Направление в живописи пикассо: направления живописи, цены, рекорды продаж картин — «Лермонтов»

II. Повторение пройденного материала

Преподаватель: Сегодня мы с вами продолжим знакомство с искусством стран Западной Европы XX века. Для повторения пройденного материала и его переосмысления вам предлагается ответить на вопросы следующей презентации (Презентация №1). Определите направление (стиль), в котором выполнены работы художников. Аргументируйте, на основании чего вы сделали свой вывод.

Учащиеся: (называют стилевые направления в живописи и что для них характерно).

Преподаватель: Сегодня мы с вами познакомимся с творчеством классика современного искусства Пабло Пикассо, постараемся подобрать ключи к пониманию современной живописи.

XX столетие принесло не только невиданные ранее технические возможности, но и заставило художников отказаться от привычного взгляда на мир. «Реалистическая» линия живописи отошла на второй план. Изменилась роль художника, он осознал себя творцом. Появилась новая живопись, живопись авангарда (франц. avant-garde – «передний край», «передовой отряд»). И даже спустя столетие живопись авангарда называют «современным искусством», считают трудной для понимания массового зрителя.

История искусства знает не так уж много мастеров, которые ещё при жизни были признаны классиками. Презентация № 2. (Слайд 1). В XX веке это Пабло Пикассо (Слайд 2). Его можно по праву назвать одним из самых удивительных и неподражаемых художников. Он всегда был разным, часто – шокирующим. Знаменитые картины Пикассо – это необыкновенный тандем традиционной живописи и оригинального искусства.

Перед вами три портрета художника Пабло Пикассо. Все они выполнены в разном стиле. (Слайд 3). Мастер блестящей живописной выучки, мог создавать реалистические, привычные глазу полотна, но он всю жизнь искал, экспериментировал, стремился создавать нечто новое. Почему Пикассо отказался от видимых образов?

Существуют три основные причины отказа от изображения видимого мира. Так, изобретение фотографии в середине XIX веке сделало неинтересным реалистическое изображение окружающего мира. Научные открытия, такие, например, как расщепление атома, теория относительности, способность света быть и волной и потоком частиц и другие изменили представления о мироздании, видимое перестало казаться достоверным. В начале XX века Европа оказалась в состоянии жесточайшего политического, экономического, военного и идеологического кризиса. Социальные потрясения свидетельствовали о том, что мир ужасен. Значит, воспроизводить на холсте действительность в натуральном виде неприемлемо.

В поисках нового художникам было на что опереться. В прошлом учебном году мы с вами познакомились с искусством XIX века, с такими направлениями в живописи, как импрессионизм и постимпрессионизм.

Началом авангардной живописи искусствоведы считают постимпрессионизм. Вспомните, что характерно для постимпрессионизма?

Учащиеся: Художники-постимпрессионисты не придерживались только зрительных впечатлений, а стремились свободно и обобщенно передавать материальность мира, прибегали к декоративной стилизации, стремились к изображению личных переживаний.

Преподаватель: Так постимпрессионист Поль Сезанн не копировал природу, а создавал ее живописный эквивалент на холсте, стремясь к изображению того, что внутри. Знаменитое высказывание Сезанна «трактуйте природу посредством цилиндра, шара, конуса» послужило теоретической основой для первого истинно авангардного направления в живописи ХХ века – кубизма. Основоположником этого направления в искусстве считают Пабло Пикассо.

Пикассо родился в г. Малаге на юге Испании. Первые уроки живописи он получил от отца, учителя рисования и мастера декоративных росписей. Пабло рано проявил талант к рисованию. Уже с 7 лет отец поручал ему дописывать лапки голубей на своих картинах. Но однажды, доверив тринадцатилетнему Пабло дописать довольно большой натюрморт, он был настолько поражен техникой сына, что, по легенде, сам бросил заниматься живописью.

Пикассо был необыкновенно одаренным ребенком и уже в возрасте 14 лет поступил в Школу изящных искусств в Барселоне, выполнив за один день экзаменационную работу, на которую давался месяц. Он поразил комиссию своим мастерством и был принят, несмотря на свой юный возраст. Учился в Королевской академии искусств Сан-Фернандо в Мадриде, на тот момент самой передовой Школе искусств во всей Испании.

Посмотрите на ранние работы Пикассо, выполненные им в Барселонской художественной школе и Академии Сан-Фернандо. Они выглядят, как произведения мастера, полностью владеющего техникой рисунка (Слайд 4).

Подлинной школой для Пикассо стала художественная жизнь Парижа, куда он впервые попал в 1900 году. В это время, на рубеже веков, именно в Париже рождалось новое искусство. Пикассо давно сгорал от нетерпения своими глазами увидеть полотна французских мастеров, с которыми он был знаком по репродукциям. С начала 1900-х годов в творчестве Пикассо принято выделять несколько периодов, которым по огромному стилевому разнообразию и различию формального строя вряд ли можно найти параллели у других художников.

Период с 1901 по 1904 гг. критики позже назовут «голубым периодом» творчества Пикассо, так как работы художника написаны в холодной сине-зеленой гамме. Мотивы его произведений того времени: одиночество, обездоленность. Главное средство выразительности в работах Пикассо «голубого периода» – линия. Монохромность картин лишь подчеркивает напряженную силу замкнутого контура (Слайд 5).

1905 – 1906 гг. в творчестве Пикассо именуют «розовым периодом», который характеризуется более жизнерадостными тонами – охристыми и розовыми, а также устойчивыми темами изображений – арлекинами, бродячими актерами, акробатами. Образы, населяющие его полотна, выглядят теперь лиричнее, общая грустная тональность картин смягчилась. Знаменитую «Девочку на шаре» относят к переходным картинам между «голубым» и «розовым» периодами. Художник играет на контрасте и балансе форм или линий, тяжести и легкости, устойчивости-неустойчивости (Слайд 6).

Как и некоторые другие художники его поколения, Пикассо пленился африканской скульптурой. Она давала пример свободного обращения с формой: так, голова статуи могла быть больше тела, и при этом фигура выглядела очень выразительно. В 1907 году на Осеннем салоне в Париже была организована посмертная ретроспективная выставка работ Поля Сезанна, которая произвела на Пикассо огромное впечатление: он внезапно увидел новый ход в создании пространственной перспективы. Под влиянием творчества Сезанна Пикассо стремится придать формам больше простоты и значительности. Отсюда начался путь Пикассо от изображения конкретных людей к изображению человека как такового и к форме как к самостоятельной структуре (Слайд 7).

В 1907 году появилась знаменитая картина Пикассо «Авиньонские девицы» – первая работа, выполненная в новом стиле. Над ней художник работал больше года – долго и тщательно, как не работал до этого над другими своими картинами. Первая реакция публики – шок. Эта картина является одним из самых революционных произведений начала XX века. На первый взгляд, это всего лишь вариация традиционного сюжета — купальщицы на фоне пейзажа. Однако нарочитые смещения форм создают эффект автономного пространства (Слайд 8). Скандальная картина была первым шагом живописи на пути к кубизму, а многие искусствоведы считают ее отправной точкой современного искусства.

Давайте заслушаем сообщение, подготовленное вашим одноклассником.

Ученик: (сообщение). Кубизм — направление в искусстве, основанное в первой четверти XX века в живописи, представители которого изображают предметный мир в виде комбинаций правильных геометрических объёмов: куба, кубошара, кубоцилиндра, кубоконуса. Для того чтобы полнее выразить идеи вещей, художники используют традиционную перспективу как оптическую иллюзию и стремятся дать изображение посредством разложения формы и совмещения нескольких её видов в рамках одной картины. Повышенный интерес к форме ведёт к разграничению в использовании цветов. Тёплые цвета для выступающих элементов сюжетного мотива, холодные цвета для удалённых или отдалённых элементов картины.

Преподаватель: Если живопись импрессионистов провозгласила условный характер цвета, то кубисты выразили новый подход к реальности через условный характер пространства.

По словам Пикассо: «Когда мы обнаружили кубизм, у нас не было цели изобретения кубизма. Мы только хотели выразить то, что было в нас».

Несмотря на критику, Пикассо продолжал дробить предметы и фигуры на составные части, упрощать их до строгих геометрических форм. Художественная практика кубистов: отказ от перспективы, сокращение фигур в ракурсах, показ их одновременно с нескольких сторон, тяготение к обратной перспективе (Слайды 9,10,11).

В «кубическом» периоде Пикассо (1909 – 1917) выделяют несколько этапов (Слайд 12). Первый этап кубизма называется «сезанновский». Он характеризуется тонами, какие мы могли наблюдать у Поля Сезанна – охристыми, зеленоватыми, коричневыми, но более размытыми. Изображение строится из простых геометрических форм (Слайд 13). Во многих натюрмортах 1909 года видны игры с точкой зрения на предметы: например, в полотне «Хлеб и ваза с фруктами на столе» на вазу и фрукты взгляд направлен сверху, а на перевернутую чашку – сбоку и чуть снизу, ведь мы не видим ее дна.

Второй этап – «аналитический» (граненый) кубизм: предмет дробится на мелкие части, которые чётко отделяются друг от друга, предметная форма как бы расплывается на холсте. Контрасты цвета и фактуры сводятся до минимума, чтобы они не мешали выявлению конструкции (Слайд 14). Цвет в произведениях этого периода лишь подчеркивает объемы и позволяет выявлять пластическую суть объекта изображения. О разложении формы цельного предмета на мелкие разнородные детали Пабло Пикассо говорил так: «Зритель видит картину только по частям; всегда лишь фрагмент за раз: например, голову, но не тело, если это портрет; или глаз, но не нос или рот. Следовательно, все всегда правильно». 
Третий этап – «синтетический» (коллажный) кубизм. Работы Пикассо принимают декоративный и контрастный характер. Картины изображают по большей части натюрморты с различными предметами: музыкальными инструментами, нотами, бутылками вина, курительными трубками, столовыми приборами, афишами. Опасаясь превращения кубизма в чисто абстрактные эстетические упражнения, Пикассо использовал в своих работах реальные предметы: обои, песок, веревки и др. (Слайд 15).

К 1917 году относится первый опыт работы Пикассо в качестве театрального художника. Он создал эскизы костюмов и декораций к постановке балета «Парад» для «Русских сезонов» Сергея Дягилева (Слайд 16).

Период творчества Пикассо в 1918-1925 гг. критики назвали неоклассицизмом. В эти годы его полотна очень далеки от кубизма; на них: ясные и понятные формы, светлые тона, правильные лица (Слайд 17). Самая выразительная картина этих лет – «Портрет Ольги в кресле». Пикассо активно критиковали за смену стиля, как прежде критиковали за кубизм. На эти обвинения он ответил в одном из интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по моему ощущению это должно быть сказано».

В течение следующих десяти лет Пикассо отходит от кубизма, создав свой неповторимый стиль, в котором перемешиваются все возможные и невозможные приемы живописи.

В 1925 году он написал картину «Танец» (Слайд 18). Агрессивная, болезненная, с деформированными фигурами, она отражает тяжелый период в жизни художника и одновременно провозглашает новый перелом в его творчестве. Пикассо близок к сюрреалистам, но у него всегда свой путь. Никогда художник не чувствовал себя замкнутым в рамках какого– либо одного течения. Художественная манера, методы и приемы менялись вне видимой логики и часто сосуществовали одновременно. Давайте заслушаем еще одно сообщение, подготовленное вашим одноклассником.

Ученик: (сообщение). Сюрреализм – (от французского «сверхреальность), направление в искусстве, сформировавшееся к началу 1920-х годов во Франции, скоро стал международным направлением. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм. Сюрреализм провозгласил источником искусства сферу подсознания (инстинкты, сновидения, галлюцинации), а его методом – разрыв логических связей, замененных субъективными ассоциациями. Отличительной особенностью многих полотен стали реальные, подчас доходящие до натурализма изображения персонажей и их окружения, но в фантастических, бредовых сочетаниях. Сюрреалисты при помощи живописи делали видимыми свои мысли, заставляли зрителя задуматься. Из-за этого картины сюрреалистов часто напоминают ребусы, которые полностью разгадать невозможно.

