие зубы и пронзительные черные глаза, чтобы изобразить боль и ужас, которые испытывает фигура на портрете. Помимо того, что это самая известная работа из серии «Плачущая женщина», этот портрет также является самым знаменитым изображением Маар Пикассо.


#2 Авиньонские девицы

Авиньонские девицы (1907)
Английское название: Авиньонские барышни
Музей современного искусства, Нью-Йорк U.S.
Год: 1907

Первоначально называвшийся Le Bordel d’Avignon (Авиньонский бордель) , этот самый революционный шедевр двадцатого века считается одним из шедевров двадцатого века. 0010, так как он сыграл ключевую роль в развитии как кубизма, так и современного искусства . Это был радикальный отход от традиционной европейской живописи. Пикассо использовал разные стили, чтобы изобразить каждую фигуру на картине, причем голова женщины, дергающей занавеску в правом верхнем углу, является наиболее строго кубистским элементом. Картина вызвала споры не только из-за радикального стиля, но и из-за сюжета. Впервые он был представлен публике в 1916 году, и его название было изменено на , чтобы уменьшить его скандальное влияние 9.0010 . Авиньон в названии произведения является отсылкой к улице в Барселоне, известной своим борделем . На картине изображены пять обнаженных проституток в обескураживающей конфронтационной манере. Они изображены с угловатыми и разрозненными формами тела, а две фигуры справа показаны с чертами лица, похожими на африканские маски. Авиньонские девицы оказали огромное и глубокое влияние на современное искусство .


#1 Герника

Адрес: Museo Reina Sofía, Мадрид, Испания
Год: 1937
Герника (1937) Герника на севере Испании. 26 апреля 1937 , во время Гражданской войны в Испании , Герника подверглась бомбардировке нацистскими немецкими и фашистскими итальянскими военными самолетами по запросу испанских националистов. Пикассо создал этот шедевр в ответ на бомбардировку Герники. Он привлек внимание всего мира к гражданской войне в Испании и считается одна из самых сильных антивоенных картин в истории . С момента создания Герники было множество интерпретаций. Слева на полотне широкоглазый бык стоит над женщиной, скорбящей о мертвом ребенке на руках. В центре доминирует лошадь, падающая в агонии, как будто ее ударили оружием. Под лошадью находится расчлененный солдат, а справа от нее — испуганная женская фигура, которая, кажется, вплыла в комнату через окно. Справа к центру, шатаясь, идет охваченная благоговейным трепетом женщина. Два доминирующих элемента картины, бык и лошадь, являются важными персонажами испанской культуры. Герника
самая известная картина Пабло Пикассо
и считается одним из самых блестящих произведений искусства, когда-либо созданных .

13 самых известных картин Пикассо

Пабло Пикассо — испанский художник, скульптор и гравер. Он является одним из самых узнаваемых художников 20 века.

Он оказал неизгладимое влияние на массовую культуру и современное искусство.

Художественный стиль Пикассо менялся на протяжении всей его карьеры, но он всегда сохранял уникальное понимание человеческого состояния, с которым не мог сравниться ни один другой художник.

Художественный стиль Пабло Пикассо характеризовался большими красочными поверхностями и искаженными пропорциями в его картинах. Его работы считались революционными, потому что его разнообразные техники бросали вызов традиционным представлениям о том, как должны выглядеть картины.

Его стиль известен использованием смелых контурных линий. Он часто смешивал репрезентативное и абстрактное, одно над другим.

Пикассо был пионером движения кубизма, которое исследовало значение геометрических форм в контексте живописи. Эта техника использовалась и до сих пор используется многими художниками, которые хотят сделать акцент на функциональности, а не на красоте.

1.

Герника

Пикассо был глубоко потрясен ужасами Гражданской войны в Испании, которая началась 17 июля 1936 года, когда генерал Франсиско Франко возглавил военный переворот против Испанской республики.

