Мадрид галерея прадо: Недопустимое название

После музея хорошо прогуляться в огромном парке El Retiro, где можно перекусить в кафе или устроить пикник, покататься на лодке по озеру, покормить уток и лебедей. По выходным здесь устраивают кукольные спектакли. У северного входа в парк есть детская площадка с отличными конструкциями для лазанья, которая понравится не только малышам, но и старшим детям.

/фото: museodelprado.es, commons.wikimedia.org, spainisculture.com

Музей Прадо

Музей Прадо в Мадриде входит в «Золотой треугольник» вместе с музеями Тиссена-Борнемисы и Королевы Софии. Это один из лучших музеев в мире. О нем много написано, но лучше все увидеть своими глазами.

Мадридский музей Прадо (Museo del Prado)

В переводе с испанского «прадо» означает «луг». В Мадриде так назывался парк, известный с XVI века. Именно здесь в 1774 году король Карл III распорядился заложить ботанический сад, а затем рядом было построено здание, предназначенное для академии наук.

Строительство здания в стиле неоклассицизма проходило под руководством испанского архитектора Хуан де Виллонуэва (1739 – 1811). Проект был одобрен королем, стройка продолжалась около 20 лет. Но в 1808 году Испанию оккупировали французы, которые разграбили здание. В 1814 году после поражения Наполеона на испанский трон возвратился король Фердинанд VII. В 1816 году строение начали восстанавливать и перенесли в него часть картин из коллекции короля. В 1919 году Национальный музей Прадо (Museo Nacional del Prado) был открыт для публики. Правда, оговаривалось, что в дождливую погоду, когда много грязи, посетители в музей допускаться не будут.

Музей Прадо

1. История музея Прадо
2. Архитектура музея
3. Испанская школа живописи в музее Прадо
4. Итальянская, Французская, Немецкая школы живописи
5. Фламандская и Голландская школы живописи

Музей Прадо, внешний вид нового здания

Первоначально коллекция музея Прадо состояла из 311 картин, они принадлежали кисти только испанских авторов, в том числе здесь находились 44 полотна работы Веласкеса. Постепенно королевская коллекция, насчитывавшая около 5000 картин, перебралась в Прадо. С 1821 года здесь появились работы итальянских живописцев, а в 1843 году – фламандских.

Во время революции 1868 года правившая королева Изабелла II бежала из страны. И хотя через пару лет монархия в стране восстановилась, статус музея Прадо изменился навсегда: он стал достоянием народа Испании.

Касóн дель Буэн Ретиро. Филиал музея Прадо напротив парка Ретиро

Коллекция музея за прошедшие годы пополнилась произведениями европейских художников, но основой по-прежнему является собрание, приобретавшееся королями Испании XVI и XVII веков, отражающее их вкусы. Поэтому в Прадо широко представлены работы художников-фаворитов Филиппа IV и его деда, Филиппа II. А фаворитами были Веласкес и Гойя. Испанские монархи отличались хорошим вкусом!

Фламандская школа живописи – самая прославленная в Европе. И в музее Прадо она представлена очень широко, примерно на уровне итальянской коллекции. Дело в том, что в истории был период, когда Фландрия (нынешние страны Люксембург, Нидерланды и Бельгия) принадлежали Испании и художники работали, создавая свои шедевры в Испании.

В залах музея, фото Alex-Segre

Время работы музея Прадо

Цена входного билета

Как добраться до музея Прадо

Ехать метро до станции Atocha (линии 1) или Banco de España (линии 2).

фото и отзывы — НГС.ТУРИЗМ

Теперь три этажа музея – концентрация европейского культурного наследия. Априорная коллекция Прадо насчитывали свыше трех сотен полотен, а сегодня фонды расширились до восьми тысяч картин, более четырех сотен скульптур и ювелирных изделий. Из-за компактности здания единовременно можно увидеть лишь пару тысяч произведений искусства. Еще три разбросаны на основе аренды по музеям всего мира.

Изначально музей должен был стать «домом» работам исключительно испанских живописцев, в нем представлены наиболее полные коллекции таких мастеров как Гойя, Веласкес, Эль Греко, Босх. Но со временем экспозиция и фонды ширились, «впитывая» шедевры итальянской, немецкой, английской, фламандской, французской школ, эстампами и рисунками, предметами декоративного искусства и скульптурами.

Итак, главным порталом здания музея, является вход имени Гойя. Вообще, в здание ведут еще две двери: одна расположена по правую сторону от основной и названа в честь Веласкеса; другая находится на противоположной стороне и именуется Входом Мурильо.

Что же внутри? Гости музея приобретают билеты, минуют металлоискатель и оказываются на первом этаже здания. Здесь посетители знакомятся со скульптурно-картинными экспозициями Рафаэля, Ван дер Вейдена, Тинторетто, Дюрера и Босха. На втором уровне здания находятся картины Караваджо, Эль Греко, Пуссена, Рембрандта, Рубенса, Веласкеса, Мурильо и Рибера. Также здесь организуются экспозиции-гастролеры и временные выставки. Еще выше можно увидеть труды Менгса, Тьеполо и Ватто. Произведения Тициана представлены и на первом, и на втором уровнях музея, а работы Гойя – на втором и третьем. В подвальном пространстве Прадо размещена экспозиция «Сокровища Дофина».

Посетить музей Прадо можно в любой день недели, кроме понедельника и новогодне-рождественских праздников. Более того, в определенные дни визит проходит на совершенно безвозмездной основе.

168 просмотров за сентябрь, 292 за август, 11820 всего

Картинная галерея Прадо

Музей Прадо — это известный во всем мире музей и картинная галерея, расположенная в Мадриде.Здесь находится одна из самых прекрасных коллекций европейского искусства, начиная с четырнадцатого заканчивая началом девятнадцатого века. Основывался Прадо как музей картин и скульптур, сейчас в нем около пяти тысяч полотен, две тысячи репродукций, тысяча разнообразных монет и медалей и приблизительно две тысячи образчиков декоративно-прикладного искусства. Скульптура представлена более чем семью сотнями работ и чуть меньшей коллекцией малых скульптурных форм. Превосходная картинная галерея объединяет 8 600 полотен, что помогло музею получить статус мировой сокровищницы.
В Прадо представлены, бесспорно, лучшие в мире собрания работы испанских художников Диего Веласкеса, Франциско Гойи, равно как и голландского художника Иеронимуса Босха – любимца испанского короля Филиппа II. Музей также ожжет похвастаться превосходной коллекцией работ эль Греко, Питера Пауля Рубенса, Рафаэля, Тициана, Бартоломео Эстебана Мурильо. Прекрасные примеры трудов Мелоццо да Форли, Боттичелли, Караваджо, Альбрехта Дюрера, Рембрандта, Веронезе, Ханса Бальдунга, Фра Анджелико, Ван дер Вейдена и других художников с мировой славой можно увидеть в залах музея.
Самая известная работа, выставляемая в музее это «Менины» Веласкеса. Веласкес не только самолично поставлял свои работы в Прадо, но и старательно следил за тем, чтобы коллекция музея постоянно пополнялась самыми лучшими образчиками итальянских мастеров. Он был ответственен за ввоз иностранных работ в Испанию.
Известная работа Пабло Пикассо «Герника» выставлялась в Прадо после его возвращения, связанного с реставрацией демократии, но позже была перевезена в музей королевы Софии, так как это место больше подходило для представления этого потрясающего полотна.
Музей Прадо представляет собой одно из зданий, построенных во время правления Карла III, как часть грандиозной строительной схемы, спроектированной по стандартам Мадрида. Эта «долина» (именно так переводится с испанского слово «Прадо») получила общее название, Salon del Prado, а позднее Paseo del Prado, а названием музея оно стало только во времена национализации. Работа над зданием приостановилась с окончанием правления Карла III на время полуостровной войны и была возобновлена только во времена его внука, Фердинанда VII. Эта постройка служила как штаб кавалерии и склад боеприпасов, когда войска Наполеона засели в Мадриде в течение Войны за независимость. После свержения с престола Изабеллы II в 1868 году, музей был национализирован и получил название Museo del Prado. Позднее оказалось, что здание, для того, чтобы представлять королевскую коллекцию предметов искусства – очень мало. Первое расширение произошло в 1918 году.
Со временем к музею присоединилось еще два здания, стоящих неподалеку. Cason del Buen Retiro с 1971 года выставляет коллекцию шедевров девятнадцатого века. Palacio de Villahermosa сегодня является пристанищем для музея Thyssen-Bornemisza, т.е. коллекции тех вещей, которые не относились к королевскому собранию и стали частью Прадо в 1985 году.
Во время Гражданской войны в Испании по рекомендации Лиги Наций, музей перевез триста пятьдесят три картины, сто шестьдесят восемь набросков и сокровища Дофина в Валенсию, позже – в Гирону и, наконец, в Женеву. Предметы искусства должны были вернуться на родину ночными поездами через Францию в начале Второй мировой войны.

экспозиции, график работы, стоимость — Туристим

Основание музея приходится на конец XVIII века. В 1775 году тогдашний правитель Испании, король Карлос Третий поручил известному архитектору Хуану де Вильянуэва проектирование музея, который изначально был посвящен естественной истории. Лишь с 1809 года был учрежден ныне существующий музей живописи. Ныне его ежегодно посещают более 2.5 млн человек.

Коллекция картин музея Прадо

На сегодняшний день здесь сохраняется чуть более 8600 полотен. К сожалению, размеры выставочных залов позволяют одновременно демонстрировать около 2000 самых ценных из них. Ценители искусства имеют возможность познакомиться с менее известными произведениями в многочисленных филиалах Прадо. Самый крупный – Касон дель Буэн Ретиро – расположен в Мадриде неподалеку от парка Ретиро.

Коллекция картин делится на несколько живописных ансамблей, самыми ценными из которых являются следующие.