Преподаватель: Например, работы Пикассо сюрреалистического периода: «Фигуры на пляже», «Женщина с цветком» и другие. В творчестве мастера сохраняется тенденция к одновременным поискам в разных направлениях (Слайд 19).

Со второй половины 30-х годов творчество Пабло Пикассо всё сильнее пронизывают отзвуки современных событий: «Плачущая женщина», «Кот и птица» (Слайд 20).

В 1936—1939 годах Пикассо становится видным деятелем Народного фронта во Франции, активно участвует в борьбе испанского народа с фашизмом. Гневным протестом против фашистского террора является монументальное панно «Герника» (Слайд 21).

Ученик: (сообщение). Картина Пабло Пикассо «Герника» огромная (почти 8 метров в длину и 3,5 в высоту), монохромная. Она была впервые выставлена в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Герника – это маленький городок басков на севере Испании, практически стертый с лица земли немецкой авиацией 1 мая 1937 года. Полотно пронизано насилием, оно источает ужас и боль. В центре композиции, наподобие фриза, среди кубистических и сюрреалистических элементов показаны павший воин, подбегающая к нему женщина и раненая лошадь. Основной теме сопутствуют изображения плачущей женщины с мертвым ребенком и быком за ее спиной и женской фигуры в пламени с воздетыми вверх руками. В темноту маленькой площади, над которой висит фонарь, протягивается длинная рука со светильником — символом надежды. При символичности и иносказательности картина разрушения выглядит потрясающе достоверно. Картина стала предупреждением человечеству о грядущей войне, об ужасах фашизма, она вызвала эмоциональный взрыв в обществе. Это панно Пикассо не потеряло своей значительности и в наше время. Оно звучит как предупреждение.

Преподаватель: В работах художника послевоенного времени преобладают антивоенные сюжеты (Слайд 22). В 1949 году мастер рисует своего знаменитого «Голубя мира» на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже. Белый голубь, нарисованный  Пикассо в 1949 году неоднократно им воспроизводился в различных вариациях. Он стал самым узнаваемым символом мира, обошедшим всю планету (Слайд 23).

Со второй половины 40-х годов творчество Пабло Пикассо становится наиболее разнообразным. Помимо станковых живописных произведений, он работает и как скульптор, и как керамист, и как график (Слайд 24).

В поздний период творчество мастера оставалось обширным и многогранным. Он импровизирует в классической манере, а также пишет пейзажи, интерьеры, портреты с фантастическими событиями. Чувством неудовлетворения собственным творчеством отмечена серия интерпретаций и вариаций на темы знаменитых картин. Так, в картине «Менины. По Веласкесу» Пикассо перешел на язык «пластических символов». (Слайд 25).

Творчество Пикассо кардинальным образом повлияло на ход развития искусства и культуры всего XX века (Слайд 26). Его можно по праву назвать одним из самых удивительных и неподражаемых художников. Пабло Пикассо умело сочетал на холсте такие необыкновенные материалы как металл, камень, гипс, уголь, карандаш или масляные краски. Он – изобретатель новых форм живописи, новатор стилей и методов, и один из наиболее ярких художников в истории искусства. Он создал более чем 20 тысяч работ. История не знала художника, творчество которого вызывало бы столько споров. Он трансформировал искусство так, как никто другой в этом веке. Пабло Пикассо стал самым знаменитым художником ХХ века.

Преподаватель: В XX веке эксперимент, новизна в искусстве авангарда стали цениться сами по себе. Главное достижение живописи авангарда в том, что она заставляет не смотреть на то, что изображено на картине, а интересоваться тем, о чем эта картина (то есть какую идею она выражает) и как она сделана (то есть каковы чисто живописные средства и особенности). У живописи авангарда новые, непривычные для вас, ключи к ее пониманию, которые можно представить в виде такой схемы:

доверие → название → ассоциации → контекст → детали → вчувствование

Важная задача зрителя − доверять художнику. Что бы ни было представлено взору зрителя, у настоящего художника за этим скрыто некое послание миру, художественное высказывание. И чтобы до него добраться, нужно верить в его существование.

Очень часто первым шагом на пути к разгадке художественной тайны служит «расшифровка» названия. Название может служить ключом к пониманию, даже когда оно вроде бы ничего и не значит.

Далее, подумайте, какие ассоциации у вас возникают, глядя на картину?

Художникам авангарда просто необходимо было ввести своих зрителей в контекст, который сами же художники и задавали. Без подобных комментариев само это искусство может остаться непонятым или, напротив, слишком однозначным.

Детали тоже дают нам ключи к пониманию, ведь у настоящего художника нет ничего случайного.

Также нужно не только знать, но и чувствовать. Попытка «почувствовать» картину совершенно необходима, а всё предыдущее осмысление направляет поток чувств и эмоций.

Авангардный художник ведет со зрителем диалог, и каждый зритель имеет право на собственное понимание и интерпретацию.

Сейчас я предлагаю вам провести анализ картины Пабло Пикассо «Плачущая женщина» с помощью ключей к пониманию живописи авангарда.

Вы должны в письменной форме показать свое умение излагать мысли о творчестве художника, продемонстрировать навыки по восприятию произведения живописи авангарда, выразить к нему свое отношение.

Каждый из вас должен высказать и обосновать свою точку зрения. Показать логику и последовательность мышления, выявить средства выразительности, которыми пользуется художник, сделать выводы и обобщения.

(Пример письменной работы учащегося)

Учащиеся: Я постараюсь доверять самому знаменитому художнику прошлого века. Из названия ясно, что на картине изображена плачущая женщина. Она молода и одета по моде. На ней – яркая шляпа с брошью. В ухе сережка, похожая на муху. Мы видим у нее слезы, в глазах – страх, отчаяние, горе. Лицо женщины деформировано и искажено гримасой, показано одновременно с нескольких сторон, в фас и профиль. Ее образ очень выразительный. Пикассо выполнил деформацию внешнего вида женщины, чтобы продемонстрировать нам ее внутреннее отчаяние. Глаза женщины превратились в слезы, она кусает платок, ее брови опущены, на лбу пролегла глубокая складка. Художник детально прописал зубы (зачем, не знаю, но выглядит не очень привлекательно). Руки женщины похожи на лапы животного. Волосы разного цвета. Все изображение раздробленное, близкое по стилю к кубизму. Вероятно, для большей выразительности художник использует чистые, яркие, сочные краски, которые усиливают ощущения горя. Контрастные цвета на картине усиливают друг друга, образуя сильнейшее эмоциональное сочетание. Оно, конечно, воздействует на зрителя и запоминается. Я считаю, что слишком яркие краски придают картине некую декоративность, что логически не соответствует названию картины. По всей видимости, Пикассо раздражали женские слезы, я не увидела сочувствия художника к его модели, и ее слезам. Мне трудно оценить мастерство художника в данной работе, так как мне нравятся картины, выполненные в классическом стиле. Но я помню высказывание Пикассо: «Я могу рисовать как Рафаэль, но мне понадобилась вся жизнь, чтобы научиться рисовать так, как рисует ребенок».

Преподаватель: Благодарю всех учащихся за творческий поиск, за работу на уроке. Важно, чтобы вы все научились формулировать свое отношение к произведениям искусства, учились понимать и анализировать живопись авангарда.

Выберите понравившееся вам произведение живописи авангарда (работу Пикассо или другого художника), проведите анализ, используя новые ключи к пониманию. Результаты анализа запишите в тетрадь. На следующем уроке с результатами домашней работы вы должны познакомить своих одноклассников.

Великий и ужасный Пабло Пикассо. Часть I

Знание и милосердие, 1897

Салон Прадо, 1897

Еще с ранних лет Пикассо начал подавать надежды, как будущий великий художник, в чем его неустанно поддерживала мать, а отец, как преподаватель живописи, помогал осваивать азы мастерства.

Пабло с сестрой Лолой, 1889

На протяжении всего обучения Пикассо его сестра была постоянной моделью для картин. Он написал множество ее портретов.

Сестра художника Лола, 1900

Желтый пикадор

Эта картина считается одной из первых картин Пикассо, которую мальчик написал под впечатлением от боя быков. Коррида всю жизнь оставалась его страстью.

Коррида, 1901

Коррида, или смерть матадора, 1933

Кстати, настоящее имя художника — Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Клито Руис и Пикассо, но поскольку Руис одна из самых распространенных фамилий в Испании, Пабло оставил фамилию по матери Пикассо. Если прислушаться к звукам, то на ум приходят ассоциации с пикадором (от picar — колоть) и корридой, и вы будете правы!

А ведь это участник корриды на лошади, вооруженный специальной пикой, которой наносит удары в загривок боевого быка, чтобы ослабить мускулы его шеи и убедиться в его реакции на боль. И вот что еще, страсть Пикассо к этому жестокому, но от того не менее увлекательному поединку между двумя существами, объединяет его с одним из самых известных художников Франсиско де Гойя, который тоже тяготел к этому действу, видя нечто первобытное, завораживающее.

Франсиско де Гойя «Пикадор»

Франсиско де Гойя «Смерть пикадора», 1793

Пабло вдохновлялся работами многих великих мастеров, как Эль Греко, Веласкес, Рембрандт, Кранах, Пуссен, Энгр, Тициан, Курбе, Делакруа, Сезанн, Гоген, Ренуар, Мане. Он копировал и создавал потом портреты в стиле великих мастеров и мог быть вполне традиционным художником, высококлассным реалистом, но, как он говорил позднее «дублировать видимый мир на своих картинах – бессмысленно».

Пабло Пикассо: «Искусство — это ложь, ведущая к истине».

Пабло Пикассо «Похищение сабинянок», 1963

Пабло Пикассо «Похищение сабинянок», 1962

Пабло Пикассо «Похищение сабинянок», 1962

Питер Пауль Рубенс «Похищение сабинянок»

Никола Пуссен «Похищение сабинянок», 1537. Лувр, Париж

«Менины» (по Веласкесу), 1957

Еще один вариант.

Сравним с оригиналом картины Диего Веласкеса «Менины» (1656).

Пикассо исследовал творчество многих своих предшественников, но, пожалуй, ни одна картина прошлого не удостоилась такого внимания, как «Завтрак на траве» Эдуарда Мане. В течение двух лет (1961-1962) Пабло Пикассо создает 26 картин (14 из них — в музее Орсэ в Париже), шесть линогравюр и 140 рисунков своих версий картины Мане.

Эдуард Мане «Завтрак на траве», 1863

А ведь еще в 12 лет Пабло рисовал так…

Мужской торс, гипс, 1893

В 15 лет он поступает в Мадридскую Академию Искусств, самое престижное художественное заведение страны, однако через полгода обучения понимает, что не получает ничего нового, и оставляет учебу, чтобы самостоятельно изучать живопись великих испанских художников в музее Прадо, в основном Веласкеса и Эль Греко.

Копия портрета Филиппа IV (с картины Веласкеса, 1653), 1898

Диего Веласкес «Портрет короля Испании Филиппа IV», 1656

Стиль Эль Греко узнаваем в вытянутых фигурах и оттенках серой краски.

Портрет незнакомца, 1899

Портрет Лолы Руиз Пикассо, 1901

Портрет Карлоса Касагемаса, 1899

Портрет Хосепа Кардоны, 1899

В 17 лет он возвращается в Барселону, где попадает в среду авангардных художников, ведет богемный образ жизни и проникается новыми веяниями. Входит в круг художников и писателей, вращающихся вокруг кафе-бара-кабаре «Четыре кота», открытого по аналогии с богемным парижским заведением «Черный кот». Теперь он пишет под влиянием импрессионистов, в частности, Тулуз-Лотрека, Дега.