Семь месяцев спустя войска Франко полностью контролировали страну. Посетив Барселону в октябре 1936 года и увидев широкомасштабные разрушения в результате ожесточенных боев, Пикассо сказал своему другу Жоану Миро, что хочет сделать что-нибудь, чтобы показать свой гнев.

Позже он писал: «Я собираюсь нарисовать что-то невероятно огромное… Я сделаю это со всей яростью». Он начал делать эскизы к картине 2 декабря 1936 года.

Герника была описана как самое мощное творение художника и одна из немногих его работ поистине эпического масштаба.

Картина была создана в ответ на бомбардировку Герники, города Страны Басков на севере Испании, немецкой авиацией под командованием генерала Франко во время гражданской войны в Испании. Он изображает трагедию и страдания войны с поразительной силой.

Картина была написана Пикассо в 1937 году и считается одной из самых известных его работ. На нем изображены ужасы войны, в том числе насилие и смерть.

На картине изображено не какое-то конкретное сражение или событие, а скорее все события, произошедшие во время войны.

2.

Авиньонские девицы

«Авиньонские девицы» считаются первым кубистским произведением искусства. Это картина, созданная Пабло Пикассо в 1907. Картина была создана в разгар периода становления кубизма и является одним из самых важных произведений в истории современного искусства.

Пикассо приехал в Париж в то время, когда многие художники создавали новые, новаторские стили произведений искусства. Для Пикассо это означало, что он еще не был привязан к одному стилю и мог исследовать множество направлений, не беспокоясь ни о критиках, ни о других художниках.

Эта свобода дала ему возможность исследовать свои творческие способности и экспериментировать с различными техниками и методами, не чувствуя себя обязанным соответствовать тому, что делали другие в то время.

Картина создана из смеси стилей, с которыми Пикассо экспериментировал в тот период. Это был важный момент в его карьере, поскольку он помог ему прорваться к абстракции и современному искусству.

Эта картина знаменательна еще и тем, что, когда она была представлена ​​публике, она шокировала многих людей и вызвала массу негативных реакций, потому что в то время они не привыкли к таким картинам.

3.

Плачущая женщина

Пабло Пикассо был известен своими причудливыми интерпретациями различных персонажей, которых он рисовал. Позже в своей жизни он начал рисовать более яркими оттенками, чтобы передать эмоциональную важность предмета.

Плачущая женщина — картина Пабло Пикассо, написанная маслом на холсте и завершенная в 1937 году во Франции. На картине изображена Дора Маар, любовница и муза Пикассо.

Фирменный вид лица женщины в профиль Пикассо появляется в этой части, но другие мелкие детали намекают на более высокую степень перспективы для восприятия зрителем.

Изделие в первую очередь посвящено женскому лицу, которое показано в различных контрастирующих цветах и ​​геометрических формах. Использование Пикассо тонких голубых оттенков на ее лице под глазами, что, кажется, предполагает, что ее лицо покрыто слезами, еще больше подчеркивает ее высокую степень эмоциональной печали.

«Плачущая женщина» показывает обезумевшую женщину, плачущую и держащую платок у лица, чтобы собрать обильные слезы.

Эта универсальная картина страдания написана в уплощенной манере раннего аналитического кубизма Пикассо, которая отличается использованием угловатых и накладывающихся друг на друга частей лица субъекта, как бы нарисованных со многих ракурсов одновременно.

4.

Старый гитарист

Пикассо провел большую часть своей жизни в крайней нищете, и, как утверждается, в этот период у него появилось сильное сочувствие к обездоленным и угнетенным мира.

«Старый гитарист» был создан в 1903 году, в период, когда Пикассо считался почти банкротом, живя в Барселоне.

Это время было названо его «голубой» фазой, когда он окрашивал почти каждый холст в тусклую монохроматическую палитру синего цвета, оттенок, который соответствовал предмету, к которому он обращался.

Пикассо создал это произведение вскоре после того, как его близкий друг Касагемас покончил жизнь самоубийством в результате длительной борьбы с психическим заболеванием и отчаянием.