• Итальянская живопись – произведения Боттичелли, Рафаэля, Тициана, дель Сарта и других мастеров итальянского Ренессанса; саамы старые относятся к XV веку.
• Фламандская школа – долгое время Нидерланды и территории современной Бельгии были наследственными землями испанских монархов. Сегодня музей Прадо в Мадриде сохраняет около 1000 картин, написанных уроженцами Фландрии и Голландии – Рубенсом, Брейгелем, Босхом, Вейденом и другими мастерами.
• Испанская школа – музей Прадо – крупнейшее хранилище испанских произведений искусства. Здесь насчитывается около 4800 картин художников с Пиренейского полуострова, среди которых такие мастера, как Гойя, Эль Греко, Веласкес, Сурбаран.
• Немецкие, английские, французские коллекции – пусть и менее богатые, чем описанные выше школы, произведения художников из стран Северной Европы дополняют коллекцию картин.

Другие выставки в музее Прадо

Помимо живописи, в музее выставляются и иные ценности. Так, в Прадо сохраняются примерно 4000 рисунков, набросков и эстампов, принадлежащих, в том числе, и знаковым живописцам. Выставочные залы украшены 220 скульптурами, завезенными из Италии. Часть из них относится к эпохе Античности.

В подвальном этаже мадридского музея выставляются «Сокровище дофина» – большая коллекция украшений и драгоценностей, принадлежащих бывшей испанской правящей династии – Габсбургам. Регулярно музей Прадо принимает у себя выездные выставки, чаще посвященные работам конкретного художника.

Во все дни, кроме воскресения, когда закрытие происходит на час раньше, музей Прадо в испанском Мадриде с 10.00 утра до 20.00 вечера. Стоимость входного билета – 14 евро, посетители до 18 лет допускаются бесплатно, а студенты могут рассчитывать на 50-процентную скидку.

Рубенс, Питер Пауль — Коллекция

Ни один другой европейский художник XVII века не сочетал в себе художественный талант, социальный и экономический успех и высокий культурный уровень, как Рубенс. Хотя в первую очередь художник, он также создал множество рисунков для гравюр, гобеленов, архитектуры, скульптуры и декоративных предметов. Его многочисленные работы поразительно разнообразны по своей тематике, включая картины на мифологические, религиозные и исторические темы, а также портреты и пейзажи.Его живопись высокопарна, но он также умел быть тонким, а его работы демонстрируют огромное техническое мастерство и чувствительность к композиционным соображениям и психологии его персонажей. Успех Рубенса при его жизни был обусловлен как способностью его искусства вызывать ностальгию по античности, которую он разделял со своими современниками, так и его умением предлагать им возвышенный образ самих себя в то время, когда основы европейской культуры активно подвергались сомнению. . В Museo del Prado находится самая большая и одна из лучших коллекций картин Рубенса, и почти все они происходят из королевских коллекций Испании.Есть также важные группы его работ в Конинклийском музее для Шоне Кунстен в Антверпене, Национальной галерее Лондона, Старой пинакотеке в Мюнхене, Лувре в Париже и Художественно-историческом музее в Вене. Рубенс родился 28 июня 1577 года в Зигене, в немецкой провинции Вестфалия, куда его фламандская семья-кавинист бежала, спасаясь от религиозных преследований в Антверпене. В 1578 году они переехали в Кельн, где художник жил до своего окончательного возвращения в Антверпен в 1589 году.К тому времени мать Рубенса обратилась в католицизм, который он разделял как горячий сторонник церкви. Для художника у него было необычное образование. Он начал учиться у своего отца, Яна Рубенса, юриста, который учился в Риме и Падуе. В 1589 году он поступил в школу латинистов Ромбоут Вердонк, где обучался латинской и греческой риторике и грамматике. Его старший брат Филипп учился в той же школе и впоследствии стал выдающимся гуманистом. Превосходство этого образования и его классицистская и католическая ориентация ясно видны в обильной переписке Рубенса — в основном на итальянском, но также на французском, фламандском и латыни.Легкости, с которой он перемещался в аристократических и придворных кругах на протяжении всей своей жизни, несомненно, способствовало все, что он узнал, будучи пажем графини Лин-Аренберг, работой, которую он начал в 1590 году. К тому времени он, должно быть, уже начал рисовать. в следующем году в качестве ученика в мастерской местного пейзажиста Тобиаса Верхахта. Однако его самым важным учителем был Отто ван Вин, художник, воспитанный в классических идеалах, который жил в Риме в течение нескольких лет и работал придворным художником у испанских губернаторов Нидерландов в Брюсселе.Рубенс начал работать с ним в 1594 или 1595 году, и профессиональная карьера этого старшего художника стала примером для молодого художника. Мало что известно о картинах Рубенса между его становлением в качестве независимого мастера в 1598 году и его поездкой в ​​Италию в 1600 году. Он покинул Антверпен 9 мая 1600 года и вскоре поступил на службу к Винченцо I Гонзага, герцогу Мантуи, в качестве придворного художника. . Его положение в Мантуе позволило ему жить за счет своих работ, а также предоставило ему доступ к аристократическим коллекциям в разных частях Италии.Рубенс посвятил свои восемь лет итальянскому полуострову интенсивному изучению искусства прошлого, особенно греческой и римской скульптуры, а также великих мастеров эпохи Возрождения, таких как Рафаэль и Микеланджело. Городом, который он чаще всего посещал в те годы, был Рим, где он также добился первых профессиональных успехов. В 1601–1602 годах ему было поручено создать три алтаря для церкви Санта-Кроче в Иерусалимме (две сохранившиеся картины сейчас находятся в соборе Нотр-Дам в Грассе).В 1606 году ему было поручено расписать холсты для алтаря в римской церкви Санта-Мария-ин-Валличелла. Эта комиссия, которую он получил, несмотря на конкуренцию со стороны других кандидатов в Риме, подтвердила его статус одного из ведущих художников города в то время. Во время своего пребывания в Италии Рубенс также совершил поездку, имеющую большое значение для его отношений с Испанией. В 1603 году герцог Мантуи избрал его посланником при дворе Филиппа III в Вальядолиде. Он оставался в Испании с сентября 1603 года до первых месяцев 1604 года, и за это время он сделал конный портрет герцога Лермы (Museo del Prado) для фаворита короля.Эта работа является первым примером его умения рисовать грандиозные изображения правителей своего времени. Однако в конце 1608 года известие о болезни его матери вынудило Рубенса вернуться в южные Нидерланды, и хотя он изначально намеревался вернуться оттуда в Италию, «удобства», с которыми он столкнулся в Анверпене, заставили его остаться там, сделав его своим домом. на всю оставшуюся жизнь. В 1609 году Альберт VII, эрцгерцог Австрии и эрцгерцогиня Австрии Изабелла Клара назначили его придворным художником, и они также предоставили ему право не проживать при дворе Брюсселя, что позволило ему остаться в Антверпене.3 октября 1609 года Рубенс женился на Изабелле Брант, принадлежавшей к местной буржуазной семье. Его прекрасный Автопортрет с женой (около 1609-1610, Старая пинакотека, Мюнхен) и портреты его сыновей, написанные ею (Альбертом и Николасом Рубенсами, около 1626 года, коллекция принца Лихтенштейна, Вадуц), показывают семью, которая усыновила обычаи и одежда самых привилегированных классов. После нескольких десятилетий войны испанские Нидерланды начали мирный период в 1609 году, когда испанская монархия и Соединенные провинции Севера подписали Двенадцатилетнее перемирие.Это перемирие привело к национальной реконструкции, которая оказалась выгодной для Рубенса, когда он начал писать картины для украшения церквей, домов и дворцов аристократии и высшей буржуазии. В 1609 году город Антверпен поручил ему нарисовать большой «Поклонение волхвов» (Museo del Prado), который использовался для украшения ратуши во время подписания Двенадцатилетнего перемирия. Позже он стал частью коллекции короля Филиппа IV, а в 1628–1629 годах с разрешения короля Рубенс расширил и отретушировал ее, добавив свой автопортрет.В первые годы после своего возвращения в Антверпен он написал некоторые из самых впечатляющих алтарных произведений из когда-либо созданных, в том числе «Воздвижение креста» (1610–1611 гг., Антверпенский собор) и «Снятие с креста» (1611–1614 гг., Антверпенский собор). В то время его мастерская стала самой важной в городе, обучая многих художников и нанимая выдающихся молодых художников, таких как Ван Дайк, который пришел в его мастерскую в качестве ассистента в 1616 году. Это был также период, когда Рубенс сотрудничал с другими выдающимися фламандцами. художников, в том числе Франса Снайдера, с которым он нарисовал Признание Филиппа (Museo del Prado) и Прометея (ок.1612, Художественный музей Филадельфии), среди других работ. Однако больше всего он сотрудничал с Яном Брейгелем де Велюром, в картины которого он вставлял маленькие, изящно выполненные фигуры, подобные тем, что появляются в серии Five Senses (1617-1618, Museo del Prado), и на гирляндах, где Рубенс писал фигуры Богородицы, Младенца Христа и ангелов (Musée du Louvre, Париж; Museo del Prado). Его огромный успех в Антверпене также подтверждается заказом в 1620 году украсить иезуитскую церковь в Антверпене тридцатью девятью полотнами, прикрепленными к потолкам боковых нефов (разрушенных в 1718 году).Размер и организация мастерской Рубенса позволили ему реализовать этот и множество других крупных проектов. Частично его успех в те годы был обусловлен покровительством эрцгерцога и герцогини. В 1621 году умер эрцгерцог Альберт, и Рубенс сблизился со своей вдовой, инфантой Изабеллой, которая продолжала управлять испанскими Нидерландами от имени своего племянника, короля Филиппа IV, до самой своей смерти в 1633 году. Художественные последствия отношений Рубенса с Изабелла значительна. Возможно, она сыграла важную роль в его поручении украсить Люксембургский дворец в Париже, где проживала Мария Медичи, королева-мать Франции.В 1625 или 1616 году инфанта Изабелла Клара Евгения поручила ему спроектировать двадцать больших гобеленов для монастыря Дескальсас Реалес в Мадриде, где она провела некоторые части своего младенчества. Гобелены остаются там и сегодня. Некоторые модели, которые художник сделал в рамках подготовки к этому проекту, прибыли в Мадрид годы спустя и сейчас находятся в Музее Прадо. Инфанта продолжала создавать важные произведения искусства, в том числе Триптих Святого Ильдефонса (Художественно-исторический музей, Вена), который был заказан около 1630 года для украшения часовни в придворной церкви Святого Иакова Куденберга в Брюсселе.Как агент Изабель Клары Юджинии, Рубенс также оказался вовлеченным в серию дипломатических переговоров, направленных на подписание мирного договора между Испанией и Нидерландами. В 1628 году король Филипп IV вызвал художника в Мадрид для ознакомления с ходом переговоров. Он прибыл в августе 1628 года и оставался там до апреля 1629 года. Находясь там, Рубенс, вероятно, делил студию в Алькасаре с Веласкесом, чей тесть, художник и писатель трактатов Франсиско Пачечо, позже описал лихорадочную деятельность фламандского художника. в своей книге «Искусство живописи»: «Кажется невероятным, что он мог нарисовать так много за такое короткое время.И действительно, во время своего пребывания в Мадриде Рубенс написал около сорока работ — одни по приказу короля, другие для инфанты Изабеллы Клары Евгении, а другие для себя, включая многочисленные копии картин Тициана в королевской коллекции. Из всех них одно выделяется своим историческим значением. Сейчас утерянный (есть копия в Галерее Уффици во Флоренции), этот конный портрет Филиппа IV представляет собой изображение короля в окружении аллегорических фигур, воспевающих его роль монархического защитника католицизма.После завершения эта картина была повешена в самом представительном зале Алькасара, заменив конный портрет, написанный несколькими годами ранее молодым Веласкесом, придворным художником Филиппа V. Этот акт сделал Рубенса любимым художником испанского короля, и это предпочтение было подтверждено многочисленными заказами, которые он получил от короля в течение 1630-х годов. В конце своего пребывания в Мадриде Рубенс посетил Лондон (1629-1630), а затем Гаагу (1631), чтобы продолжить добиваться мира. В Лондоне ему было поручено украсить Банкетный дом, большой зал, принадлежащий роскошному комплексу Уайтхолл.Он также написал одну из своих самых известных политических аллегорий королю Англии Карлу I: «Аллегория мира» (Национальная галерея, Лондон). Первая жена Рубенса умерла в 1626 году, а в 1630 году он женился на Хелене Фурмент, красивой молодой женщине шестнадцати лет, которая стала его главным источником вдохновения в последнее десятилетие его жизни. Он писал различные ее портреты (Елена Фурман, сидящая на террасе, ок. 1630-1631, Старая пинакотека, Мюнхен), а также использовал ее черты, чтобы определить тип женской фигуры, присутствующей в большинстве его картин тех лет. в том числе мифологические произведения, такие как «Суд Парижа», который Рубенс написал по велению Филиппа IV (Музей Прадо), и религиозные изображения, в том числе «Коронация Святой Екатерины» (1631, Толедский художественный музей, Толедо, Огайо).В последние годы жизни Рубенс получил многочисленные заказы от Филиппа IV. Между 1636 и 1638 годами он снял около шестидесяти сцен, в основном мифологических, для королевского охотничьего домика Торре-де-ла-Парада; а между 1638 и 1640 годами он написал двадцать две мифологические сцены для дворца монарха Алькасар в Мадриде (большинство сохранившихся работ из этой серии находятся в Музее Прадо). Все эти работы показывают влияние, которое Тициан оказал на стиль Рубенса в тот период: подход, который придает большее значение свободному воспроизведению изображения, чем его точному очерчиванию.Рубенс всегда писал пейзажи, но особые усилия в этом жанре он приложил в 1630-е годы. Такие работы, как «Пейзаж с радугой» (около 1636 г., коллекция Уоллеса, Лондон) и «Пейзаж с Хет Стин» (около 1635 г., Национальная галерея, Лондон) передают любовь художника к сельской местности и его глубокую настройку на жизненную силу и ритмы природы. Когда он умер 30 мая 1640 года, в его мастерской хранилось множество картин. Некоторые из них, вероятно, были незавершенными, но другие были более личными и были сделаны Рубенсом без намерения их продавать.В эту последнюю группу входит одна из самых красивых его работ в Музее Прадо «Три грации», которая почти наверняка была приобретена Филиппом IV у наследников художника. Помимо своих картин, Рубенс также сделал сотни рисунков и эскизов, которые он использовал для подготовки своих картин. Эти работы позволяют оценить его незаурядный художественный талант. Он также сделал множество рисунков для гравюр, а также нанял и тщательно руководил художниками, занимавшимися гравировкой его рисунков. Более того, его забота о получении авторских прав на свои отпечатки свидетельствует о его строгом контроле над экономическими аспектами своей работы.Рубенс был посвящен в рыцари Филиппа IV Испании и Карла I. Его успех в крупных европейских дворах и его высокое социальное положение были так же важны, как и его художественный талант, сделав его очень влиятельным художником (Vergara, A. in Enciclopedia M.N.P., 2006, VI, pp. 1918-1925).

Его автопортрет включен в «Поклонение волхвов» (Museo del Prado P1638).

20 картин, которые стоит посетить в Музее Прадо в Мадриде

История создания Museo del Prado, или музея Прадо, восходит к 1785 году, когда здание в Мадриде, которое сейчас занимает Прадо, было построено по заказу короля Карла III. В музее собраны самые полные в мире коллекции произведений Эль Греко, Веласкеса и Франсиско де Гойи, а также таких испанских мастеров, как Хосе де Рибера и Франсиско де Сурбаран. Здесь также представлен богатый ассортимент других крупных европейских художников. Эти 20 картин — лишь небольшая часть обширной коллекции Прадо.

Более ранние версии описаний этих картин впервые появились в книге 1001 Paintings You Must See Before You Die под редакцией Стивена Фартинга (2018). Имена писателей указаны в скобках.

• Сатурн (1820–23)

  В 1819 году Франсиско Гойя купил дом к западу от Мадрида под названием Quinta del sordo («Вилла глухих»). Предыдущий владелец дома был глухим, и имя осталось подходящим, поскольку сам Гойя потерял слух в возрасте около 40 лет.Художник нарисовал прямо на гипсовых стенах Квинты серию психологически задумчивых образов, широко известных как «черные» картины (1819–1823). Они не предназначались для показа публике, и только позже картины были сняты со стен, перенесены на холст и депонированы в Прадо. Преследующий Сатурн иллюстрирует миф о римском боге Сатурне, который, опасаясь, что его дети свергнут его, съел их. Если взять миф за отправную точку, картина может быть о гневе Бога, конфликте между старостью и молодостью или о Сатурне как о времени, пожирающем все сущее.Гойя, которому к тому времени было 70 лет, переживший две опасные для жизни болезни, вероятно, беспокоился о собственной смертности. Возможно, художника вдохновило изображение мифа в стиле барокко Питера Пауля Рубенса « Сатурн, пожирающий своего сына» (1636). Версия Гойи с ее ограниченной палитрой и более свободным стилем намного мрачнее во всех смыслах. Широко раскрытые глаза бога наводят на мысль о безумии и паранойе, и, что пугает, он, кажется, не осознает своего ужасного поступка. В 1823 году Гойя переехал в Бордо.После краткого возвращения в Испанию он вернулся во Францию, где и умер в 1828 году. (Карен Морден и Стивен Пулимуд)

• Христос, обнимающий Сен-Бернар (1625–27)

  Христос, обнимающий Сен-Бернар , картина маслом Франсиско Рибальта, 1625–1627; в Прадо, Мадрид.

  A. Gutierrez / Ostman Agency

  Испанский художник Франсиско Рибальта достиг вершины своего зрелого стиля, создав «Христос обнимает святого Бернара» . В процессе он преобразовал испанское барокко.Пионер в отказе от условностей маньеризма в пользу нового типа натурализма, ведущий художник Валенсии взял курс на испанское искусство, проложив путь таким мастерам, как Диего Веласкес, Франсиско де Сурбаран и Хосе де Рибера. Обладая реализмом, картина «Христос обнимает святого Бернара» представляет собой синтез натурализма и религиозности, который определил искусство контрреформации 17-го века. Изображая восторженную слабость против божественной силы, а человека против трансцендентного, картина Рибальты изображает сцену набожного благочестия и явного человеческого взаимодействия.Телесность тела Христа (сошедшего с креста), а также тщательное внимание к драпировке одежды св. Бернара (в сочетании с тугим и подвешенным телом Христа) придают мистическому видению ощущение близости и весомости. В своем интроспективном и выразительном изображении глубокого религиозного опыта картина предлагает искупительное видение человечества. Скульптурное моделирование и драматическое изображение светотени , определяющее эти две фигуры — на резком фоне, на котором едва видны две другие — напоминают итальянских тенебристов, таких как Караваджо.Хотя неизвестно, посещал ли Рибальта когда-либо Италию, «Христос обнимает святого Бернара» отражает многие черты итальянского барокко и, скорее всего, взят из реплики алтаря Караваджо, который, как известно, скопировал Рибальта. (Жоао Рибас)

• Демокрит (1630)

  Этот поразительный портрет испанца Хосе де Риберы показывает влияние Караваджо на раннюю карьеру Риберы. Демокрит появляется из насыщенной темной тени, когда драматические прожекторы — в духе Караваджо — выделяют определенные области.У беззубого философа Риберы морщинистое лицо и изможденное тело. То, как он сжимает бумаги в одной руке и компас в другой, говорит нам, что он ученый, но также подчеркивает его костлявые пальцы грязными ногтями. Великий человек (которого традиционно называли Архимедом) выглядит не столько уважаемым ученым, сколько бедным стариком из современной испанской деревни. Таким образом Рибера нарисовал ряд выдающихся ученых, смело отходя от общепринятых художественных традиций, которые предпочитали рисовать важных людей в идеализированном и героическом классическом стиле.В этой картине есть резкие детали, но это человек с личностью. Он не отстраненная икона. (Энн Кей)

• Распятый Христос (ок. 1632)

  Диего Веласкес написал несколько религиозных произведений, но этот чрезвычайно мощный образ является его лучшим. Эта картина — убедительно реальное исследование человеческого тела, но с намёками на более монументальные скульптурные качества, которые поднимают его на более высокий уровень в соответствии с духовным содержанием. Композиция совершенно проста, но драматична, с контрастом белого тела на темном фоне, перекликающимся с работами Караваджо, которым Веласкес очень восхищался в молодости.Реалистичный натурализм присутствует в том, как голова Христа падает на его грудь, спутанные волосы частично закрывают лицо и раскрашены с распущенностью, которой Веласкес восхищался у венецианских мастеров, особенно Тициана. Эта работа предлагает религиозный сюжет, раскрытый в весьма оригинальной манере: реальный персонаж изображен в естественной позе, с урезанной композицией, сосредоточенной исключительно на предмете. (Энн Кей)

• Сдача Бреды (ок. 1635)

  Будучи придворным художником короля Испании Филиппа IV большую часть своей жизни, Диего Веласкес работал преимущественно с портретами.Однако с помощью «Сдача Бреды » он создал шедевр, который считается одной из лучших исторических картин испанского барокко. На этом снимке изображено одно из главных событий Тридцатилетней войны — захват испанцами стратегически важного голландского города Бреда в 1625 году. Голландский командующий передает ключ от города знаменитому испанскому генералу Амброджо Спиноле. Веласкес написал «Сдача Бреды » после своего возвращения из Италии, поездка, отчасти вдохновленная его дружбой с фламандским художником эпохи барокко Питером Полем Рубенсом.Роспись, украшающая тронный зал дворца Буэн-Ретиро короля Филиппа, является частью серии изображений, демонстрирующих военные триумфы Испании, и отличается прямотой и естественностью, типичной для работ Веласкеса. Хотя композиция была тщательно разработана — и в действительности напоминает работы Рубенса, — она ​​дает ощущение того, что вы находитесь в центре очень реальной, человеческой драмы. Солдаты смотрят в разные стороны, а лошадь на переднем плане рысцой убегает от зрителя. Художник отказывается от деталей, чтобы создать реализм, показывая главных героев с реалистичной точностью, оставляя безымянные войска более схематичными.Естественное освещение и широкая манера письма, несомненно, созданы итальянскими мастерами. Из этой картины легко понять, почему Веласкес стал фаворитом импрессионистов, и этот образ сохраняет свою силу и сегодня. Это единственная сохранившаяся историческая картина Веласкеса. (Ann Kay)

• Las meninas (1656) Diego Velázquez: Las meninas

  Las meninas (с автопортретом художника слева, отражения Филиппа IV и королевы Марианы в зеркало в задней части комнаты, и инфанта Маргарита с ее менинами ( или фрейлинами на переднем плане), холст, масло Диего Веласкеса, ок.1656; в музее Прадо, Мадрид.

  Classic Vision / age fotostock

  Las meninas показывает Диего Веласкеса в конце своей карьеры и на пике его весьма впечатляющих способностей. Немногие работы вызвали больше споров, чем Las meninas . Размер и сюжет помещают его в достойную традицию портретной живописи, знакомую современникам Веласкеса. Однако о чем или о ком идет речь? Веласкес показывает себя за мольбертом в своей студии во дворце Алькасар в Мадриде, с пятилетней инфантой Маргаритой и ее окружением на переднем плане, другими придворными в других местах картины, а также королем и королевой, отраженными в зеркале на задней стене. .Веласкес рисует королевскую чету, когда они позируют за мольбертом, или он рисует Маргариту, которая была удивлена ​​появлением ее родителей в комнате? На первый взгляд «случайная» сцена была очень тщательно построена с использованием обширных знаний перспективы, геометрии и визуальных иллюзий, чтобы создать очень реальное пространство, но с аурой таинственности, где точка зрения зрителя является неотъемлемой частью картины. Художник показывает, как картины могут создавать всевозможные иллюзии, а также демонстрирует уникальную плавную манеру письма последних лет.Просто серия мазков, если смотреть вблизи, его мазки сливаются в яркую сцену, когда зритель отодвигается. Картина Las meninas , которую часто называют «картиной о живописи», очаровала многих художников, в том числе французского импрессиониста Эдуарда Мане, которого особенно привлекали манера письма, фигуры и игра света и тени Веласкеса. (Энн Кей)

• Рубенс Картина «Аллегория мира» (ок. 1660)

  Лука Джордано был, пожалуй, самым плодовитым из великих мастеров 17-го века.Его звали Лука Фа Престо («Лука, работай быстро»), имя, которое, как полагают, произошло от его отца, который уговаривал мальчика идти вперед, имея в виду финансовую выгоду. Потрясающий талант Джордано был обнаружен в молодом возрасте, и впоследствии его отправили учиться сначала у Хосе де Рибера в Неаполе, а затем у Пьетро да Кортона в Риме. Его работы показывают влияние обоих этих учителей, а также Паоло Веронезе, но он разработал собственное выражение, используя яркие цвета, и он, как известно, сказал, что людей больше привлекали цвета, чем дизайн.Ярко-барочный стиль Джордано прекрасно прослеживается на этой картине, изображающей Питера Пауля Рубенса за работой. Аллегорический сюжет был особенно популярен в то время, и включение Джордано почитаемого Рубенса было бы широко признано. Он использовал сложную структурную композицию с фигурами и херувимами, собравшимися вместе с правой стороны, в небольшой картинной плоскости, из которой они, кажется, вырвались наружу. Белый голубь на переднем плане образует фокус, излучает энергию и действие, чтобы привлечь внимание к фигуре Рубенса сзади.В 1687 году Джордано переехал в Испанию, где десять лет работал при королевском дворе. Богатый человек, вернувшись в Неаполь в 1702 году, он пожертвовал городу большие суммы денег. (Тэмсин Пикерал)

• The Naked Maja (1795–1800)

  Вполне вероятно, что Франсиско Гойя написал знаменитый скандальный Maja desnuda ( The Naked Maja ) для Мануэля Годоя, дворянина и премьер-министра Испания. Годой владел несколькими картинами с изображением обнаженных женщин, и он повесил их в личном кабинете, посвященном этой теме. «Обнаженная Майя » показалась бы смелой и порнографической рядом с такими работами, как «Венера » Диего Веласкеса и «Амур » (также известная как «Венера Rokeby »). Лобковые волосы модели видны — в то время это считалось непристойным, — а статус майи из низшего сословия, наряду с ее позой, с грудью и руками, обращенными наружу, предполагает, что объект более сексуально доступен, чем традиционные богини западного искусства. Однако она больше, чем просто объект мужского желания.Здесь Гойя, возможно, изображает новую модель marcialidad («прямолинейность») испанских женщин того времени. Поза майи усложняется ее встречным взглядом и холодными телесными тонами, которые указывают на ее независимость. Гойя заплатил за нарушение табу в 1815 году, когда инквизиция допросила его об этой картине, и впоследствии он был лишен роли придворного художника. (Карен Морден и Стивен Пулимуд)

• Семья Карлоса IV (1800) Франсиско Гойя: Семья Карла IV

  Семья Карла IV , холст, масло, Франсиско Гойя, 1800; в Прадо, Мадрид.

  Archivart / Alamy

  В 1799 году Франсиско Гойя был назначен первым придворным художником Карла IV в Испании. Король попросил семейный портрет, и летом 1800 года художник подготовил серию масляных набросков для формальной аранжировки различных натурщиков. Окончательный результат был назван величайшим портретом Гойи. На этой картине члены семьи носят сверкающие роскошные одежды и пояса различных королевских орденов. Тем не менее, несмотря на пышность и великолепие, художник использовал натуралистический стиль, запечатлевая отдельных персонажей, так что каждый, как выразился один критик, «достаточно силен, чтобы нарушить единство, ожидаемое от группового портрета.Тем не менее, самая доминирующая фигура — королева Мария Луиза в центре. Она, а не король, занималась политическими вопросами, и ее отношения с королевским фаворитом (и покровителем Гойи) Мануэлем Годоем были хорошо известны. Хотя некоторые критики интерпретировали иногда нелестный натурализм как сатиру, вряд ли Гойя таким образом поставил под угрозу свое положение. Члены королевской семьи одобрили картину и увидели в ней подтверждение силы монархии в политически неспокойные времена.Гойя также отдает дань уважения своему предшественнику Диего Веласкесу, вставив автопортрет, подобный Las meninas ). Однако, в то время как Веласкес изображал себя художником, занимающим доминирующее положение, Гойя более консервативен, выходя из тени двух полотен слева. (Карен Морден и Стивен Пулимуд)

• Майя в одежде (1800–07)

  Через несколько лет после написания «Обнаженная Майя » для своего покровителя Мануэля Годоя Франсиско Гойя нарисовал одетую версию своего предмета.Похоже, он использовал ту же модель, в той же позе лежа, в той же обстановке. Существует много споров о личности модели, и возможно, что Гойя использовал несколько разных натурщиков для своих картин. Majos и majas были тем, что можно было бы назвать богемными или эстетами. Будучи частью мадридской художественной сцены начала 19 века, они не были богаты, но придали большое значение стилю, гордились своей яркой одеждой и умело использовали язык. Майя на этой картине написана в более позднем, более свободном стиле художника.По сравнению с The Naked Maja , The Clothed Maja некоторым зрителям может показаться менее порнографическим или более «реальным», поскольку ее платье придает больше индивидуальности объекту. Clothed Maja также более красочна и теплее по тону, чем The Naked Maja . Эта необычная работа могла служить умной «прикрытием» для обнаженной фотографии, вызвавшей такое возмущение в испанском обществе, или, возможно, она была предназначена для усиления эротического характера картины The Naked Maja , побуждая зрителя представить себе, как фигура раздевается. .Живопись Гойи, заставляющая задуматься, повлияла на многих художников, особенно на Эдуарда Мане и Пабло Пикассо, и его работы продолжают восхищать и сегодня. (Карен Морден)

• Третье мая 1808 года в Мадриде (1814) Франсиско Гойя: 3 мая 1808 года в Мадриде, или «Казни»

  3 мая 1808 года в Мадриде, или «Казни», холст, масло, Франсиско Гойя, 1814 г .; в Прадо, Мадрид.

  Museo del Prado, Madrid, Spain / Giraudon, Paris / SuperStock

  17 марта 1808 г. восстание Аранхуэса положило конец правлению Карлоса IV и Марии Луизы, королевских покровителей Франсиско Гойи.Фердинанд, сын Карлоса, стал королем. Воспользовавшись фракционностью испанской королевской семьи и правительства, Наполеон вошел и в конце концов пришел к власти. Третье мая 1808 года в Мадриде. изображает казнь испанских повстанцев французскими войсками у холма Принсипи Пио. Брат Наполеона, Жозеф Бонапарт, взял корону, и французская оккупация Испании продолжалась до 1813 года. Неясно, каковы были политические пристрастия Гойи, но он провел большую часть оккупации, записывая зверства войны.Его знаменитая серия работ « Бедствия войны » включала, пожалуй, самые острые и откровенные изображения войны, которые когда-либо видела Европа. Отпечатки были вытравлены с рисунков красным мелом, а новаторское использование художником субтитров сделало резкий комментарий жестокости войны. Третье мая 1808 года в Мадриде — самая непримиримая пропаганда Гойи. Написанная после восстановления Фердинанда на престоле, она отстаивает патриотизм испанцев. Центральная фигура — мученик: он принимает позу Христа, обнажая стигматы на ладонях.Испанцы показаны людьми, яркими и индивидуальными; французы бесчеловечные, безликие и униформные. Этот образ остается одним из самых знаковых образов милитаристского насилия в искусстве, наряду с картинами Эдуара Мане « Казнь Максимилиана » (1867–68) и Пабло Пикассо « Герника» (1937). (Карен Морден и Стивен Пулимуд)

• Обнаженный мальчик на пляже в Портичи (1874)

  После четырех лет художественного обучения в Барселоне каталонский художник Мариано Фортуни выиграл стипендию Prix de Rome в 1857 году и потратил все остальное. о его жизни в Италии, за исключением года в Париже в 1869 году, где он вступил в деловые отношения с известным арт-дилером Гупилем.Ассоциация принесла Фортуни крупные суммы за его работу и международную репутацию. Он стал одним из ведущих художников своего времени, внесшим свой вклад в возрождение и преобразование живописи в Испании. Характерно, что он писал небольшие жанровые картины до мелочей. Его новаторский способ изображения света, особенно в его поздних работах, и его исключительное мастерство в обращении с краской сделали его источником вдохновения для многих других в Испании 19 века и за ее пределами. Он был выдающимся мастером реалистичного рисунка и живописи, и у него было потрясающее чутье на цвет. «Обнаженный мальчик на пляже в Портичи» — прекрасный образец его позднего стиля. Ярко освещенный кабинет обнаженного детского тела отбрасывает вокруг него сильные тени. Точка обзора сверху, и Фортуни смешивает дополнительные цвета, чтобы придать объекту свежести. В то время, когда это было написано, несколько молодых художников во Франции экспериментировали с эффектами света и цвета, что сделало картину en plein air новым и захватывающим отходом от студийной работы. Фортуни, хотя и не придерживается импрессионизма, безусловно, исследует похожие темы.Он умер через несколько месяцев после завершения работы над картиной «Обнаженная на пляже» в Портичи , заразившись малярией во время написания этой работы в южной Италии. (Сьюзи Ходж)

• Снятие с креста (до 1443 г.)

  «Снятие с креста», темпера по дереву Рогира ван дер Вейдена, ок. 1435–40; в Прадо, Мадрид

  Giraudon / Art Resource, Нью-Йорк

  Картина Рогира ван дер Вейдена «» «Снятие с креста» является ярким примером ранней нидерландской традиции.Традиция, охватывающая таких художников, как Ян ван Эйк, характеризовалась вниманием к деталям, которое было обеспечено использованием масляной краски. Хотя масло как средство использовалось еще в 8 веке, понадобились такие художники, как ван Эйк и ван дер Вейден, чтобы полностью реализовать свой потенциал. Картина Ван дер Вейдена изначально была заказана Гильдией лучников в Лувене, Бельгия. На картине момент, когда мертвое тело Христа снимают с креста, происходит в том, что кажется замкнутым, похожим на коробку пространством.Хотя нидерландские традиции отличались использованием домашнего интерьера, здесь использование художником пространства придает всей сцене ощущение интимности. Тело Христа осторожно опускают Иосиф Аримафейский слева и Никодим справа. Дева Мария, изображенная традиционно синим цветом, падает у ног Святого Иоанна, который тянется к скорбящей матери. Визуально диагональ, образованная обмякшим телом Девы, перекликается с безжизненным телом Христа над ней. Это острое отражение также очевидно в расположении левой руки Марии по отношению к правой руке Христа.Ван дер Вейден поднимает эмоциональный регистр сцены до беспрецедентного уровня. Опущенные глаза девяти свидетелей смерти Христа в совокупности говорят о безутешном горе, и художник способен изобразить горе, неумолимое в своей печали и эмоциональном пафосе. (Крейг Стафф)

• Благовещение (1420–25)

  Великое движение фламандской живописи в период раннего Возрождения было инициировано двумя художниками: Робертом Кампеном, известным как Мастер Флемалля, и Яном ван Эйком.Благовещение было темой, которую Кампен писал несколько раз. Около 1425 года он написал « Mérode Altarpiece », триптих, на центральной панели которого также был изображен ангел Гавриил, объявляющий Марии о ее роли матери Христа. Одна из самых ярких черт его живописи — детальное изображение современных интерьеров. Благовещение происходит в готическом пространстве. Богородица, сидящая на крыльце, одета в одежду буржуазии 15 века.Габриэль становится на колени на лестнице, собираясь что-то сказать. Он выполнен в обычном напряженном стиле Кампена, а его обычные символы объясняют это событие. Пустой сосуд стоит перед тщательно прорисованными складками платья Марии, а открытый шкаф, наполовину открывающий скрытые предметы, напоминает нам о тайнах, которые ждут в жизни этой молодой женщины. Необъяснимый свет, символизирующий Святого Духа, освещает Деву, пока ее посетитель не потревожил. Изображая Мэри читающей, Кампен подразумевает, что она мудра — намек на престол мудрости.Но она сидит на более низком уровне, чем Габриэль, поэтому она также скромна. Картина разделена вертикально колонной. Левая сторона с Габриэлем — божественная половина, а правая часть изображает человеческий аспект Марии до того, как ее жизнь изменится безвозвратно. (Сьюзи Ходж)

• Автопортрет (1498)

  Альбрехт Дюрер родился в Нюрнберге, в семье венгерского ювелира. Его достижения как художника трудно переоценить. Он известен как величайший гравер всех времен, его рисунок и живопись не имеют себе равных по сей день, и он был автором книг по математике и геометрии.В 1494 году он уехал в Италию на год; здесь на его творчество повлияла живопись эпохи Возрождения. Хотя работы Дюрера всегда были новаторскими, до тех пор его работы в целом принадлежали к позднему готическому стилю, преобладающему в Северной Европе. В 1498 году он произвел Апокалипсис , набор из 15 гравюр на дереве, иллюстрирующих сцены из Книги Откровения. Он также написал эту картину « Автопортрет », в которой прослеживается стиль эпохи Возрождения. Он пишет себя, как итальянский аристократ, в позе трех четвертей, типичной для современной итальянской портретной живописи.Фон напоминает венецианскую и флорентийскую живопись с ее приглушенными нейтральными цветами и открытым окном, показывающим пейзаж, простирающийся до далеких заснеженных вершин. Лицо и волосы нарисованы реалистично — это еще одно итальянское влияние, — а руки в перчатках типичны для Дюрера, так как он рисовал руки с особым мастерством. Дюрер написал несколько автопортретов, необычный для того времени сюжет. Этот автопортрет показывает, почему Дюрера часто называют мостом между стилями готики и ренессанса.(Мэри Куч)

• Пейзаж со святым Иеронимом (1516–17)

  Иоахим Патинир родился на юге Бельгии, вероятно, в Бувине. В 1515 году записано, что он вступил в гильдию художников Антверпена. Он прожил в Антверпене всю оставшуюся жизнь и подружился с Альбрехтом Дюрером. В 1521 году Дюрер был гостем на второй свадьбе Патинира и в том же году нарисовал его картину, давая нам ясное представление о его внешности. Дюрер описал его как «хорошего пейзажиста», что является одним из самых ярких аспектов творчества Патинира.Он был первым фламандским художником, который придал пейзажу в своих картинах такое же значение, как и фигурам. Его фигуры часто малы по сравнению с широтой декораций, что представляет собой сочетание реалистических деталей и лирического идеализма. Пейзаж со Святым Иеронимом рассказывает историю об укрощении святым льва, исцелив его раненую лапу. Зритель смотрит вниз на сцену, которая продуманно скомпонована так, что взгляд сначала направляется на Святого Иеронима, а затем блуждает по пейзажу, разворачивающемуся на заднем плане.У него есть странное сказочное качество, также очевидное в его работе Charon Crossing the Styx , которое подчеркивается использованием светящегося полупрозрачного света. Всего пять картин, подписанных Патиниром, но и различные другие работы можно с полным основанием отнести к нему стилистически. Он также сотрудничал с другими художниками, рисовал для них их пейзажи и работал со своим другом-художником Квентином Массисом над картиной «Искушения святого Антония» . Изображение пейзажа Патинира и его сюрреалистические творческие работы оказали большое влияние на развитие пейзажа в живописи.(Тэмсин Пикерал)

• Тайная вечеря (1555–62)

  Это одна из самых известных картин, изображающих важное событие в жизни Христа, написанная испанцем, который происходил из семьи художников, живущих в Валенсия. Висенте Хуан Масип, известный как Хуан де Хуанес, был сыном известного художника Висенте Масипа и стал ведущим художником Валенсии во второй половине 16 века. «Тайная вечеря» демонстрирует те же итальянские влияния, что и в творчестве его отца, но с характерным нидерландским оттенком.На картинке изображен Иисус и его ученики, собравшиеся вместе для последней трапезы, когда Иисус предлагает своим товарищам хлеб и вино как символы своего тела и крови. Отчетливо видны хлеб и вино, а также облатка и чаша, использованные в таинстве Евхаристии в ознаменование этого события. Сцена представляет собой стилизованную драматургию с ее светотенью, освещением и тоскующими наклоненными фигурами, что делает ее немного маньеристской. Здесь также довольно идеализированные фигуры, уравновешенная композиция и изящное величие мастера высокого Возрождения Рафаэля.Итальянское искусство — особенно искусство Рафаэля — оказало большое влияние на испанское искусство того времени, и Хуан вполне мог учиться в Италии в какой-то момент. Его даже называли «испанским Рафаэлем». Существует множество искусных технических навыков в изображении складок одежды, завитков волос и бликов, отражающихся от посуды и сосудов. Стиль Хуана стал очень популярным, и его много копировали. Его призыв во многом способствовал созданию испанской школы религиозного искусства, известной своей гармоничностью, эффектностью и хорошо продуманным дизайном.(Энн Кей)

• Сад земных наслаждений (1490–1500) Хиэроним Босх: Сад земных наслаждений

  Сад земных наслаждений триптих, дерево, масло Хиэронима Босха, ок. 1490–1500; в Прадо, Мадрид.

  Museo del Prado, Madrid, Spain / Giraudon, Paris / SuperStock

  Хиэроним Босх остается одним из самых своеобразных художников своего времени; его работы полны фантастических зверей, сюрреалистических пейзажей и изображений зла человечества.Он родился в семье художников в голландском городке Хертогенбос, откуда берет свое имя, и провел там большую часть своей жизни. В 1481 году он женился на женщине на 25 лет старше его; это был благоприятный шаг со стороны художника, поскольку к моменту его смерти он был одним из самых богатых и уважаемых жителей Хертогенбоса. Признаком высокого социального положения художника было его членство в консервативной религиозной группе «Братство Богоматери», которая также отвечала за его ранние работы по заказу.Необыкновенный Сад земных наслаждений — это большой триптих, изображающий взгляд Босха на мир, с райским садом слева, адом справа и человеческим миром непостоянной любви, движущегося к разврату в центре. Перспектива и ландшафт левой и центральной панелей совпадают, что наводит на мысль о переходе к греху от одной к другой, в то время как правая панель ада структурирована отдельно и изобилует изображениями самых отвратительных действий человечества.Видение Босха было в высшей степени фантастическим с сильным моральным посланием, которое сделало его работы очень популярными в то время. Его стилю широко подражали, и его влияние на Питера Брейгеля Старшего было особенно очевидно. Образность его работ должна была оказать значительное влияние на развитие сюрреализма в 20 веке. (Тэмсин Пикерал)

• Чувство зрения (1617)

  Сотрудничество между художниками, даже такими выдающимися, как Питер Пауль Рубенс и Ян Брейгель Старший, не было редкостью во Фландрии 17 века.В этой картине Рубенс внес фигуры. Другой художник, Брейгель, был вторым сыном известного художника Питера Брейгеля Старшего. Специализируясь на пейзажах и натюрмортах, Брейгель был одним из самых успешных и знаменитых фламандских художников своего времени. Он был известен как «Бархатный Брейгель» за его тонкую и детальную визуализацию поверхностей. Эта картина входит в серию из пяти аллегорических работ, написанных Рубенсом и Брейгелем для испанских регентов Нидерландов эрцгерцога Альберта и эрцгерцогини Изабеллы, в которых каждое изображение посвящено одному из чувств.Эта картина, изображающая зрение, находится в воображаемой галерее, наполненной картинами и драгоценностями — астрономическими инструментами, коврами, портретными бюстами и фарфором. Большая фигура за столом — олицетворение взгляда, особенно актуального для коллекционеров. Картина Мадонна с младенцем, окруженная цветами в правом нижнем углу, — это настоящая работа Рубенса и Брейгеля. Двойной портрет за столом изображает двух покровителей. Картины (часто воображаемые) коллекции произведений искусства стали чрезвычайно популярными в Антверпене 17-го века.Эти картины, обычно заказываемые знатоком, составляли коллекцию и часто включали портрет владельца. (Эмили Э.С. Горденкер)

• Соревнование по стрельбе из лука (ок. 1645)

  Плодовитого фламандского художника Дэвида Тенирса Младшего обучал его отец, и в начале его карьеры на него оказали влияние Адриан Брауэр, Адам Эльсхаймер и Питер. Пауль Рубенс. Тенирс стал мастером гильдии художников Антверпена в 1632 году, а с 1645 по 1646 год он был деканом — впоследствии он стал придворным художником и хранителем картин эрцгерцога Леопольда Вильгельма, губернатора Нидерландов.Художник писал самые разные сюжеты, но наибольшую известность ему приносили именно жанровые сцены. Многие из них изображают домашние интерьеры с крестьянами, занятыми различными видами деятельности. Тем не менее, он также нарисовал ряд сцен на открытом воздухе, и именно они, в том числе The Archery Contest , демонстрируют его наиболее эффективную работу и демонстрируют его совершенное обращение со светом в пейзажной обстановке. Здесь он использовал широкие области плоского цвета, которые отражают золотую дымку, когда солнце проникает сквозь густой облачный покров.Картина вызывает ощущение внезапного затишья, ощущаемого либо до, либо после сильного дождя, и она богата атмосферой. Фигуры застывают в движении — лучник готов выпустить свой лук — и кажутся приостановленными в движении. Архитектурные особенности сцены образуют естественную «сцену», на которой происходит стрельба из лука, подчеркивая зрительский характер события. В свое время Тенирс был широко известен как художник, и он был одним из основателей Брюссельской академии изящных искусств в 1663 году и Академии изящных искусств в Антверпене.(Tamsin Pickeral)

Лучшие картины в музее Прадо в Мадриде

Музей Прадо

1. Goya’s

Название в музее Прадо: « El dos de mayo en Madrid ». 1814. Масло, холст, 268,5 х 347,5 см. Комната 64 в музее Прадо.

Франсиско Гойя вместе с Диего Веласкесом составляют краеугольный камень коллекции музея Прадо.За свою карьеру Гойя создал более 700 картин маслом, около 900 рисунков и около 300 офортов . В коллекции музея Прадо более 150 картин Гойи, написанных маслом. Действительно, известный австралийский искусствовед Роберт Хьюз называет Гойю «последним из старых мастеров и первым современным художником».

Франсиско Хосе де Гойя из Люсьентеса родился в небольшой испанской деревне Фуэндетодос в 1746 году и умер в Бордо в 1826 году. Одно из самых важных событий в жизни Гойи произошло в конце 1792 года, когда во время поездки на юг Испании он стал Серьезно болен.Никто точно не знает, какой болезнью он заболел (врачи и историки искусства с тех пор догадались о полиомиелите, гепатите, менингите и сифилисе), но он получил повреждение уха и потерял как равновесие, так и некоторое зрение. Он пролежал в постели более 2 месяцев. Когда он вернулся в Мадрид, к нему вернулось зрение и равновесие, но его слух так и не вернулся . Это событие коренным образом изменило искусство Гойи, но не сделало его художником хуже. Напротив, когда Гойя снова начал рисовать в 1795 году, он был лучше, чем когда-либо прежде.

Гойя работал при трех разных испанских королях и (в течение короткого периода) при Жозефе Бонапарте, брате Наполеона. У него были тесные отношения как с Карлом III, так и с Карлом IV, но напряженные отношения с деспотичным королем Фернандо VII.

Картина:

«Второе мая» (El 2 de mayo en Madrid ) — одно из самых известных и лучших произведений Гойи. На картине изображены драматические беспорядки в Мадриде 2 мая 1808 года после вторжения в страну войск Наполеона.

Работа Гойи была написана в 1814 году, то есть примерно через 6 лет после событий. Гойе удается создать одно из самых ярких свидетельств очевидцев в истории искусства. Неизвестно, испытал ли Гойя собственное восстание на улицах, но как художник он убеждает нас, что он был в самом разгаре борьбы.

Картина обрамлена архитектурным фоном — центральной площадью Пуэрта-дель-Соль в самом сердце Мадрида. Фон — единственное, что напоминает порядок искусства эпохи Возрождения — всего остального на картине изображает хаос и дисбаланс.

В центре картины мы видим большую белую лошадь, которая также является основным источником света на картине. Вокруг лошади войска турецкой армии во французской армии, мамлюки, ведут дикую битву против испанского населения. Мамлюк на лошади держит нож в руке, но его вот-вот застрелит мужчина, изображенный на правой стороне картины. Его глаза широко открыты с диким выражением лица. Человек в светло-зеленой куртке вот-вот воткнет меч в брюхо лошади, и глаза у него побелели.

Слева от лошади стоит человек с втянутыми губами и белыми глазами. Он убил мамлюка на коне, который направляется к земле. Тело мамлюка отражает меч на земле.

El dos de mayo en Madrid — это снимок, созданный до изобретения камеры. В картине нет ничего «славного», как в картинах войны эпохи Возрождения . Вместо этого, впервые в истории искусства, Гойе удается сделать войну похожей на войну, темную и ужасающую.

Обзор музея Прадо — Мадрид, Испания — Достопримечательности

Ретиро Музей / Галерея Выбор Фодора

Один из лучших музеев мира, Прадо для Мадрида то же самое, что Лувр для Парижа: знаковая достопримечательность города, которую стоит посетить каждому путешественнику, который посещает город.В 2019 году он отметил свое двухсотлетие.

В 1785 году король Карлос III заказал строительство Прадо как музея естествознания, ядра более крупного комплекса, включающего прилегающие ботанические сады и элегантный бульвар Пасео-дель-Прадо. Но когда здание было завершено в 1819 году, королевская семья решила превратить его в музей, демонстрирующий искусство, собранное испанской королевской семьей со времен Фердинанда и Изабеллы. В 2007 году музей вырос за счет нового здания и крыла, в которых были возрождены давно скрытые работы Сурбарана и Антонио де Переда, а количество выставленных картин из постоянной коллекции увеличилось более чем вдвое.

Драгоценности Прадо созданы тремя великими мастерами страны: Гойей, Веласкесом и Эль Греко, хотя в музее также хранятся шедевры фламандских, голландских, немецких, французских и итальянских художников … УЗНАТЬ БОЛЬШЕ

Один из лучших музеев мира, Прадо для Мадрида то же самое, что Лувр для Парижа: знаковая достопримечательность города, которую стоит посетить каждому путешественнику, который посещает город. В 2019 году он отметил свое двухсотлетие.

В 1785 году король Карлос III заказал строительство Прадо как музея естествознания, ядра более крупного комплекса, включающего прилегающие ботанические сады и элегантный бульвар Пасео-дель-Прадо.Но когда здание было завершено в 1819 году, королевская семья решила превратить его в музей, демонстрирующий искусство, собранное испанской королевской семьей со времен Фердинанда и Изабеллы. В 2007 году музей вырос за счет нового здания и крыла, в которых были возрождены давно скрытые работы Сурбарана и Антонио де Переда, а количество выставленных картин из постоянной коллекции увеличилось более чем вдвое.

Драгоценности Прадо принадлежат трем великим мастерам страны: Гойе, Веласкесу и Эль Греко, хотя в музее также хранятся шедевры фламандских, голландских, немецких, французских и итальянских художников, собранные во времена, когда их земли были частью Испанской империи. .Музей получил большую выгоду от антиклерикальных законов 1836 года, которые вынудили монастыри, монастыри и церкви отказаться от многих своих произведений искусства для публичного показа.

Войдите в Прадо через вход Гойя, ступеньками напротив отеля Ritz. Планировка варьируется (возьмите план этажа), но первые залы слева от входа в Гойю (комнаты 7A – 11 на втором этаже) обычно посвящены фламандским художникам 17-го века, включая Питера Пауля Рубенса (1577–1640 гг.) ), Якоба Йорданса (1593–1678) и Энтони ван Дейка (1599–1641).

Зал 12 знакомит вас с кропотливой работой Веласкеса (1599–1660) в его многочисленных портретах королей и королев. Ищите Las Hilanderas ( The Spinners ), свидетельство таланта художника к рисованию светом. Самый известный холст Прадо, Las Meninas Веласкеса ( The Maids of Honor ), сочетает автопортрет художника за работой с зеркальным отражением короля и королевы в революционной игре пространства и перспектив.Пикассо был одержим этой работой и написал несколько ее копий, которые сейчас выставлены в музее Пикассо в Барселоне, в своем собственном абстрактном стиле.

Южные концы второго и верхнего этажей ( primera planta и segunda planta ) зарезервированы для Гойи (1746–1828), чьи работы варьируются от буколических до ужасающих по тону. Среди его ранних шедевров — портреты семьи короля Карлоса IV, для которого он был придворным художником. Один взгляд на их нелестные и глупые выражения лиц, особенно на картине « Семья Карлоса IV, », показывает ненависть Гойи к этим своенравным реакционным правителям.Его знаменитые расположенные бок о бок холсты, The Clothed Maja и The Nude Maja, , могут изображать молодую герцогиню Альба, которую Гойя обожал и часто писал. Никто не знает, отвечала ли она ему когда-нибудь. В соседних комнатах представлена ​​серия идиллических сцен с игрой испанцев, нарисованных как рисунки для гобеленов.

Картины Гойи приобрели политический характер примерно в 1808 году, когда Мадрид восстал против французских войск. 2 мая изображает восстание на площади Пуэрта-дель-Соль, а его еще более устрашающий компаньон 3 мая изображает ночные казни патриотов, восставших накануне.Яркий свет в этой работе олицетворяет романтический стиль, который предпочитает драму деталям и делает ее одним из самых сильных обвинений в насилии, когда-либо сделанных на холсте. «Черные картины» Гойи — это мрачные, тревожные работы, завершенные в конце его жизни, которые отражают его внутреннее смятение после потери слуха и его озлобленность из-за кровавой Войны за независимость. Это копии огромных галлюцинаторных картин, которые Гойя нарисовал чудесными свободными мазками на стенах своего дома (известного как La Quinta del Sordo: «Вилла глухих»), расположенного у реки Мансанарес.Не пропустите ужасающий Сатурн, пожирающий одного из своих сыновей (который Гойя выставил в своей столовой!), Картину, которая передает разрушительное воздействие возраста и времени.

Первый этаж Прадо ( planta baja ) заполнен фламандскими картинами 15 и 16 веков, в том числе причудливым шедевром протосюрреализма Сад земных наслаждений Иеронима Босха (около 1450–1516). В залах 60A, 61A и 62A созерцайте страстно духовные работы Эль Греко (Doménikos Theotokópoulos, 1541–1614), художника греческого происхождения, который жил и работал в Толедо, известного своими мистическими удлиненными формами и лицами. это шокировало публику, привыкшую к строго репрезентативным изображениям.Здесь представлены две из его величайших картин, Воскресение, и Поклонение пастырей, . Перед отъездом остановитесь в итальянских залах 14-16 веков, чтобы увидеть портрет императора Карла V Тициана и портрет кардинала Рафаэля.

Покупайте билеты заранее онлайн; Чтобы сэкономить несколько долларов на аудиогиде, загрузите приложение «Путеводитель по музею Прадо» перед посещением.

Музей Прадо | Посетите Художественный музей Прадо в Мадриде

Музей Прадо в Мадриде — один из величайших художественных музеев мира с постоянной коллекцией, состоящей из более чем 5000 рисунков, 2000 гравюр и почти 2000 произведений искусства.Хотя он в основном известен своей коллекцией картин, здесь также присутствует огромное количество других произведений искусства, включая более 700 скульптур и более 1000 монет и медалей. Независимо от того, чем вы увлекаетесь искусством, вы не будете разочарованы, когда посетите Прадо.

Музей Прадо имеет заслуженную репутацию краеугольного камня в истории мирового искусства. Когда она открыла свои ворота в 1819 году, это была одна из первых в мире публичных художественных галерей. Первоначально Прадо задумывался как музей естествознания, но по мере роста размеров и разнообразия его коллекции вскоре стал признан на мировой арт-сцене.

Здание музея Прадо

Даже само здание обладает очарованием, которое очарует любого любителя истории. Некоторое время это здание использовалось как штаб кавалерии, когда наполеоновские войска базировались в Мадриде во время Войны за независимость. Это был не конец волнений, связанных с этим историческим зданием или его драгоценным хранилищем искусства. Во время гражданской войны в Испании коллекция музея несколько раз передавалась. Многие картины и другие бесценные артефакты были перевезены в Валенсию, затем в Жирону и, наконец, в Женеву в Швейцарии.Коллекция была возвращена в Мадрид и музей Прадо во время Второй мировой войны, где и находится с тех пор.

Прадо Мадрид разделен на два здания: здание Вильянуэва, которое является более старым из них; и Casón del Buen Retiro. В обоих зданиях есть на что посмотреть, поэтому рекомендуется заранее спланировать, что вы хотите увидеть.

Спланируйте посещение музея Прадо заранее…

В здании Вильянеува, названном в честь архитектора Хуана де Вильянеува, на первом этаже находится часть обширной итальянской коллекции музея Прадо.Не забудьте насладиться тишиной и покоем этого зала, глядя на такие работы, как «Благовещение» Фра Анджелико и «Святое семейство с Агнцем» Рафаэля. На первом этаже здания Villaneuva также находятся скульптуры музея Прадо. Особо следует отметить греческую бронзу и римскую резьбу.

Картины из коллекции музея Прадо разделены на коллекции в зависимости от страны происхождения и эпохи. В то время как другие коллекции превосходны с точки зрения разнообразия и известности, Прадо действительно сияет своей коллекцией испанских школ живописи, датируемой 1100-1850 годами.Художники, представленные в этой коллекции, включают Эль Греко, Луис Де Моралес, Мурильо и многие другие.