Диван, 1899

В костюмерной, 1900

В это время Пикассо знакомится с начинающим художником Карлосом Касагемасом, с которым они почти не расстаются, вместе развлекаются, делают художественные выставки. В 1900 году они впервые едут в Париж, знакомятся с художественной жизнью столицы. Пикассо обходит все музеи Парижа, изучает искусство импрессионистов вживую, знакомится с арт-дилерами, получает первые деньги за свои картины, и ему заказывают новые. Пабло начинает понимать, что его жизнь в искусстве должна быть связана с Парижем.
Он исследует художественную жизнь столицы мира, но также и жизнь города — ночную жизнь баров, кабаре и борделей, находясь под впечатлением от раскованности и свободы этого города, а также под влиянием импрессионистов. Следуя традиции, начатой Дега, Мане, Тулуз-Лотреком, Пабло запечатлевает образы знаменитого в то время парижского танцзала Moulin de la Galette.

«Мулен де ла Галет», 1900

Однако после самоубийства своего лучшего друга Карлоса Касагемаса, который выстрелил себе в голову на глазах у друзей и посетителей кафе из-за несчастной любви, Пикассо чувствовал свою вину, что не предотвратил трагедию, не поехал с ним в Париж, а остался в Барселоне заниматься своей выставкой. Так начался «голубой период», который длился с 1901 по 1905 гг. Холодная, мрачная колористика его работ, почти монохромная живопись с трагичными, депрессивными персонажами, была созвучна в то время его мировосприятию.

Мрачное отчаяние

Селестина (Женщина с бельмом), 1904

Такой печали, отчаяния, безысходности, молчаливого страдания никогда не видели в мировом искусстве, он создавал произведения в невиданном раннее стиле. Кстати, известный американский джазовый трубач Майлс Дэйвис, оказавший значительное влияние на развитие музыки XX века, вдохновлялся работами «голубого периода», о чем можно судить по оформлению его альбомов и творчеству.

Один из самых известных альбомов «голубой период» (1951) можно послушать здесь http://music.yandex.ru/#!/album/690644

Еще один интересный альбом (слушаем второй диск) http://music.yandex.ru/#!/album/1848573

В 1904 году Пабло Пикассо окончательно переезжает в Париж и селится на Монмартре, в общежитии художников, известном как Бато-Лавуар.

Помимо близких по духу молодых людей, Пабло встречает здесь Фернанду Оливье, которая иногда приходит в Бато-Лавуар позировать художникам.

Пабло Пикассо и Фернанда Оливье на Монмартре с собаками, 1904

Пабло Пикассо, Фернанда Оливье и Хакин Ревентос, Барселона, 1906

Они прожили вместе почти десятилетие. Как считают исследователи, она была моделью для создания Авиньонских девиц, одной из главных картин Пикассо. Эти позитивные перемены привели к новому витку в творчестве Пикассо – так называемый «розовый период» (1904-1906), когда он пишет картины, полные изящества, тонкости и очарования в жизнерадостных тонах, преимущественно красного, оранжевого, розового и серого оттенков.
Среди его работ множество сюжетов с циркачами, французскими комедиантами (они с друзьями часто посещают цирк, который располагается рядом с их общежитием). К слову, интерес к циркачам был очень распространен в искусстве начала 20 века — бродячие артисты были бедными, но творческими и независимыми людьми, как и художники-авангардисты. Для людей искусства цирковая тема символизировала свободу и независимость. Считается, что Пикассо часто изображает себя в роли Арлекина, а в роли других персонажей – своих друзей.

В кабаре Лапин Агиль, или Арлекин с бокалом, 1905

Сидящий Арлекин, 1905

Акробат и юный Арлекин, 1905

Девочка на шаре, 1905

Семья комедиантов, 1905

Одно из самых известных его произведений «розового периода» является картина «Мальчик с трубкой» (1905).

В это время Пикассо находит своих многолетних покровителей – Гертруду Стайн и ее брата Лео – коллекционеров, которые начинают покупать картины почти нищенствующего художника и выставлять их в своей галерее. Впоследствии Гертруда Стайн напишет: «В 1904 году он снова приехал в Париж. Там он опять начал становиться немного французом, то есть Франция снова его увлекла и соблазнила… И это ослабило его испанскую серьезность, и …он освободился от голубого периода, от возродившегося в нем испанского духа, и когда с этим было покончено, началась живопись, которая сейчас называется розовым или арлекинским периодом. Здесь он тесно общался с Гийомом Аполлинером, Максом Жакобом и Андре Сальмоном, и все они постоянно виделись. Художники всегда любили цирк, даже теперь, когда ему на смену пришло кино и ночные клубы, им нравится вспоминать цирковых клоунов и акробатов. В то время они бывали в цирке Медрано не реже чем раз в неделю и им очень льстило близкое общение с клоунами, жонглерами, лошадьми и наездниками… Потом он освободится и от этого, от цирка и изящной французской поэзии, он освободится от них, так же, как освободился раньше от голубого периода».

Многие находили вдохновение у Пикассо, например, известный американский певец, рок-музыкант Дэвид Боуи.

Его невероятно эксцентричный клип в стиле «розового периода» наполнен эпатажем и волшебством. Послушать и посмотреть можно здесь «Ashes To Ashes» http://www.youtube.com/watch?v=CMThz7eQ6K0

Одна из последних работ этого времени «Мальчик, ведущий лошадь» (1906), которая поражает своей монументальностью и величием, и в тоже время художник здесь следует классическим канонам.

Поэтому его величайшее творение «Авиньонские девицы», созданное в 1907 году,

знаменует начало нового «африканского периода» (1907-1909) в творчестве художника, под влиянием древнего искусства Африки и Испании.

Африка

Испания

Если приглядеться к картине, то два персонажа справа вполне определенно отсылают нас к образам африканских масок, захватившие воображение Пикассо своей первобытной силой и невероятной мощью. Не могу не отметить, что эта картина очень напоминает Поля Сезанна и его «Купальщиц».

«Авиньонских девиц» Пабло писал в течение года с особой тщательностью. И она, безусловно произвела настоящую сенсацию для того времени, поскольку такой стиль оказался смелым экспериментом, а кроме того стала первым шагом живописи на пути к кубизму, кроме того многие искусствоведы считают ее отправной точкой современного искусства. Кажется, что картина бессюжетна, но, в тоже время, она наполняется совсем иным, мистическим, «зазеркальным» смыслом. Полная трансформация человеческого тела, где нет красивостей, сглаженности углов, всмотритесь, хотя бы, в эти чудовищные глаза. От этого нарастает напряжение, а внутри картины уже зреет столкновение ангелов и демонов, добра и зла, увиденное художником через осколки стекла. Еще интересная деталь — отодвигающая занавес рука на заднем плане, что имеет двойное значение: раскрывает перед зрителем пространство кубизма, а также свидетельствует о театральности происходящего на полотне. Живопись и театр – два увлечения Пикассо, которые встречаются в этой картине.

Лицо его покровительницы Гертруды на одноименной картине «Портрет Гертруды Стайн» (1905-1906), уже явно напоминает нам африканскую маску с широкими и узкими прорезями глаз.

На смену приходит новый период «аналитический кубизм» (1909-1912), когда предмет дробится на мелкие части, которые четко отделяются друг от друга, предметная форма как бы расплывается на холсте. Поиски Пикассо были основаны на его убеждении, что живопись способна на большее, чем просто показывать то, что видит глаз. Должен быть способ, как показать мир таким, «каков он есть на самом деле». Надо писать «не то, что вижу, а то, что знаю», как говорил Пикассо. Показывать не — видимое, но — сущее.

Веер, солонка, дыня, 1909

Женщина, сидящая в кресле, 1910

Одна из отличительных особенностей живописи периода аналитического кубизма – монохромность. «Цвет ослабляет!» — заявляет Пикассо, наблюдая эксперименты Матисса в живописи. И сам сосредотачивается на форме и объеме предметов. Второе, от чего он отказался – это раздельность вещей, их различия по фактуре и материалу. Также, в кубизме исчезает какая бы то ни было перспектива, поэтому понятие, где расположен предмет, вдали или вблизи, не имеет ровным счетом никакого значения. В результате — на кубистских картинах мы видим очень странное, фантастическое, монохромное изображение, создающее иллюзию некоего метафизического пространства, выпирающего гранями из плоскости холста. Предмет и окружающий его фон — суть одно и то же, и отдельные предметы в этой единой структуре реальности не имеют четко очерченных границ. Мы видим лишь непонятную, льдистую, осколочную, однородную массу, у которой нет фактуры, внутренних различий, и можем догадываться о том, что изображено, лишь по отдельным деталям-намекам. Пикассо называл их «атрибутами». Где-то видна рука, где-то усы, или ключ, или гриф гитары, но все они созданы из одного и того же условного «вещества». Но это лишь символы и знаки предметов, а не они сами. Кубизм, таким образом, поставил себе не изобразительную, а философскую задачу.

Человек с кларнетом, 1911

Тореро, 1912

Известный французский художник, график, сценограф, скульптор и декоратор Жорж Брак с 1907 года присоединился к художественным поискам Пикассо, а затем стал равноправным партнером в их творческом союзе. Взглянем на несколько картин Жоржа Брака.

А теперь рассмотрим их совместные проекты.

Девушка с мандолиной (Фанни Телье), 1910

Фигура девушки и фон, как единая живописная вселенная, построенная художником из однотипных «блоков». Пространство как скульптура. Художник разбирает мир на элементы и собирает новую реальность — реальность художественного произведения.

Но они пошли дальше, когда окончательно стерлись грани реальности, обнажив только суть вещей в своей иллюзорности и потеряв всякую фигуративность.

Мандолинист, 1911

При этом объемность, использование реального света и тени на скульптурных объемах, пространств, сдвиги плоскостей, форм, объемов, варьирование пустотами и наполненностями в будущем открыли дверь в новое направление в живописи – абстракционизм, например ярким представителем этого направления является Марк Ротко.

Заметное влияние кубизм оказал на появление стиля ар-деко (или арт-деко), особенно его способ расчленения предметов и анализа их геометрических составляющих. Отличительными чертами этого стиля является строгая закономерность, смелые геометрические формы, этнические геометрические узоры, богатство цветов, щедрые орнаменты, роскошь, дорогие материалы.

Небоскреб компании «Крайслер» в Нью-Йорке

Мебель от Жака-Эмиля Рульманна.

Или творения Эмиля Брандта.

Создавали даже машины.

Известная французская женщина-модельер Коко Шанель, оказала колоссальное влияние на моду XX века, привнеся в женскую моду приталенный жакет и маленькое черное платье, прежде всего способствовавшая модернизации женской моды, заимствуя многие элементы традиционного мужского гардероба и следуя принципу роскошной простоты. Она тоже привнесла в свою работу элементы кубизма.

Прямой силуэт моды 20-х годов продолжает традиции кубизма.

А музей Гуггенхайма, музей современного искусства в Бильбао в Испании — вобрал в себя элементы кубизма, воплощая абстрактную идею футуристического корабля.

Стили и направления живописи

Существует огромное разнообразие стилей и направлений в изобразительном искусстве. Часто они не имеют четко выраженных границ и плавно переходят из одного в другой, находясь в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий и т.д. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает. У нас вы можете заказать портрет по фотографии на холсте.

(произошло от лат. abstractio – удаление, отвлечение) – направление искусства, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение гармонии, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (1866-1944), Пабло Пикассо (1881-1973).

(произошло от фр. avant-garde – передовой отряд) – совокупность экспериментальных, модернистских, подчеркнуто необычных, поисковых начинаний в искусстве 20 века. Авангардными направлениями являются: фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт, концептуальное искусство.

Академизм

(от фр. academisme) – направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи.

(от англ. action art – искусство действия) – хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью. Наиболее известный представитель акционизма – Джексон Поллок.

(аля прим) (произошло от итал. alla prima – в первый момент) – разновидность техники масляной живописи, предусматривающая выполнение картины (или её фрагмента) за один сеанс, без предварительных прописок и подмалевка.

(произошло от франц. empire – империя) – стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир – финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы…), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля был Ж.Л.Давид (картины “Клятва Горациев” (1784), “Брут” (1789))

(произошло от лат. animal – животное) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются животные.

(произошло от лат. applicatio – прикладывание) – способ создания орнаментов, изображений путём наклеивания на холст разноцветных кусочков какого-либо материала.