Художник посвятил это произведение, как и другие в этот период времени, сосредоточению внимания на людях, которые часто угнетены и обременены заботами и проблемами, которые так часто поглощают человечество.

Поскольку вся работа выполнена в глубоком синем цвете, картина передает зрителю сильное чувство запустения.

Мужчина на картинке держит гитару и, кажется, наигрывает грустную песню, его лицо выражает агония и отчаяние.

Превосходное использование Пикассо синего цвета, как заметили искусствоведы и историки, правильно передает чувство меланхолии, которое многие люди испытывают в этом произведении.

Гитара — это прорыв в приглушенных, почти плоских, двухмерных формах монохроматического синего, а музыкант кажется сгорбленным и грустным.

Последующие рентгеновские снимки произведения искусства показали присутствие призрачной фигуры (женщины), которую Пикассо начал рисовать, но затем передумал и решил закрасить ее.

5.

Автопортрет 1901

На этом знаменитом автопортрете Пикассо был совсем молодым, ему тогда было всего двадцать лет, но на этом снимке он выглядит намного старше. Его лицо выглядит осунувшимся и осунувшимся в результате суровой зимы в Париже, ведущего очень забитую жизнь.

Он только недавно прибыл в Париж и еще не успел завязать серьезных дружеских отношений, когда создал это произведение вскоре после самоубийства своего друга Карлоса Касагемаса.

Смерть сильно ударила по нему и оказала серьезное влияние на его психическое здоровье.

Этот автопортрет не первый Пикассо, но одна из самых ранних работ Голубого периода.

6.

«Девушка перед зеркалом»

Пабло Пикассо написал «Девушку перед зеркалом» в 1932 году, написав маслом на холсте. На картине изображена любовница и муза Пикассо, Мария-Тереза ​​Вальтер, стоящая перед зеркалом и смотрящая на свое отражение.

В 1930-е годы Пикассо много раз рисовал Марию-Терезу. Его фотографии, сделанные в 1932 году, стали первой публичной демонстрацией их тайного романа во время его брака с Ольгой Хохловой.

Творческая карьера Пикассо сложилась к 1932 году. К этому моменту жизни ему исполнилось 50 лет, и он зарекомендовал себя как значительный художник.

Пикассо был куратором ретроспективной выставки своих работ в галерее Жоржа Пети в 1932 году, что было редкостью для художника, и, что еще более неожиданно, Пикассо взял на себя кураторство.

«Девушка перед зеркалом» — это фотография женщины, которая смотрит в зеркало, показывая более темное отражение самой себя. Лицо женщины разделено на две части, одна из которых окрашена в мирный сиреневый цвет, а другая в яркий желтый оттенок.

Отражение изображает объект в другом свете, делая его старше и с запавшим лицом, возможно, как символ ее смерти.

7.

La Vie 

La Vie (Жизнь) — картина маслом на холсте, завершенная 19 мая.03 в Барселоне.

Обычно считается пиком голубого периода Пикассо. Тем не менее, в то время он был 22-летним неизвестным художником, которому еще предстояло оказать влияние на мир искусства.

Интерпретация загадочной композиции вызвала серьезные споры. Ясно одно: это дань уважения Пикассо своему близкому другу Карлосу Касагемасу, который покончил жизнь самоубийством.

Беспокойство Пикассо о жизни и смерти полностью отражено в его мрачном настроении.

8.

Ма Джоли

На картине Пикассо 1911 года «Ма Джоли» открыто изображена его девушка Марсель Юмбер.

Пикассо утверждал, что Ma Jolie, что означает «моя прекрасная», была отсылкой к известной песне мюзик-холла того времени, но настоящий смысл скрывался и был известен только тем, кто был близок к кругу его знакомых.

По мере того, как основное изображение исчезает в глубине абстрактных поверхностей и крошечных деталей, неправильные формы и темные, солоноватые оттенки, кажется, передают более глубокое сообщение.
Фигура Марсель Гумберт построена бессистемно с использованием характерных изменяющихся плоскостей аналитического кубизма.