Некоторые известные работы, которые вы можете увидеть в музее Прадо, включают «Автопортрет» Альбрехта Дюрера и «Три грации» Питера Пауля Рубена, которые представляют немецкую и фламандскую школы соответственно. «Венера с органистом и собакой» Тициана — важные образцы искусства раннего Возрождения.

Лучшие советы для посещения музея Прадо

• Если вы планируете посетить галереи Тиссена-Борнемисы и Королевы Софии, а также Прадо, тогда купите комбинированный билет на троих.Вы можете получить их у входа в каждую галерею.
• У входа есть планы этажей огромного музея Прадо. Перед входом стоит спланировать маршрут по музею.
• Есть два входа: если вы хотите увидеть экспонаты в хронологическом порядке, воспользуйтесь входом на Пуэрта-де-Гойя на c / Felipe IV. Другой вход находится на площади Пуэрта-де-Мурильо на площади Пласа-де-Мурильо.
• В музее Прадо есть ресторан и кафе, поэтому, если вы собираетесь провести день, вам не нужно выходить из здания.

Коллекция Диего Веласкеса

Одно из мест в музее Прадо, которое нельзя пропустить, — это собрание работ известного художника Веласкеса. У Диего Веласкеса, придворного художника короля Испании, есть целая комната, посвященная некоторым из его самых важных работ. Непосредственно возле главной галереи вы можете найти некоторые из его самых впечатляющих работ, такие как «Пьющие», «Портреты шута» и «Сдача Бреды». Его единственная самая важная работа — «Менины», на которой изображен сам Веласкес, пока он пишет Инфанту Маргариту и двух ее фрейлин.

Коллекция Франсиско Гойи

Франсиско Гойя также широко представлен в галереях Прадо, и вы можете найти его работы в главной галерее в зале 32. У этого художника восемнадцатого века было три различных периода искусства: период его придворного художника, его политический период и его темный период, и все три широко представлены в этой галерее. Обязательно найдите его знаменитые «Maja Desnuda» и «Maja Vestida» (одетые и обнаженные красавицы), а также его шедевры «Dos de Mayo» и «Tres de Mayo», изображающие репрессии против наполеоновских войск в Мадриде в 1808 году.

Во время гастролей нужно помнить, что Prado постоянно ремонтируется, и детали, которые вы ищете, могут не всегда быть такими, как вы ожидаете. Не бойтесь задержать сотрудников музея и спросить дорогу!

Время работы

С понедельника по субботу: 10.00 — 20.00
Воскресенье и праздничные дни: 10.00 — 19.00
Музей закрыт: 1 января, 1 мая и 25 декабря.
Сокращенные часы работы (10.00 — 14.00): 6 января, 24 и 31 декабря.
Галереи очищаются за 10 минут до закрытия
Официальный веб-сайт: Музей Прадо
Телефон: +34

Частные туры в музей Прадо

Частный тур по Прадо — идеальный способ познакомиться с увлекательной эволюцией искусства на протяжении нескольких столетий. Некоторые из самых знаменитых экспонатов Прадо — это работы Гойи, Веласкеса и Эль Греко, но вы также найдете здесь великие работы Рубенса и Тициана.

Увидеть все основные работы Прадо за один визит невозможно, поэтому стоит подумать, какая область его искусства вам больше всего интересна. Вы можете сконцентрироваться на экскурсии по работам Гойи и Веласкеса или расширить его, включив в него работы других великих испанских художников, таких как Рибера и Мурильо.

Вы также можете совершить экскурсию по эволюции искусства через фламандские картины 15 века, работы Венецианской школы 16 века, период испанского барокко 17 века и эпоху Гойи 18 века.Здесь вы откроете для себя основные работы Босха, Тициана, Эль Греко, Караваджо, а также великих испанцев.

Музея Прадо развешивают свои шедевры на улицах Мадрида!

В связи с продолжающейся пандемией и серьезными ограничениями по всему миру, когда дело доходит до музейных коллекций, часто задаваемый вопрос: как дать людям возможность физически наслаждаться произведениями искусства, не находясь в помещении. Ответ прост — представьте их в публичном месте! Такой проект сложен и требует времени, но он не невозможен.Различные города разработали его до пандемии , чтобы заинтересовать своих жителей искусством и представить шедевры широкой публике .

Чтобы отпраздновать 18 мая, день Международного музея, и представить лучшие экспонаты из своей коллекции, Национальный музей Прадо решил организовать выставку в общественном месте под названием За углом , на которой представлены двадцать удивительных копий которые сейчас висят в неожиданных местах города.

Шедевры для масс

Музей Прадо удивляет прохожих, соблазняет их потрясающими произведениями искусства и стимулирует их посещение музеев. Неприхотливое название указывает на желание учреждения открыть больше для местного сообщества и дать возможность новой форме диалога, чтобы поделиться богатством, разнообразием и историями постоянной коллекции.

Большинство шедевров установлено в центре Мадрида, например, Карл V в битве при Мюльберге, Тициана и Копья или Сдача Бреды, , Веласкес или Веронес, Венера и Адонис , который расположен в Мадридский аэропорт.

Городская галерея для изучения

В течение трех недель Мадрид будет действовать как грандиозная городская галерея , которую посетители смогут исследовать в поисках двадцати воспроизведений известных картин в натуральную величину.

Все они сделаны в формате оригинала, в рамке и сопровождаются пояснительным плакатом с QR-кодом , который ведет на веб-страницу, специально разработанную для этого случая музеем, с дополнительной информацией и возможностью покупки билет через любое мобильное устройство.

Музей Прадо с гордостью представляет

Реализация проекта стала возможной благодаря мэрии Мадрида, Iberia и Telefónica, и он популяризируется с помощью хэштега #VuelvealPrado (#ReturnToPrado), чтобы люди могли поделиться опытом неожиданной встречи с этими произведениями в своих социальных сетях.

Организатор Prado, За углом будет присутствовать на улицах Мадрида до 6 июня 2021 года .

Featured image: Mercamadrid Av. Мадрид, S / N Натюрморт с рыбой, свечой, артишоками, крабами и креветками. Клара Петерс. Все изображения любезно предоставлены музеем Прадо.

Музей Прадо, Мадрид

Коллекция

Первоначально музейный штраф Коллекция произведений искусства состояла из произведений религиозного Возрождения и произведений искусства из Испании. картин в стиле барокко, собранных королями Габсбургов и Бурбонов. Испания, включая Карла V (правил 1516-56), Филиппа II (1556-98), Филиппа IV (1621-65) и Филипп V (1700-46).Сюда входит импорт из Испании. колония Неаполя, пример неаполитанской Живопись в стиле барокко (1650-99). В 19 веке эти коллекции были объединены в Прадо, хотя в последнее время рассредоточены по космическим причинам.

Произведения искусства

В музее Прадо выставлено более 1400 картин, а его постоянная коллекция также содержит более 5000 рисунков, 2000 гравюр, 700 скульптур из камня и бронзы, в том числе выдающийся ассортимент греческих и римских скульптур, 2000 предметов декора, 1000 монет и медали, и почти 2000 предметов декора.

Испанская живопись

Коллекция включает множество шедевров. работы испанских художников, в том числе:

Диего Веласкес (1599-1660)
Праздник Вакха (1629)
Кузница Вулкана (1630)
Христос Распятый (1632)
Сдача of Breda (1635)
Francisco Lezcano (1638)
The Thread Spinners (1644)
Las Meninas (1656)

Гойя (1746-1828)
Христос на кресте (1780)
Бафф для слепых (1789)
Maja Vestida (Clothed Maja) (ок.1800)
Maja Desnuda (Nude Maja) (c.1800)
Карл IV и его семья (1800)
Колосс (1808-12)
Третье мая, 1808 (1814)
Сатурн Пожирающий своего сына (1821)

Эл Греко (Доменик Феотокопулос) (1541-1614)
Святая Троица (1577–1579)
Рыцарь с рукой на груди (1580)
Воскресение (1600)

Бартоломе Эстебан Мурильо (1617-1682)
Дева Розария (1649)
Непорочное зачатие (1670)

Джузепе Рибера
Мученичество святого Батоломея (1630)

Примечание: Рибера, величайший последователь Караваджо, был одним из ключевых основателей неаполитанской школы во время первых половина 17 века.Чтобы узнать больше о его искусстве и об искусстве Караваджо и другие, многие из которых оказались в Прадо, см .: Живопись в Неаполе (1600-1700) и подробнее см .: Неаполитанский Школа живописи (ок. 1600-56).

Сурбаран (1598-1664)
Натюрморт (1633)
Agnus Dei (1640)

Пабло Черно-белый шедевр Пикассо, Герника (1937 г.), был размещен в Прадо после его возвращения в Испанию, но в 1992 г. был перемещен в соседний музей королевы Софии.

Смотрите также нашу статью: Как Ценить картины.

Возрождение

Прадо содержит одни из величайших Картины эпохи Возрождения, в том числе многочисленные работы испанцев. Художники эпохи Возрождения и другие эпохи Раннего Возрождения, Высокое Возрождение и Северное Возрождение, такие как: Андреа Мантенья, Артемизия Джентилески, Сандро Боттичелли, Веронезе, Антонелло да Мессина, Рафаэль, в том числе masterpices, такие как:

Благовещение (1430-1432) по Фра Анджелико.
Осаждение (1435) Роджера ван дер Вейдена.
Автопортрет (1480) Альбрехта Дюрера
Сад земных наслаждений (1504) Иеронима Bosch.
Триптих сена (1516) Иеронима Босха.
Вакханалия Андрианов (1523-5) Тициан
Карл V в Мюльберге (1548) Тициан

Барокко — Рококо — Неоклассицизм

Собрание музея барокко, рококо. и неоклассическая живопись включает работы Питера Пауля Рубенса, Рембрандта, Николя Пуссен, Клод Гелле и многие другие. Томас Гейнсборо.