(от греч. ana – обратно и hronos – время), другое название – гиперманьеризм – одно из направлений постмодернизма, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Анахронизм возник в конце 1970-х гг. в Италии, позднее и во Франции. Мастера анахронизма: Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Луиджи Онтани, Стефано ди Стасио, Убальдо Бартолини, Антонио Аббате, Жан Гаруй.

(от англ. underground – подполье, подземелье) – ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т. е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом.

(от ит. arte povera – бедное искусство) – художественное направление, объединившее художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине XXв. Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера. Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности.

(от фр. art nouveau, буквально – новое искусство) – распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.

Арт деко

(от фр. art deco, сокр. от decoratif)- направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка(1898-1980).

Техника живописного письма аэрографом (в переводе воздушная кисть – прибор для тонкого распыления краски сжатым воздухом) по трафарету.

(произошло от итал. barocco – странный, причудливый или от порт. perola barroca – жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) – художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.

(от нем. biedermeier – простодушный, обывательский) – направление в немецком и австрийском искусстве, распространённое в 1815-1848 годах. Стиль является ответвлением романтизма, пришедшего на смену ампиру, поэтому его иногда называют смесь ампира с романтизмом. В бидермейере формы стиля ампир преобразовывались в духе интимности и домашнего уюта. Для стиля характерно тонкое, тщательное изображение интерьера, природы и бытовых деталей. Представители бидермейера в живописи: Г. Ф. Керстинг, Людвиг Рихтер, Карл Шпицвег, Мориц фон Швинд и Фердинанд Вальдмюллер.

(произошло от фр. bataille – битва) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются темы войны: сражения, военные походы.

(жанровая живопись) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются обыденные сцены из повседневной жизни человека без прикрас.

(от лат. vanitas, букв. – «суета, тщеславие») – жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.

жанр Венецианской живописи 18 века, в котором изображается городской пейзаж в виде панорамы, с соблюдением масштаба и пропорций. Великий представитель этого стиля в живописи – венецианский художник Каналетто (1697-1768). В России родоначальником архитектурной ведуты были живописцыФ.Я.Алексеев, М.Н.Воробьёв, С.Ф.Щедрин.

(от итал. il verismo, от слова vero – истинный, правдивый) – реалистическое направление в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Термин возник в XVII веке, употреблялся в изобразительном искусстве и обозначал реалистическую струю в живописи барокко. Затем термин возрождается во второй половине XIX века, являясь обозначением (весьма неопределёнными расплывчатым) реалистического и натуралистического направления в итальянском искусстве. Самыми известными художниками этого направления являютсяДж. Фаттори, С. Лега, Т. Синьрини, О. Боррани, В. Кабьянка,Дж. Аббати и др.

 или РЕНЕССАНС (от фр. renaissance, итал.rinascimento) – эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи – XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения – светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» – так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515),Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520),Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576),Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516),Альбрехт Дюрер (1471-1528).

вид абстрактного искусства, композиции которого построены из ограниченного набора правильных форм и основных цветов.

ФОТОРЕАЛИЗМ, СУПЕРРЕАЛИЗМ – стиль в живописи и скульптуре, основанный на фотореализации объекта. Гиперреализм возник в США в середине 20 века. Главная цель гиперреализма показать действительность.

(архитектурный пейзаж) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания.

(произошло от итал. gotico – непривычный, варварский) – период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

 искусство изображения предметов контурными линиями и штрихами. Иногда в графике допускается применение цветных пятен, но здесь они играют вспомогательную роль.

(произошло от фр. grisaille, от gris – серый) – вид декоративной живописи, выполняемой в разных оттенках какого-либо одного цвета (чаще серого). Гризайль применяется с 17 века, широко распространена в росписях интерьеров классицизма, главным образом как имитация скульптурного рельефа.

(произошло от фр. dadaisme, dada – деревянная лошадка; в переносном смысле – бессвязный детский лепет) – модернистское литературно-художественное течение 1916-1922 годов, для которого характерны сознательный иррационализм и демонстративный антиэстетизм. Зародился во время Первой мировой войны в Цюрихе (Швейцария), как реакция на последствия войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства. Самые известные дадаисты: Ханс Арп (1886-1966), Марсель Дюшан (1887-1968),Макс Эрнст (1891-1976), Филипп Супо (1897-1990), Тристан Тцара (1896-1963).

живопись, созданная с целью украшения интерьера или дополнения к дизайну помещения.

(от франц. division – разделение), пуантилизм – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле:Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954), Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимилиан Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге, Джованни Сегантини, Николай Мещеряков.

(от фр. impression – впечатление) – направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн, Дега, Моне, Писсарро.

стиль европейской живописи эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века. Основоположником этого стиля считается Караваджо. Караваджо оказал огромное влияние на развитие европейской реалистической живописи.
Революция Караваджо в области формы и иконографии живописи явилась результатом радикального изменения отношений между художником и внешним миром. Для караваджизма характерны: демократизм художественных идеалов; интерес к непосредственному воспроизведению натуры; драматизация изображения с помощью контрастов света и тени; стремление передать ощущение осязаемой материальности предметов; крупные планы; монументализация жанровых мотивов; бытовая трактовка религиозных и мифологических сюжетов.

 кич (от нем. kitsch – безвкусица) – термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч – разновидность постмодернизма. Китч – это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.

(произошло от лат. classicus – образцовый) – художественный стиль и эстетическое направление в европейской литературе и искусстве 17 – начала 19 вв., одной из важных черт которых являлось обращение к образам и формам античной литературы и искусства, как идеальному эстетическому эталону. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым, обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное и неизменное. В каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.

(от фр. cloison – перегородка) – термин, перенесенный в живопись из прикладного искусства. Суть данной системы заключается в том, что все полотно разделяется на несколько плоскостей разного цвета в соответствии с изображаемыми фигурами или предметами. Каждая из этих плоскостей очерчивается причудливо изгибающейся широкой контурной линией, как в  витражах свинцовыми перегородками. Главная роль в клуазонизме отводится чистым контрастным цветам, которые придают живописной плоскости особый декоративный эффект, поднимая линию горизонта и разрушая привычную перспективу натурного пространства. Фигуры уплощаются и становятся похожими на тени. Эта манера письма разработана Эмиль Бернаром и Л.Анкетеном в 1887 г.

направление в советском искусстве 20-х гг. ХХ в. Сторонники конструктивизма, выдвинув задачу конструирования окружающей среды, активно направляющей жизненные процессы, стремились осмыслить формообразующие возможности новой техники, ее логичных, целесообразных конструкций, а также эстетические возможности таких материалов, как металл, стекло, дерево. Показной роскоши конструктивисты стремились противопоставить простоту и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм, в чем они видели овеществление демократичности и новых отношений между людьми.

(от греч. kosmos – организованный мир, kosma – украшение) – художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.

(от фр. cubisme, произошло от cube – куб) – модернистское направление в живописи начала ХХ века, которое выдвинуло на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости, сведя к минимуму изобразительно-познавательные функции искусства. Слово “кубисты” было употреблено в 1908 и 1909 французским критиком Л. Воселем как насмешливое прозвище группы художников, изображавших предметный мир в виде комбинации геометрических тел или фигур. Самый известный художник этого направления живописи: Пабло Пикассо (1881-1973).

направление в искусстве авангарда в начале ХХ века, соединившее в себе наработки итальянских футуристов и французских кубистов.
Самые известные художники кубофутуризма: Казимир Малевич,Давид Бурлюк, Иван Клюин, Александра Экстер, Наталья Гончарова, Надежда Удальцова, Любовь Попова, Ольга Розанова, Иван Пуни.

ПОП-СЮРРЕАЛИЗМ (от англ. lowbrow – малообразованный, непритязательный) – направление в изобразительном искусстве, возникшее в Лос-Анджелесе в конце 1970-х годов. На становление лоуброу арта повлияли панк-музыка, поп-искусство и другие субкультуры. У истоков движения стояли подземные карикатуристы Роберт Уильямс и Гэри Пэнтер, и художники Гэри Байсмэн и Тим Бискуп.)

живописное направление в русском искусстве 1910-х гг. Придумали этот стиль М. Ф. Ларионов и Н.С. Гончарова.
Лучизм это абстрактное искусство, основанное на вмещение световых спектров и светопередачи.

(от итал. manierismo, от maniera – манера, стиль) – стиль в искусстве, основанный на усвоении манеры какого-нибудь большого мастера или определенной художественной школы.

(произошло от греч. meta – между, после, через и геalis – вещественный, действительный) – реализм многих реальностей, связанных непрерывностью метаболических превращений и перемен состояний. Есть реальность, открытая зрению муравья, и реальность, открытая блужданию электрона, и реальность, свёрнутая в математическую формулу. Метареальный образ, метаморфоза, метабола – способ взаимосвязи всех этих реальностей, утверждение их растущего единства.

Мизерабилизм

(от фр. miserable – несчастный) – направление изобразительного искусства, зародившееся во Франции после 1940-х годов. В рамках данного направления, на первое место выносятся принципы фигуративности, сюжетно-драматическое начало в живописи и графике, с подчеркиванием трагической обреченности, «покинутости» человека в мире. Основоположником мизерабилизма считается Франсис Грюбер.

Минимализм

(произошло от англ. minimal art – минимальное искусство) – художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Минимализм возник в США в первой половине 60-х гг. Среди наиболее репрезентативных минималистов: К. Андре, М. Бочнер,У. Де Мариа, Д. Флэвин, С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн.

Модерн

(произошло от фр. moderne – новейший, современный) – cтиль в европейском и американском иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Модерн переосмысливал и стилизовал черты искусства разных эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax асимметрии, орнаментальности и декоративности. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa – oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, напоминающих pacтитeльныe фopмы. Художники, писавшие в стиле модерн: Поль Гоген (1848-1903), Густав Климт (1862-1918).

Модернизм

(произошло от итал. modernismo – «современное течение») – общее название направлений искусства и литературы конца 19-20 века: кубизм, дадаизм, сюрреализм, модерн, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм и т. п.

Натюрморт

(в переводе с фр. – мертвая, неодушевленная натура) – это художественное изображение различных предметов быта. Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта – фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции.

Наив, наивное искусство

изобразительные виды народного искусства; творчество художников-самоучек; а также самодеятельное искусство.

Натурализм

(произошло от лат. naturalis – природный) – направление в литературе и искусстве последней трети 19 века, стремившееся к объективно точному и бесстрастному воспроизведению наблюдаемой реальности. Считается, что натурализм воспроизводит реальность без ее идейного осмысления, художественного обобщения, критической оценки и отбора.

Неоклассицизм

Де Стиль – термин, обозначающий художественные явления последней трети XIX-XX вв. , которым присуще обращение к традициям античного искусства, искусства эпохи Возрождения или классицизма. Возникновение неоклассицизма обусловлено стремлением противопоставить некие “вечные” эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности. Самый известный художник этого направления живописи: Адольф Вильям Бугро (1825-1905)

Неопластицизм

одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение “Стиль”. Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к “универсальной гармонии”, выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).

Неореализм

художественное направление, получившее развитие в изобразительном искусстве в середине XX века в ряде стран Европы и в США, представители которого на фоне модернистского искусства провозгласили возврат к реалистическим ценностям традиционных изобразительных форм.

Неоэкспрессионизм

направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.

 (произошло от фр. nu – нагой, раздетый) – один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению нагого тела, преимущественно женского. В своём развитии ню тесно связан с изображением обнажённого человеческого тела и воплощает идеал красоты данной страны и эпохи. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма: изображения нагого тела проникаются откровенно чувственным началом.

(от англ. ор art, сокращение от optical art – оптическое искусство) – неоавангардистское течение в изобразительном искусстве, одна из поздних модификаций абстрактного искусства. В оп-арте эффекты пространственного перемещения, слияния и “парения” форм достигались введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.

(от фр. orphisme, от Orpһée – Орфей) – направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне,Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.

(искаженное лат. persona – личность, особа) – первоначально синоним современного понятия портрет вне зависимости от стиля, техники изображения, места и времени написания. Понятие парсуна в значении произведения переходного периода от иконописи к светской портретной живописи предложено И.М. Снегирёвым в 1854 году.

Пастораль

(произошло от фр. pastorale, пастушеский, сельский) – жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь.

Примитивизм

стиль живописи, зародившийся в XIX-XX веках. Примитивисты намеренно упрощали картину, делая её формы примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека. Основное отличие от наивного искусства: наив – живопись непрофессионалов, а примитивизм – стилизованная живопись профессионалов. Самыми известными художниками этого направления являются Марк Шагал, Нико Пиросмани.

Поп-арт

(произошло от англ. popular art – популярное, общедоступное искусство или от pop – отрывистый звук, лёгкий хлопок) – буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект – неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин…), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Отличительная черта поп-арта – сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Самые известные художники поп арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол.

(произошло от фр. слова portrait) – это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира. Делится на индивидуальный, групповой, парадный, автопортрет.

Постимпрессионизм

(произошло от фр. postimpressionisme, от лат. post – после и импрессионизм) – совокупность направлений, возникших во французском искусстве во второй половине 1980-х годов и пришедших на смену импрессионизму. Началом постимпрессионизма принято считать середину 1880-х, когда состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован Манифест символизма (1886) поэта Жана Мореаса. Новые течения декларировали неприятие эстетики импрессионизма и реализма. Их объединяла готовность передавать в картинах не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материальные, так и духовные. Поиски шли различными путями: это и пуантилизм (Жорж Сёра,Поль Синьяк), и символизм Поля Гогена.

Постмодернизм

(произошло от фр. postmodernisme – после модернизма) – новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно заимствование из разных эпох, регионов и субкультур стилей, образных мотивов и художественных приемов.

Прерафаэлитизм

(произошло от англ. pre перед и raphaelitism – Рафаэль) – эстетико-мистическое направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX в, образовавшееся в начале 50-х годов с целью борьбы против условности в английском искусстве викторианской эпохи, против академических традиций и слепого подражания классическим образцам.

Проторенессанс

(произошло (от греч. protos – первый и фр.Renaissance – Возрождение) – переходное направление в итальянском искусстве от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения.

Пуантилизм

(дивизионизм) (произошло от фр. pointiller – писать точками) – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле: Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954).

Пуризм

(от фр. pur – чистый) – направление в живописи и архитектуре XX века, ищущее при создании своих произведений эстетической ясности, точности, подлинности в изображении. Это течение было создано французским художником Амеде Озенфаном и архитектором Ле Корбюзье в 1918 году с написанием ими художественного манифеста «После кубизма». Идеальной пропорцией в пуризме рассматривается золотое сечение и отвергается декоративность и манерность.

Реализм

(произошло от лат. геalis – вещественный, действительный) – направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Самые известные реалисты: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков, Исаак Левитан.

Рококо

(происходит от фр. rococo, rocaille) – стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.

Романтизм

(произошло от фр. romantisme) – идейное и художественное направление в европейской и американской живописи конца 18 – начала 19 веков, выдвигавшее на первый план индивидуальность, наделяя ее идеальными устремлениями. Романтизм выделял главенство воображения и чувств. Его основная социально-идеологическая предпосылка – разочарование в буржуазной цивилизации, в социальном, промышленном, политическом и научном прогрессе. Самые известные живописцы этого жанра: Э. Делакруа, И.К. Айвазовский (1817-1900).

Иппический жанр

(произошло от греч. hippos – лошадь) – жанр изобразительного искусства, в котором главным мотивом является изображение лошади.

Исторический жанр

 жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, а также социально значимым явлениям в истории общества.

(произошло от итал. capriccio, буквально – каприз, прихоть) – архитектурный пейзаж-фантазия. Самые известные художники писавшие каприччо: Франческо Гварди, Антонио Каналетто.

Марина

МОРСКОЙ ПЕЙЗАЖ  (произошло от фр. marine, итал.marina, от лат. marinus – морской) – жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид. Яркий представитель этого жанра – И. К.Айвазовский (1817-1900).

Сентиментализм

(произошло от лат. sentiment – чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в цивилизации, основанной на идеалах разума. Сентиментализм провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом сентиментализма считается Ж.Ж.Руссо. Художники, писавшие в этом жанре: Я.Ф. Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон.

Символизм

(происходит от фр. symbolisme) – одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Художники символисты: Обри Бердслей, Михаил Врубель.

(от англ. street art – уличное искусство) – искусство, получившее развитие на улицах и в городских публичных местах. Включает в себя граффити, тэги, трафаретное граффити, стикер-арт, постеры, видео проекции, флэш-мобы и уличные инсталляции.

Материал подготовлен студией Art-Spb

суть кубизма, история, фазы развития модернистского направления. Картины художников-кубистов Пабло Пикассо, Поль Сезанн, Жорж Брак, Хуан Грис

Updated: 27.06.2020

Кубизм (фр. Cubisme) — стиль в живописи, являющийся одним из модернистских направлений. Кубизм зародился во Франции а начале XX века. Художники-кубисты раскладывали трёхмерные объекты на отдельные элементы и переносили их на двумерную плоскость. На первый взгляд кубизм — упрощение. Но в итоге кубистам удалось расширить возможности человеческого взгляда на изображаемые объекты. Предметы на картинах изображены так, будто на них одновременно смотришь с разных сторон. Получается, что сводя трёхмерный мир к двухмерности, художники-кубисты на самом деле словно открывали портал в четвёртое измерение!

Кубизм позволил живописцам отражать свойства художественных объектов, которые невозможно отразить классическими живописными методами. Кроме того, перед творцами открылись новые колористические возможности: геометризм нового стиля позволяет акцентировать внимание на цвете.

История кубизма

Истоки кубизма искусствоведы усматривают в работах Поля Сезанна (Paul Cézanne). Базовые принципы зарождающегося стиля критики отмечают в его полотнах «Горы в Провансе» и «Гора Сент-Виктуар со стороны Бельвю».

Немалое влияние оказали и эпистолярные советы мэтра молодому художнику Пабло Пикассо (Pablo Picasso): в переписке Сезанн советовал смотреть на художественную натуру как на слияние простейших геометрических форм.

Пабло Пикассо, внимательно отнёсшийся к рекомендациям старшего коллеги, и стал основателем кубизма. Именно в его творчестве многогранно раскрылись возможности живописного анализа и синтеза: разбирая объекты на элементы, Пикассо затем конструировал из этих «лоскутов» новую реальность.

Кубизм появился на свет в 1905-1907 годах. Первым полотном, открывшим начало новой вехи в истории живописи, считаются «Авиньонские девицы». А название ему дал художник Анри Матисс (Henri Matisse) в 1908 году. Взглянув на картину Жоржа Брака (Georges Braque) под названием «Дома в Эстраке», Матисс выдал знаменитую фразу: «Bizarreries cubiques!» В переводе — «Что за кубики!»

Направления и фазы кубизма

Искусствоведы выделяют три направления или, точнее, фазы развития кубизма:

• сезанновский, для которого характерно стремление к максимальному разложению на «лоскуты», а также использование тёплых оттенков для переднего плана и холодных тонов — для заднего;
• аналитический, отличающийся слиянием формы и пространства, появлением пересекающихся плоскостей, внедрением хаоса, использованием полупрозрачных структур и переливчатых красок;
• синтетический, связываемый с творчеством Хуана Гриса (Juan Gris) и выделяющийся использованием выразительных фактур, аппликаций, узоров.

Кубизм стал одним из самых известных направлений живописи, своеобразным манифестом изменений в творческом подходе. Картины знаменитых художников-кубистов входят в число самых дорогих лотов на аукционах.

Кубизм /сubisme | ART Узел

от /фр./ cubisme, от cube – куб (1907-1920-е годы)

Модернистское направление в изобразительном искусстве, прежде всего в живописи, зародившееся в начале XX века. Термин «кубизм» появился в 1908 г., после того как художественный критик Луи Восель назвал новые картины Брака «кубическими причудами» (фр. bizarreries cubiques). Между 1908 и 1911 годами, кубизм был лабораторией, в которой ставили интенсивные опыты два человека: Пабло Пикассо и Жорж Брак. Художественная концепция кубизма строилась на попытке найти простейшие пространственные модели и формы вещей и явлений, в которых выразились бы вся сложность и многообразие жизни. По существу кубизм – это примитивизм, воспринимающий мир через формы геометрически правильных фигур. Свои истоки он брал в живописи П.Сезанна — прием пассажа (система зрительного перехода от одной хроматической и предметной зоны к другой, добиваясь эффекта симультанности) и африканской скульптуре, под влиянием которой появились знаменитые «Авиньонские девицы» П.Пикассо (1907), ознаменовавшие рождение кубизма. В живописи можно выделить три фазы этого направления, отражающие разные эстетические концепции, и рассмотреть каждую в отдельности: «сезанновский» (1907—1909), «аналитический» (1909—1912) и «синтетический» (1913—1914) кубизм. Для первого периода были характерны массивные, несколько грубоватые формы, образованные пересечениями прямых и изломанных линий. Второй период отличается более мелкой деталировкой предмета изображения. Дробя цельную форму на грани, художник стремиться проникнуть в структуру вещей, произвести ее анализ, пытаясь «отыскать в объектах наиболее устойчивые элементы». Это привело к ограниченному набору изображаемых предметов и жанров (натюрморт, реже пейзаж, и портрет). Основным приемом «синтетического» периода стал коллаж. Картины синтезировались из разнородных материалов и фрагментов (обрывки газет и одежды, куски обоев, спичечные коробки, наклейки, всевозможные имитации, фактуры). Художник не воспроизводил действительность, а зримо воплощал свои знания об изображаемом предмете, которые в воображении зрителя складывались в обозначенный сюжет. Кубизм открыл путь многим художественным направлениям и эстетикам ХХ века и, прежде всего, абстракционизму, реди-мейд и дадаизму.

Художники: Пабло Пикассо (Pablo Picasso), Жорж Брак (Georges Braque), Александр Архипенко (Alexander Archipenko), Хуан Грис (Juan Gris), Фернан Леже (Fernand Leger), Альбер Глез (Albert Gleizes), Жан Метценже (Jean Metzinger), Раймон Дюшан-Вийон (Raymond Duchamp-Villon), Андре Лот (Andre Lhote).

Выставки: 1908, галерея Канвейлера, Брак; 1910, Мюнхен, галерея Тангейзера, «Брак и Пикассо»; 1911, 1912, 1913, Париж, Салон независимых;1912, Париж, галерея Ля Боэти, «Золотое сечение»; 1913, Нью-Йорк, Армори-шоу, 1936, Музей современного искусства «Кубизм и абстрактное искусство».

Тексты: А.Глез, Ж.Меценже. «О кубизме», 1912; Д.-А.Канвейлер. «Рождение кубизма», 1931; А.Г.Барр-младщий «Кубизм и абстрактное искусство», 1936.

См. также статьи: Примитивизм, Папье-колле и коллаж, Орфизм.

Описание некоторых произведений:

Жорж Брак «Дома в Эстаке», 1908. Холст, масло. Берн, Художественный музей. В Эстаке Брак покончил с фовизмом и серией пейзажей открыл прекубистический преиод. В пейзажах воплотились уроки Сезанна, несомненно усвоенные на большой выставке Осеннего салона в Париже (1908), посвещенной мастеру — импрессионисту. Брак упрощает дома до элементарных кубических объемов. Пейзаж подчиняется строгой геометрической схеме, в свою очередь, подчиненной динамике, обусловленной несколькими точками зрения. Деревушка с домами, слепленными, как соты среди зелени, изображена сверху. Цвет наделен конструктивной функцией: написанные охрой фасады приобретают объем благодаря коричневым, зеленым и серым теням, прописанным длинными направленными мазками и точечными ударами кисти.