Шесть струн в середине изображения являются отсылкой к гитаре, а треугольник справа, кажется, представляет локоть женщины.

9.

Три музыканта

Три музыканта — название двух коллажей и работ маслом Пикассо. Оба были закончены в 1921 году в Фонтенбло, Франция, недалеко от Парижа, и являются прекрасными образцами стиля синтетического кубизма.
На каждой картине изображены Арлекин, Пьеро и монах, которых называют Пикассо, Гийомом Аполлинером и Максом Жакобом соответственно.

Арлекин, играющий на гитаре в центре, постоянно заменяет самого Пикассо на протяжении всей его работы. Пьеро и Арлекин — стандартные фигуры старинного итальянского комедийного театра, известного как «Комедия дель Арте», который постоянно повторяется в творчестве Пикассо.

Три музыканта кажется коллажем, созданным из вырезанных кусочков цветной бумаги, несмотря на то, что это картина маслом. Формы сведены к угловатым узорам, которые переплетаются, как головоломки.

«Три музыканта» является частью серьезного изменения в творчестве Пикассо, которое произошло после 1914 года. Пикассо создал всего несколько коллажей после 1914 года. Вместо этого он использовал кубистические техники в традиционной технике масла на холсте, что позволило ему создавать значительно больше и больше. красочные работы.

Эта новая техника имела большое преимущество: картины, написанные маслом, можно было продавать гораздо дороже, чем коллажи.

10.

Портрет Гертруды Стайн

Портрет Гертруды Стайн — это написанный маслом на холсте портрет американской писательницы и коллекционера произведений искусства Гертруды Стайн. Пикассо начал работу над картиной в 1905, но он не был завершен до следующего года.
Эта картина считается одной из самых значительных картин Пикассо периода роз.

Картина иллюстрирует геометрические искажения и формальные эксперименты, которые определят его творчество после появления кубизма.

Работа Пикассо бросила вызов общепринятым правилам портретной живописи, изображая человека в виде огромной неуклюжей фигуры, безучастно смотрящей поперек картины, а не на зрителя. Ее фигура представляет собой круглую тушу, и она наклоняется вперед, тяжело упираясь руками в колени.

Этот стилистический сдвиг имел огромное историческое значение, поскольку он указал путь, по которому Пикассо шаг за шагом пойдет до создания кубизма.

11.

Le Rêve

Le Rêve, что переводится как «Сон», представляет собой картину на холсте, написанную маслом, которую Пабло Пикассо создал в 1932 году, когда ему было 50 лет. На картине Пикассо изображает свою возлюбленную Мари-Терез Вальтер, которой на тот момент было 22 года.

Говорят, что 24 января 1932 года он был написан в течение одного дня. Он был создан в эпоху, когда Пикассо был известен своими деформированными изображениями, а его простые формы и контрастные цвета напоминают ранние этапы кубистического движения.

Произведение искусства было продано на частной распродаже 26 марта 2013 года за ошеломляющую сумму в 155 миллионов долларов, что сделало его одной из самых дорогих картин, когда-либо проданных.

12.

Наука и благотворительность

Пабло Пикассо написал картину «Наука и благотворительность» в 1897 году в Барселоне маслом на холсте. Пикассо создал это произведение, когда ему было всего 15 лет, что сделало его одной из его ранних работ.

На картине изображена формальная композиция: больной в постели, за которым ухаживают врач и монахиня, несущая ребенка.

Кульминацией академических занятий Пикассо стала эта работа, демонстрирующая его творческие способности до того, как он отказался от этого стиля, чтобы заняться собственной художественной карьерой. Картина находится в коллекции Музея Пикассо в Барселоне.

Считается, что на эту работу повлияли Энрике Патернина, «Визит матери» и «Больничная палата» Луиса Хименеса Аранды во время визита главного врача.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *