Пикассо какой стиль: направления живописи, цены, рекорды продаж картин — «Лермонтов»

Личный стиль: Как одевался Пабло Пикассо

И почему за ним стоит повторять

Основоположник кубизма, художник, скульптор, график, театральный художник, керамист и дизайнер, Пикассо, очевидно, не боялся экспериментов. И касается это не только творчества, но и личного стиля.

Откуда-то появилось распространенное мнение, что Пикассо был, мягко говоря, равнодушен к одежде и одевался соответственно — как придется. Действительно, у него не было узнаваемого стиля, как у его современников, — не было белого шарфа, как у Жоржа Брака, не было просторного жилета для работы, как у Анри Матисса, не было сверхформального костюма-тройки, как у Василия Кандинского, и закрученных усов, шуб и муравьедов, как у Дали, тоже не было.

Пикассо менял стиль часто и радикально — его творчество и жизнь были поделены на много периодов, и каждый из них выражался в одежде. Видели его и в ярко-красных ботинках, и в носках в клетку аргайл, и в пошитых на заказ костюмах, и в смокинговых брюках, которые однажды превратились в летние шорты.

 

Его близкий друг Брассай писал, что «в душе Пикассо всегда жил денди, но у Пабло не было времени дать ему волю. У него было свое представление об элегантности, и он никогда не одевался «как все». Причудливые жилетки, рубашки необычных расцветок, широкополые шляпы… Он выкидывал разные фортели и чудачества, которые обожали репортеры, эпатировал публику то своим внешним видом, то новым романом, то очередным полотном. Недаром же Сальвадор Дали писал: «Пикассо было прекрасно известно, что белая эмаль для окраски дверей, купленная в лавчонке на углу, эмаль, которой он покрывал свои холсты, через год пожелтеет, как покрытая клеем газетная бумага! Он столь же гениален, сколь разрушителен и анархичен!».

В ранние годы в Париже Пабло ходил в темных комбинезонах и непромокаемых куртках (обычно такие носили рабочие), которые иногда дополнял нарядными широкополыми шляпами и даже галстуками-пластронами. Знаете ведь, романтичная такая шелковая полоска ткани, которую можно повязать и традиционным узлом аскот, и просто красивым бантом.  Затем неожиданно художник переоделся в военную униформу (позаимствованную, видимо, у Брака) и неуклюжие гетры.

Как только художника стали признавать и двери пышных домов стали для него открыты, он сразу же переоделся — ему было не до того, чтобы одеваться вызывающе, а потому в гардеробе Пикассо поселились идеально скроенный костюм, разнообразные галстуки и запонки на французских манжетах.  

И все же это не могло длиться долго: как только Пикассо показал, что может держаться в обществе так же безукоризненно, как и богатые шишки, которые платили ему за картины, он решил больше ничего никому не доказывать. Однажды он сказал, что всегда хотел быть настолько богатым, чтобы жить как кто-то, у кого за душой ни гроша. Теперь он был достаточно известен и обеспечен, чтобы спокойно сменить франтовскую шляпу на берет, строгие туфли — на эспадрильи, а тройку — на шорты и тельняшку. 

И все-таки было видно, что художник любил выделяться, — он мог позволить себе выйти на публику в ироничной шляпе из войлока или индийском головном уборе, мог надеть шотландский килт, а иногда дополнял образы фальшивым носом (не самый повседневный аксессуар, но все же).

С возрастом Пикассо надевал все меньше и меньше. Иногда весь его образ состоял, по сути, из загара и плавок. Но он вполне мог себе это позволить — к тому моменту Пабло считался самым известным и самым фотографируемым художником. Почему бы тогда не позволить себе расслабиться?

Смотрите также: Личный стиль: Как одевался Ремарк.

Как научиться разбираться в живописи Пабло Пикассо за 5 минут / AdMe

По оценкам экспертов, Пабло Пикассо считается самым дорогим художником в мире. Несколько лет назад объем официальных продаж его работ составил $ 262 млн. Кроме того, творческая карьера Пикассо считается одной из самых продолжительных. Она охватывает почти 80 лет, поэтому неудивительно, что за это время художник тяготел к экспериментам — от классицизма и натурализма до кубизма и сюрреализма.

AdMe.ru решил проследить, как менялся почерк и стиль одного из самых известных и почитаемых художников XX века и с чем были связаны эти перемены.

Ранний период (8–20 лет)

Пабло Пикассо (чье полное имя звучит как Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо) родился в 1881 году в Андалузской провинции Испании. Его отец был художником и с ранних лет прививал мальчику любовь к искусству: учил азам живописи и всячески развивал талант сына. Маленький Пабло начал рисовать в 3 года, а в 7 лет уже писал картины маслом. Все ранние работы Пикассо и их цветовая палитра обладают максимальным сходством с оригиналом — художник изображает жизнь и людей такими, какие они есть.

Полотно 1896 года «Портрет матери» (слева на коллаже выше) написано 15-летним художником в Барселоне во время учебы в школе искусств и ремесел.

Одна из последних работ раннего периода — «Нана» (на коллаже справа) — была написана к первой выставке Пабло в Париже. В это время он осваивал методы импрессионистов и подражал им. В итоге критики отметили высокое мастерство начинающего художника, но посоветовали ему искать свой собственный стиль.

«Голубой период» (20–24 года)

К концу 1901 года Пабло находит свой оригинальный стиль и пишет работы, которые впоследствии будут отнесены к так называемому «голубому периоду», поскольку в цветовой палитре художника преобладали холодные и мрачные оттенки синего. На полотнах этого времени превалируют темы печали, нищеты, старости и смерти, а героями картин становятся алкоголики, проститутки и люди из низших слоев общества.

Дело в том, что в 1901 году покончил с собой близкий друг Пикассо. Художник чувствовал вину в том, что не предотвратил трагедию, и пребывал в депрессии. Кроме того, в эти годы Пабло отчаянно нуждался в деньгах и часто голодал. Одним из самых знаменитых полотен «голубого периода» считается картина «Любительница абсента» (слева на коллаже выше).

По иронии судьбы, полотна этого самого тяжелого и голодного периода жизни художника продаются сегодня на аукционах за огромные деньги. Например, картина «Голова Арлекина» (на коллаже справа) была продана на аукционе Sotheby’s за $ 15,2 млн.

«Розовый период» (23–25 лет)

В 1904 году Пикассо окончательно переезжает в Париж. Два последующих года его творчества получили название «розовый период» из-за характерной цветовой палитры. В это время все работы Пабло преисполнены жизнерадостности, изящества и тонкости. Пикассо заводит новых друзей и впервые в жизни серьезно влюбляется в Фернанду Оливье. Влюбленные живут вместе в его мастерской на Монмартре, и жизнь кажется прекрасной. Вскоре у Пабло появляются покровители — писательница Гертруда Стайн и ее брат. Они покупают картины у нуждающегося художника, выставляют их в своей галерее и вводят его в круг парижской богемы.

Главными персонажами работ Пикассо становятся бродячие артисты, акробаты, циркачи и танцовщики. В них Пабло видит много общего с художниками: они тоже бедны и всегда держатся вместе.

Одна из самых известных картин «розового периода» — «Девочка на шаре» (слева на коллаже выше).

Африканский период (26–28 лет)

Этот короткий период творчества художника называют также «протокубическим», или «сезанновским», потому что Пабло находится под серьезным влиянием метода Поля Сезанна.

Пикассо старается максимально упрощать изображение, так как приходит к выводу, что в основе любой сложной формы всегда лежит простой геометризм: куб, шар, цилиндр, конус.

Сюжеты полотен того времени навеяны архаичным искусством Африки, которое художник увидел на этнографической выставке в музее Трокадеро. Для Пабло простое и даже примитивное африканское искусство стало настоящим открытием, поскольку оно несло в себе огромный жизненный и художественный заряд. Древние скульптуры передавали реальность с гораздо большей силой, чем современное европейское искусство.