Жорж Брак «Дома в Эстаке», 1908

Хуан Грис «Натюрморт (скрипка и склянка чернил)», 1913. Холст, масло. Дюссельдорф, К 20, Художественные собрания земли Северная Рейн-Вестфалия. Этот натюрморт входит в серию композиций с изображением музыкальных инструментов — постоянного мотива в иконографии кубизма. «Синтетический» метод Гриса был противоположен фигуративности аналитического кубизма. «Я начинаю с организации картины в целом, — объяснял он, — затем намечаю предметы… Я конкретизирую то, что по началу абстрактно. Иду от общего к деталям, то есть, отталкиваясь от отвлеченного понятия, прихожу к реальному предмету».

Основные направления живописи и их представители

Живопись — вид искусства, с помощью которого художники доносят до зрителя свое видение мира. Существует множество техник и направлений живописи, которые часто смешиваются и взаимодействуют друг с другом, но все же можно выделить основные направления, этому и посвящена данная статья.

1. Абстракционизм. Название этого направления происходит от латинского слова «abstractio» — «отвлечение». Художники, работавшие в этой технике, отказались от реалистических средств живописи, стремясь показать гармонию и закономерность мира с помощью геометрических форм и цветовых сочетаний.Самые известные представители этого направления: Василий Кандинский, Казимир Малевич, Пабло Пикассо.

2. Анимализм. «Animal» в переводе с латыни означает «животное». Направление живописи, которое посвящено изображению животных и птиц. Анималисты в своих работах стараются воспроизвести точность изображения животного, а также придать картине художественную выразительность. Часто художники в своих работах наделяют зверя человеческими эмоциями.

3. Барокко. «Барокко» в переводе с итальянского означает «причудливый».Черты барокко: контраст, напряжение, величие и пышность. Барокко сочетает в себе иллюзию и реальность, духовное и материальное. Представители барокко: Рубенс, Караваджо, Эль Греко.

«Кабанья охота», Питер Пауль Рубенс

4. Жанровая картина. Бытовой жанр – это жанр изобразительного искусства, который посвящен повседневной жизни людей. Темой для своих произведений художники выбирают только современные события.

«Рыбаки», Владимир Маковский

5.Ренессанс. Французское слово «Ренессанс» означает «возрождаться». Художники рисуют картины, учитывая законы анатомии и линейной перспективы. Картины приобретают объем, а на заднем плане изображаются пейзажи. Известные мастера эпохи Возрождения: Сандро Боттичелли, Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонаротти.

«Рождение Венеры», Сандро Боттичелли

6. Гиперреализм. Реализм — это стиль живописи, в котором художники пытаются передать мир таким, какой он есть.Приставка «Гипер» означает «больше», т.е. больше, чем реализм. Художники решили проверить, можно ли с фотографии нарисовать картину так, чтобы она была похожа на фотографию. Картины в стиле гиперреализма поражают своей правдоподобностью. То, что изображено на картине, могло произойти и в жизни, этим гиперреализм отличается от сюрреализма. Представителями гиперреализма являются Герхард Рихтер, Дельколь, Клапец.

«Визенталь в Южном Бадене», Герхард Рихтер

7.Городской пейзаж. Городской пейзаж – вид живописи, в котором картина передает дух времени. Городской ландшафт постоянно меняется вместе с быстрым течением времени.

Городской пейзаж Сергея Боева

8. Импрессионизм. Этот стиль зародился во Франции. Художники рисовали мелкими и контрастными мазками, нанося их в соответствии с теориями цвета. Благодаря этому художники получили возможность создавать работы, не смешивая краски на палитре. Художники отказались от использования черного цвета.Свое мимолетное восприятие природы художники пытались передать на своих полотнах. Представителями этого стиля являются Эдуард Мане, Клод Моне, Эдгар Дега, Альфред Сислей.

«Впечатление. Восход», Клод Моне

9. Исторический жанр. Этот стиль живописи сформировался в эпоху Возрождения. Художники рисовали важные события прошлого и легенды. При этом их целью зачастую было не достоверное изображение происшествий, а их прославление, создание идеологического мифа.

«Последний день Помпеи» Карл Брюллов

10. Классицизм. Основные элементы линии, светотени, они помогают раскрыть пластику фигур и предметов, разделить пространственные планы. По их мнению, произведение должно восторжествовать над хаосом, отражая важные черты проявляемого явления и выполняя социальную и воспитательную функцию. Художники-классики: Карл Брюллов, Антонио Каналетто, Никола Пуссен.

11. Кубизм. Считается, что это направление возникло после письма Поля Сезанна к Пабло Пикассо, в котором тот советует ему изображать природу в виде ряда геометрических фигур.Поэтому художники-кубисты, творившие в начале 20 века, изображали реальность на своих полотнах как набор плоскостей и геометрических фигур. В подобной технике выполнены некоторые картины Пикассо «Авиньонские девицы», «Аккордеонистка», картины Хуана Гриса, Марселя Дюшана.

12. Минимализм. Для этого направления характерны простота формы, асимметрия изображений и монохромность, но картины также наполнены скрытым смыслом. Художники-минималисты отказываются от реализма и субъективности, позволяя зрителю воспринимать полотна без интерпретации художника.Представителями минимализма являются Карл Андре, Дэн Флавин, Роберт Рэйман.

13. Модернизм. С латыни «модернус» переводится как «современный». Это стало поворотным моментом в мире искусства. Художники перестали показывать окружающий мир, они пытались изобразить на своих полотнах свои чувства и переживания. Такой подход сопровождался нарушением устоявшихся канонов, но считается, что это позволяет изобразить истинную реальность, внутреннюю свободу, стремление к прогрессу.К этому направлению относятся импрессионизм, кубизм, сюрреализм, футуризм, экспрессионизм и др.

14. Морской пейзаж (Марина). От латинского «marinus» означает «море». Как самостоятельный жанр он выделился в 17 веке в Голландии. На нем показаны виды бескрайних просторов океана, сцены сражений между кораблями, бури, закаты над морем. Яркими представителями этого направления являются Уильям Тернер, Иван Айвазовский.

15. Натюрморт. Натюрморт – это неодушевленные предметы: цветы, фрукты, дичь, сервированные столы, кухонная утварь, предметы быта.Иногда каждому предмету придается символическое значение, но в большинстве случаев они демонстрируют благополучие хозяев, служат для украшения интерьера. Самые известные представители этого жанра – Якоб де Гейн, Клара Петерс, Петер Клас, Ян Давидс де Хем.

16. Ну. Этот жанр от французского «nudite» — «нагота, невинность» показывает красоту обнаженного человеческого тела. Это направление впервые появилось в каменном веке, расцвело в античности, переживая новый всплеск в произведениях эпохи Возрождения, барокко и Нового времени.Такие работы демонстрируют чувственное, полноценное восприятие мира, идеальные представления о красоте. В этой технике писали картины Тициана, Рубенса, Франсуа Буше.

17. Поп-арт. Сокращенно так называется «популярное искусство», возникшее в Западной Европе и США в 1950-60-е годы. Его представители демонстрируют зрителям предметы массовой культуры, упаковки продуктов и фрагменты различных механизмов, помещенные в различный контекст. Считается, что он позволяет смириться с миром пошлости и пошлости, бросить вызов повседневности, увидеть красоту в повседневности.Представители этого жанра: Энди Уорхол, Джаспер Джонс, Рой Лихтенштейн.

18. Портрет. Портрет – жанр изобразительного искусства, отображающий индивидуальные особенности конкретного человека. Портрет отражает внешний вид человека, его внутренний мир, передает социальный статус и принадлежность к эпохе. Художники изображают на полотнах лицо и плечи или человека в полный рост. В портретном жанре нет четких границ, поэтому в одном произведении портрет может сочетаться с элементами других жанров живописи — пейзажа, натюрморта и так далее.

19. Примитивизм. Этот жанр зародился в 19 веке. Примитивизм включает в себя намеренное упрощение рисунка, придание ему сходства с детскими рисунками или наскальными рисунками. В том же духе поступили Марк Шагал, Никотинамин, Бабушка Мозес, Анри Руссо.

«Сон», Анри Руссо

20. Реализм. С латинского «realis» переводится как «настоящий». Художники изображают жизнь на холсте в соответствии с объективной реальностью. Задачей художников было максимально точно запечатлеть мир.Представители этого направления: Караваджо, Ян Вермеер, Эдвард Хоппер, Гюстав Курбе, Теодор Руссо, Иван Шишкин, Илья Репин.

21. Романтизм. О своих эмоциях, внутренних порывах, страхах, любви и ненависти художники рассказывают на своих полотнах. С помощью сочных красок и сильных, уверенных мазков художники изображали фантастические пейзажи, красивых девушек, буйство стихии и сказки. Представителями этого жанра являются Франсиско Гойя, Эжен Делакруа.

22. Символизм. Для этого направления характерно стремление к новаторству, использование символов, недомолвок, намеков, тайны и магии. Художники пытались изобразить жизнь души — неясную, смутную, полную переживаний и тонких чувств, тайну бытия, его мистическую и загадочную сторону. Представителями символизма являются Михаил Врубель, Обри Бердслей, Гюстав Моро, Эжен Карьер.

23. Стрит-арт. Этот вид искусства не для выставок и галерей.Он развивается на улицах, в общественных местах и ​​является неотъемлемой частью городского ландшафта. К этому направлению относятся граффити, трафареты, некоммерческие плакаты, скульптурные инсталляции. Его представители часто прикрываются псевдонимами и тегами: Julio 204, Taki 183, Space Invander.

24. Сюрреализм. Характерные черты этого потока аллюзий, парадоксальные сочетания форм, деформация действительности. Он призван возвысить зрителя, отделить дух от реальности, сломать привычные представления о мире.Мастера-сюрреалисты — Сальвадор Дали, Макс Эрнст, Рене Магритт.

25. Фантазия. Этот жанр относится к научной фантастике, но в более свободной, «сказочной» манере с использованием мотивов далеких перемещений в пространстве и времени, инопланетных миров, искусственных организмов, мифологии древних цивилизаций. В изобразительном искусстве элементы фэнтези часто сочетаются с абстракционизмом, сюрреализмом или трансформируются в фантастический реализм. Представителями этого жанра являются Рудольф Хауснер, Эмиль Фукс и др.

26. Экспрессионизм. От французского «expression» означает «выражение». Это направление в европейском искусстве, получившее наибольшее развитие в первые десятилетия 20 века, в основном в Германии и Австрии. Экспрессионизм стремится не столько к отображению окружающего мира, сколько к художественному выражению эмоционального состояния автора. Экспрессионистам свойственно влечение к мистике и пессимизму. Художественные приемы, характерные для экспрессионизма: отказ от иллюзорного пространства, стремление к плоскостной трактовке предметов, деформации предметов, любовь к резким красочным диссонансам, особому колориту, включающему апокалиптический драматизм.Художники воспринимали творчество как способ выражения эмоций.

«Крик», Эдвард Мунк

27. Энергетика. Новое направление в живописи. Художники в своих картинах показывают, как выглядит энергия, которую мы часто чувствуем, но не видим. Эта энергия связывает животных, людей и окружающую природу невидимыми нитями, соединяя все вокруг друг с другом. Этот творческий метод считается своего рода релаксацией. Прежде чем приступить к живописи, автор расслабляется и сосредотачивается на своем состоянии, происходит, по сути, медитация, позволяющая сконцентрироваться на собственных эмоциях и чувствах.

Считается, что чистых стилей живописи не бывает, многие жанры находятся под влиянием других видов живописи, поэтому очень много художников, чьи картины присущи разным направлениям живописи.

Как рисовать как Пикассо и раскраска Пикассо

Ниже вы найдете простое пошаговое руководство для художественного проекта Пикассо и страницы-раскраски Пикассо. Это забавный проект автопортрета, который в то же время учит немного кубизму.

Рисуй как Пикассо Рисунок

Пабло Пикассо был испанским художником, скульптором, гравером, керамистом и театральным дизайнером, сыгравшим огромную роль в мире искусства в начале 1900-х годов. Его творчество и эксперименты помогли ему стать одной из самых известных фигур в искусстве 20-го века.

Если вы хотите, чтобы ваши ученики помнили, что кубизм — это видение чего-то более чем с одной стороны за раз, то я не знаю более буквального способа интерпретировать это, чем вид лица спереди и в профиль, сложенные вместе. .Вы не можете не сделать интересные мгновенные абстрактные рисунки.

Этот портрет в стиле кубизма начался много лет назад как проект масляной пастели, и он хорошо поддается живописным качествам, которыми иногда обладает пастель. Я решил поделиться этой новой версией, созданной только мелками, чтобы показать, как сильное нажатие может создать насыщенные цвета. Образец выше был на самом деле сделан путем наложения мелков на большие формы лица. Это делает некоторые интересные цвета и текстуры.

Начало работы с направляющими для рисования

Лучший способ подтолкнуть учащихся к хорошему началу любого урока рисования — показать им, как использовать направляющие в качестве ориентира.

Возможно, вы заметили, что все руководства на этом сайте имеют пунктирную линию, проходящую через центр каждого шага как в горизонтальном, так и в вертикальном направлении. Если учащиеся сделают свои собственные центрированные линии на своей собственной бумаге перед рисованием, они будут иметь простой ориентир для подражания.

Например, как показано на шаге 1 ниже, начало чертежа профиля должно начинаться сверху и идти вниз за середину, в основном на центральной вертикальной линии.Важно расположить эту линию по центру, чтобы лицо было сбалансированным, когда оно будет завершено. Когда новички хорошо начинают рисовать, у них больше шансов, что они почувствуют себя успешными к тому времени, когда они закончат.

Значит ли это, что учащиеся должны взять линейку, чтобы провести большую жирную линию по центру бумаги, прежде чем они начнут? Боже нет, пожалуйста, не надо! Это, скорее всего, будет трудно стереть и отвлечь от любого готового искусства. Нет, просто сложите лист бумаги пополам в обе стороны, сделайте сгиб и разверните.Прелесть в том, что к тому времени, когда рисунок будет сделан и раскрашен, складки исчезнут.

А теперь к арт-проекту Пикассо.

Закрепите меня на своей доске Pinterest

Используйте кнопку ниже, чтобы загрузить учебник в формате PDF

НОВИНКА! Раскраска Галерея

Раскраска Пикассо

Интервальная съемка художественного проекта Пикассо

Материалы для рисования художественного проекта Пикассо

• Ластик. Большие карандаши, которые можно держать в руке, работают гораздо лучше, чем просто кончики карандашей.

• Черный Маркер Sharpie . Эти перманентные маркеры с тонким концом создают красивые черные контуры, имеют хороший наконечник для окрашивания и никогда не растекаются, когда намокают. Используйте их с хорошей вентиляцией и подложите под них дополнительную бумагу, чтобы защитить столы.

• Мелки Prang . Они немного мягче, чем другие мелки, поэтому иногда выглядят как масляная пастель.У них также есть несколько приятных коричневых оттенков, которых нет у Crayola, если только вы не купите их большие коробки.

• Мелки Crayola . Надежный бренд, который всегда работает хорошо. В наборе из 24 штук одни из моих любимых золотисто-оранжевых и желтых цветов, которые кажутся немного богаче и теплее, чем те, что есть у Прэнг.

Инструкции по рисованию художественного проекта Пикассо

Еще один проект кубизма

Другие проекты художников по рисованию

Создайте свою фреску Пикассо

первых шагов | Художественная галерея Йельского университета

Библиография:

Майкл Конфорти и др. , Коллекция братьев Кларк: картины импрессионистов и раннего модерна , exh. Кот. (Уильямстаун, Массачусетс: Художественный институт Стерлинга и Франсин Кларк, 2006 г.), 177, 180, 188, 316, 340, рис. 147.

Сьюзан Гринберг Фишер и др., Пикассо и очарование языка , exh. Кот. (Нью-Хейвен, Коннектикут: Художественная галерея Йельского университета, 2009 г.), 90, 149–61, 186, вып. 19, бол.

Cahiers d’Art 15–19 (1944): ил.

Гарриет Дженис и Сидни Дженис, Пикассо, Последние годы: 1939–1946 (Гарден-Сити, Н.Y.: Doubleday & Company, Inc., 1946), 105, рис. 3.

Антонина Валлентин, Пабло Пикассо (Париж: А. Мишель, 1957), 353.

Франсуаза Форстер-Хан, French and School of Paris Paintings в Художественной галерее Йельского университета (Нью-Хейвен, Коннектикут. : Yale University Press, 1968), 21–2, илл.

Кэтрин Нейлсон и Эндрю Карндафф Ричи, Избранные картины и скульптуры из Художественной галереи Йельского университета (Нью-Хейвен, Коннектикут: издательство Йельского университета, 1972), рис. 113.

«Недавние подарки и покупки», Бюллетень Художественной галереи Йельского университета 25, вып. 1 (апрель 1959 г.): 36–37, ил.

Хайме Сабартес, Пикассо: документы, иконографии (Женева: П. Кайлер, 1954), рис. 144.

Альфред Х. Барр-младший, Пикассо: пятьдесят лет его искусства (Нью-Йорк: Музей современного искусства, 1946), 232–33, 246, илл.

«Поступления американских и канадских музеев», Art Quarterly 21 (1958): 229, ил.

Хуан Мерли, Пикассо: El artista y la obra de nuestro tiempo , 2 (Буэнос-Айрес: El Ateneo, 1948), рис.36.

Сэр Роланд Пенроуз, Пикассо: его жизнь и работа , 2 (Нью-Йорк: Schocken Books, 1962), 307, рис. 21.

«Выставки», College Art Journal 19 (1959): 355, ил.

Кристиан Зервос, Пабло Пикассо , 13 (Париж: Éditions Cahiers d’Art, 1962), нет. 36, рис. 17.

Пабло Пикассо , экз. Кот. (Амстердам: Stedelijk Museum, 1967).

Джейн Флюгель, Пабло Пикассо: Ретроспектива , изд. Уильям Рубин, exh.Кот. (Нью-Йорк: Музей современного искусства, 1980).

Мэри Мэтьюз Гедо, Пикассо: Искусство как автобиография (Чикаго: University of Chicago Press, 1980).

Пол Шиммель и Джудит Э. Стейн, ред., Фигуративные пятидесятые: Нью-Йоркский фигуративный экспрессионизм , exh. Кот. (Ньюпорт-Бич, Калифорния: Художественный музей Ньюпорт-Харбор, 1988 г.).

Роберт Розенблюм, Пикассо и годы войны, 1937–1945 , изд. Стивен А. Нэш, exh. Кот. (Сан-Франциско: Музей де Янга, Музеи изящных искусств Сан-Франциско, 1998 г.), 35, 86, 95, 187, илл.

Трауте М. Маршалл, Художественные музеи плюс: культурные экскурсии по Новой Англии (Ганновер, Нью-Хэмпшир: University Press of New England, 2008).

Роберт М. Коутс, «Художественные галереи», житель Нью-Йорка (7 февраля 1948 г.): 62–63.

Милтон Эстероу, «Разные взгляды Дэвида Хокни», Artnews (январь 1983 г. ): 52.

Джон Шарло, «Источник «Первых шагов» Пикассо: «Первые шаги» Жана Шарло», Kunstgeschichte (1992): 275–78.

Мари-Лора Бернадак, Музей Пикассо, Париж: Шедевры (Мюнхен: Prestel-Verlag, 1991), 158. больной.

Сьюзен Б. Мэтисон, Искусство для Йельского университета: история художественной галереи Йельского университета (Нью-Хейвен, Коннектикут: Художественная галерея Йельского университета, 2001), 175, ил.

«Yale Exhibits Clark Bequest», Art Journal 21 (1961–62): 61.

Джин Сазерленд Боггс, Picasso and Things , exh.Кот. (Кливленд: Кливлендский художественный музей, 1992), 358, илл.

Алан Шестак, изд., Художественная галерея Йельского университета: Избранное (Нью-Хейвен, Коннектикут: издательство Йельского университета, 1983), 84–85, илл.

«Стремясь учиться, учась учить», Бюллетень Художественной галереи Йельского университета (2013): 41, рис. 3.

Алан Шестак, изд. , Художественная галерея Йельского университета, выбор (Нью-Хейвен, Коннектикут: Художественная галерея Йельского университета, 1983).

Хуан Грис | Художественный институт Чикаго

Также известен как

Хосе Викториано Гонсалес, Хосе Витторио Гонсалес, Хоан Грис, Хуан-Хосе Викториано Гонсалес Грис, Хосе Викториано Кармело Карлос Гонсалес Перес

Дата рождения

1887

Дата смерти

1927

• Портрет Пикассо, 1947 год
  Хуан Грис
• Абстракция (гитара и бокал), 1913 г.
  Хуан Грис
• Шахматная доска, 1915 год
  Хуан Грис
• Стакан и игральные карты, 1915 г.
  Хуан Грис
• Стол в кафе, 1912 год
  Хуан Грис
• Стакан пива, 1914 год
  Хуан Грис
• Голова мужчины с сигарой, ок.1912
  Хуан Грис
• Стакан, кувшин, блюдо для фруктов, 1912 г.
  Хуан Грис
• После Сезанна, 1916
  Хуан Грис

Страница вторичной навигации

Связанный контент

Узнать больше

Похожие работы

• Скромная трапеза из The Saltimbankes, сентябрь 1904 г., напечатано и опубликовано в 1913 г.
  Пабло Пикассо
• Скромная трапеза из The Saltimbankes, сентябрь 1904 г.
  Пабло Пикассо
• Водопой из The Saltimbankes, весна 1906 г. , напечатано и опубликовано в 1913 г.
  Пабло Пикассо
• The Two Saltimbanques из The Saltimbankes , 1905 г., напечатано и опубликовано в 1913 г.
  Пабло Пикассо
• Три друга, предположительно 1923 г., напечатано в 1927 г.
  Пабло Пикассо
• Кавалер из Quatre Lithographies, 7 марта 1921 г., опубликовано в апреле 1923 г.
  Пабло Пикассо
• Студия, 1927 год
  Пабло Пикассо
• Художник и модельное вязание, четвертая тарелка из Le Chef d’oeuvre, 1927 г., напечатано и опубликовано в 1931 г.
  Пабло Пикассо
• Саломея, из The Saltimbankes, 1905 г. , напечатано и опубликовано в 1913 г.
  Пабло Пикассо
• Два салтимбанка, 1905 г.
  Пабло Пикассо
• Художник перед мольбертом с длинноволосой моделью, двенадцатая пластина из Le Chef d’oeuvre inconnu, 1927, напечатана и опубликована в 1931 году
  Пабло Пикассо

Период классицизма Пабло Пикассо

Этот новый классический стиль находился под влиянием классического греческого и римского искусства.Тенденция была характерна для увесистых и безмятежных фигур, облаченных в одеяния в тактильных, но простых пейзажах.

Классическое направление в искусстве продолжало доминировать на сцене Европы более десяти лет. Пикассо стал ведущей фигурой в этом новом направлении искусства.

На ранних этапах этого периода его основное внимание было сосредоточено на рисовании и живописи, которые он делал в основном для личного исследования.

Пикассо был известным художником с непревзойденным мастерством и техникой. Вот почему его первая поездка в Италию в 1917 году послужила стимулом к ​​тому, чтобы оторваться от современного экстремизма и пойти по стопам таких художников, как Рафаэль и Энгр.

Пикассо познакомился с Ольгой Колковой, русской балериной, в 1918 году. В конце концов они поженились, и благодаря ее высокому социальному положению Пикассо начал вращаться в разных социальных кругах.

Это отличалось от богемного образа жизни, к которому он привык. Это, казалось, сказалось на его работе. Например, он перестал быть более провокационным и начал тяготеть к более традиционным и серьезным произведениям искусства. Он назвал этот новый найденный стиль «классицизмом». Его шедевр «Влюбленные» является примером того, как его стиль изменился с его социальными изменениями. «Свирели Пана» — еще одна известная композиция классического периода.

Пикассо продолжал находить увлечение оформлением балетной постановки. Рождение первого сына Пола вдохновило его снова и снова возвращаться к теме «мать и сын». Однако он вернулся и работал над кубизмом, о чем свидетельствует его картина 1921 года «Три музыканта». Работы Зигмунда Фрейда, известного психолога, также оказали глубокое влияние на творчество Пикассо.

Пикассо написал «Свирели Пана» в 1923 году, которую часто считают одним из самых важных его произведений классического периода.Это изображение двух мужчин, один из которых играет на дудочке, а другой слушает музыку. Свирели Пана символизируют греческого бога музыки, дикую природу, горы, природу, пастухов и стада.

Мифологический греческий миф гласит, что у него ноги и рога козла. Пан-флейта символизирует мир и природу. Это произведение считается венцом творчества Пикассо классического периода 1920-х годов. Эта конкретная работа подчеркивает влияние, которое греко-римское искусство оказало на Пикассо во время его путешествий по Италии.

В этот период, как цитируется в цитатах Пикассо, он утверждает, что Бог наказывает художника, даруя ему несчастье славы. Пикассо считал, что слава — худшее несчастье, чем голод и нищета. Пикассо обрел славу и авторитет в середине двадцатых годов.

Однако он не воспринял эту возросшую известность положительно, так как понял, что публика подавляет его индивидуальность, аплодируя каждому произведению, которое он создал, не рассматривая его критически.Кроме того, у Пикассо были семейные проблемы. Его жена Ольга, танцовщица-балерина, которая процветала благодаря славе и высокому положению в обществе, не могла понять, почему Пикассо не нравилась слава.

Негативные последствия Первой мировой войны отправили многих парижан на фронт. Однако Пикассо, иностранец, продолжал работать в основном без помех. Он даже впервые побывал в Италии и на юге Франции. Поскольку он был знаком с искусством Помпеи и Древнего Рима, это привлекло новое внимание и послужило стимулом для его возобновившегося интереса к классическому искусству.

Неурядицы войны в Европе привели к восстановлению порядка в Европе. Это рассматривалось как реакция на модернистские экстремистские движения, такие как экспрессионизм и кубизм. Такие художники, как Пикассо, начали сокращать и упрощать свои стили, чтобы соответствовать этому новому порядку. Некоторые из других выдающихся художников, которые последовали его примеру, включают художников движения «Новая объективность», Джорджио де Кирико и Андре Дерена.

Пабло Пикассо родился в Испании в 1881 году.Он вырос там до переезда во Францию, где провел большую часть своей взрослой жизни, работая художником.

Известный как один из самых знаменитых художников в истории, он создал более 20 000 произведений искусства, среди которых рисунки, скульптуры, картины и керамика. Большая часть его работ была разделена на периоды времени, в течение которых он развивал искусство по сложным темам и чувствам.

Синий период

Голубой период (1901-1904) был временем, когда Пикассо жил в бедности.Для его работ этого периода характерны такие темы, как проституция, недоедание и мрачное изображение внутренних мук его друга после того, как он покончил жизнь самоубийством. Большинство цветов, используемых в его работах этого периода, были в основном синими. Одним из таких произведений искусства является портрет Сюзанны Блох.

Розовый период

В эпоху роз (1904-1906) Пикассо, кажется, начинает испытывать успех и даже влюбляется.Это побуждает его начать создавать более оптимистичные картины. В основном он использует розовый и оранжевый цвета в своих работах. Он написал Garçon à la Pipe («Мальчик с трубкой»), которая оказалась одной из его самых дорогих картин.

Период африканского влияния

В период африканского влияния (1907-1909) волна традиционной африканской эстетики начала проникать среди европейских художников.Это был период, вдохновленный африканской скульптурой, и Пикассо не остался в стороне. Les Demoiselles d’Avignon (Авиньонские девушки) — одно из его известных произведений искусства того периода.

Движение кубизма

За этим последовало движение кубизма (1909-1919). Это был период, когда Пикассо и Брак разработали стиль, в котором они подчеркивали сочетания форм на картине.

Они использовали неокрашенные объекты, такие как газеты, и объединяли их на холсте вместе с окрашенными областями, чтобы создать форму коллажа. «Итальянская девушка» — хороший пример произведений искусства того периода.

Пабло Пикассо — Художники — Галерея Лейлы Хеллер

Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в Малаге, Испания.Отец Пикассо начал учить его рисовать, когда он был ребенком, и к тому времени, когда ему исполнилось 13 лет, его уровень мастерства превзошел уровень его отца.

В 1895 году, когда Пикассо было 14 лет, он переехал со своей семьей в Барселону, Испания, где быстро подал документы в престижную городскую Школу изящных искусств.

В 1897 году 16-летний Пикассо переехал в Мадрид, чтобы поступить в Королевскую академию Сан-Фернандо. Однако он разочаровался в том, что его школа уделяет особое внимание классическим предметам и методам.

В 1899 году Пикассо вернулся в Барселону и присоединился к толпе художников и интеллектуалов, обосновавшихся в кафе под названием El Quatre Gats («Четыре кота»). Вдохновленный анархистами и радикалами, которых он встретил там, Пикассо сделал решительный отход от классических методов, которым он был обучен, и начал то, что станет процессом экспериментов и инноваций на всю жизнь.

На рубеже 20-го века Пабло Пикассо переехал в Париж, Франция — культурный центр европейского искусства — чтобы открыть собственную студию.К 1905 году Пикассо в значительной степени преодолел депрессию, которая ранее изнуряла его. В 1907 году Пабло Пикассо создал картину, не похожую ни на что из того, что он или кто-либо другой когда-либо писал раньше, работу, которая оказала глубокое влияние на направление искусства в 20-м веке: «Авиньонские девицы», леденящее кровь изображение пяти обнаженных проституток, абстрактный и искаженный с резкими геометрическими чертами и яркими пятнами синего, зеленого и серого цветов.

С началом Первой мировой войны в творчестве Пикассо произошли большие перемены.Он помрачнел и снова занялся изображением действительности. Его работы между 1918 и 1927 годами относятся к его «классическому периоду», краткому возвращению к реализму в карьере, в которой в остальном преобладали эксперименты. Его самые интересные и важные работы этого периода включают «Три женщины у источника» (1921), «Две женщины, бегущие по пляжу / Гонки» (1922) и «Свирели Пана» (1923).

С 1927 года Пикассо увлекся новым философским и культурным движением, известным как сюрреализм, художественное воплощение которого было продуктом его собственного кубизма.

Самая известная сюрреалистическая картина Пикассо, считающаяся одной из величайших картин всех времен, была завершена в 1937 году, во время гражданской войны в Испании. После того, как 26 апреля 1937 года немецкие бомбардировщики, поддерживавшие националистические силы Франсиско Франко, нанесли разрушительный воздушный удар по баскскому городу Герника, Пикассо, возмущенный бомбардировками и бесчеловечностью войны, написал «Гернику». Окрашенная в черный, белый и серый цвета, эта работа является сюрреалистическим свидетельством ужасов войны и изображает минотавра и несколько человекоподобных фигур в различных состояниях страданий и ужаса.«Герника» остается одной из самых трогательных и сильных антивоенных картин в истории.

После Второй мировой войны Пикассо стал более откровенно политическим. Он вступил в Коммунистическую партию и дважды был удостоен Международной Ленинской премии мира, сначала в 1950 году, а затем в 1961 году. К этому моменту своей жизни он также был международной знаменитостью, самым известным из ныне живущих художников мира.

Более поздние картины Пикассо демонстрируют простые детские образы и грубую технику. Пикассо создал воплощение своей более поздней работы «Автопортрет перед лицом смерти», используя карандаш и мелки, за год до своей смерти.

Пабло Пикассо продолжал заниматься искусством и поддерживать амбициозный график в последние годы своей жизни, суеверно полагая, что работа поможет ему выжить. Он умер 8 апреля 1973 года в возрасте 91 года в Мужене, Франция.

Художник и его музы

Древнегреческий топос муз девяти дочерей Зевса и Мнемозины стремился дать имя художественному порыву и художественному вдохновению.Только фигуративное искусство не имело музы-эгиды, рассматриваясь как не более чем физический труд. Как это ни парадоксально, концепция музы для современного ума наиболее тесно связана с живописью, от прерафаэлитских изображений Элизабет Сиддал до картины Люсьена Фрейда «Подать иск на спящего работника».

Культурный критик Жермен Грир сказала, что современная муза занимается обратным проникновением в мужчину-художника, вызывая творчество из «чрева его разума». Но можно ли рассматривать эти отношения как по существу эгоистические, как средство, с помощью которого художник стремится понять и выразить свои собственные чувства и побуждения по отношению к музе, а не к самой музе, изображающей ее?

Для Пабло Пикассо этот принцип кажется верным, о чем свидетельствует само количество женщин, признанных на этой выставке его музами.Ни одна из них не стоит выше других как архетипическая муза, и каждая внесла глубокий вклад в свое художественное направление. После знакомства Пикассо с юной Марией-Терезой Вальтер его брак с Ольгой Хохловой начал рушиться, и в конце концов он покинул супружеский дом. Однако многочисленные нервные срывы Ольги Хохловой, связанные с его изменой, и крах их отношений вдохновили Пикассо на новое направление в творчестве. Диаметральной противоположностью Ольге Хохловой была Дора Маар, самостоятельная художница, которая также влияла на него политически в отношениях, которые были гораздо более двусмысленными в своем взаимном творческом осмосе.

Чтобы показать значение шести муз Пабло Пикассо в развитии его творчества, на выставке в шести соответствующих разделах будут представлены работы, охватывающие почти весь его творческий путь с 1906 по начало 1970-х годов. В отличие от других женщин, которые позировали художнику, эти отношения были необычайно плодотворными для творчества Пикассо и оказали значительное долгосрочное влияние на развитие его стиля. Таким образом, в дискурсе Пикассо они стали эпонимами его творческих периодов: от периода Фернанды до периода Жаклин.

 Nu assis dans un fauteuil Пабло Пикассо.
«Мы действительно хотели рассказать истории, стоящие за портретами, и сделать акцент на женщинах».

Эта работа отражает период семейной жизни, когда Пикассо был в отношениях с Франсуазой Жило, которая родила ему двоих детей

«Женщина-кушетка», 1939 г. , холст, масло.(© Picasso Estate/SODRAC (2016) Изображение: © RMN-Grand Palais / Art Resource, NY Фото: J.G. Berizzi)

Этот персонаж в этой работе — последняя жена Пикассо Жаклин Рок.
В дополнение к 27 картинам подборка из 35 набросков, рисунков, гравюр и скульптур продемонстрирует различные средства массовой информации, в которых работал Пикассо, а также фотографии и биографические данные.

Куратор: Катарина Бейзигель

Каталог

Предлагая новый подход к дискуссиям об одном из величайших художников двадцатого века, книга Пикассо: Художник и его муза исследует значение шести женщин, которые сыграли наиболее важную роль в творческом развитии Пикассо, а также глубоко исследует понятие отношения художника и музы.

В этом издании представлены тексты некоторых ведущих мировых писательниц-искусствоведов, которые охватывают большую часть всей карьеры Пикассо, с 1906 по начало 1970-х годов. Сосредоточив внимание на выдающихся музах на протяжении всей его жизни — Фернанд Оливье, Ольга Хохлова, Мария-Тереза ​​Вальтер, Дора Маар, Франсуаза Жило и Жаклин Рок, — эта книга ясно показывает влияние, которое эти женщины оказали на творчество Пикассо, и их значительное долгосрочное влияние на развитие его творчества.

Редактор каталога: Катарина Бейзигель

Каталог готовится совместно с Black Dog Publishing, Лондон.Язык: английский

Авторы: д-р Сесиль Годфруа (искусствовед и младший научный сотрудник Фонда Альмин и Бернар Руис-Пикассо пара эль Арте, Брюссель), Лоуренс Мадлен (главный куратор Музея искусства и истории, Женева) , бывший музей Пикассо, Париж), доктор Кэтрин Сусслофф (профессор истории искусств, визуального искусства и теории в Университете Британской Колумбии, Ванкувер), Веран Тассо (искусствовед), доктор Гертье Утли (независимый историк искусства и автор книги « Пикассо: коммунистические годы», Нью-Йорк, 2000), Дайана Видмайер Пикассо (искусствовед).