Аналитический кубизм (28–31 год)

Аналитический кубизм Пикассо изменил развитие всего искусства XX века. Он стал родоначальником этого направления в живописи вместе с французским художником Жоржем Браком. Философия этого стиля заключалась в том, что живопись способна на большее, чем просто изобразить то, что видит глаз человека. Пабло ищет способ показать мир таким, какой он есть, поэтому старается писать «не то, что видит, а то, что знает».

Сначала художник экспериментирует с цветом: он уничтожает цветность, так как считает, что это просто обман зрения. Плотна аналитического кубизма отличает их монохромность. Потом Пикассо избавляет от фактуры вещей — скрупулезное выписывание деталей предметов, волосков и морщинок уже неактуальны.

В это время Пабло пишет довольно много портретов своей возлюбленной Фернанды, в частности картину «Женщина с грушами» (на коллаже слева). Именно в этих работах он оттачивает свой новый метод видения формы.

Синтетический кубизм (31–36 лет)

Синтетический кубизм характеризуется изменением колористики: Пикассо начинает добавлять в картины яркие цвета. Кроме того, в полотнах появляются узнаваемые предметы: ключ, трубка, бутылка, бокал, музыкальный инструмент. Таким образом, картины синтетического кубизма становятся больше похожими на коллажи. Причем художник использует для их создания не только краски, но и папье-маше, газеты, нотные листы и опилки, чтобы придать поверхности больше фактуры.

Наиболее известной стала серия его полотен-коллажей «Гитары».

Свое название этот период получил потому, что Пикассо синтезирует, объединяет 2 реальности — художественную и настоящую.

Классицизм (36–44 года)

Это очень насыщенный и яркий период в жизни и творчестве Пабло. В это время он сотрудничает с Русским балетом Дягилева, вместе с труппой едет в Рим и влюбляется в русскую балерину Ольгу Хохлову. Вскоре пара играет свадьбу, у них рождается сын Пауло.

Новая среда — театр, балет, путешествия — требуют реалистичного изображения, и Пикассо отказывается от кубизма в пользу античного классицизма. Кроме того, художник теперь вращается в новой для себя респектабельной среде, к которой питает слабость его супруга. Также Ольга требует от мужа, чтобы на его портретах и она, и их сын были узнаваемыми, и Пабло не может отказать ей в этой просьбе.

Сюрреализм (44–56 лет)

Когда Пикассо было 45 лет, его отношения с Ольгой Хохловой начали ухудшаться, и он познакомился с 17-летней француженкой Марией-Терезой Вальтер. Девушка стала его натурщицей и новой музой. Также в этот период Пабло много общается с сюрреалистами, и это направление в живописи начинает оказывать на его творчество огромное влияние. Переход к сюрреализму можно описать выражением самого художника: «Я изображаю предметы так, как я думаю о них, а не так, какими я их вижу».

Одной из самых ярких картин того времени считается полотно «Читающие женщины» (справа на коллаже выше). На нем нарисованы Мария-Тереза и ее сестра. Позднее картина была продана на аукционе Sotheby’s за $ 21,3 млн.

Конец 30-х и война (56–64 года)

Предчувствие скорой войны в Европе и страхи из-за возрастания сил фашизма и франкизма нашли отражение и в творчестве Пикассо. В это время он создает знаменитую серию «Плачущие женщины», которую посвящает всем женщинам той эпохи. Его главной музой в этот период была художница и фотограф Дора Маар — именно ее он чаще всего изображает на своих полотнах и в ее портретах воплощает все ужасы войны.

В 1937 году Пабло Пикассо пишет, пожалуй, свою самую известную картину — «Герника» (на фото внизу). Так художник откликается на бомбардировку фашистами испанского города Герника. Полотно стало актуальным антифашистским манифестом, который стремительно распространился по Европе.

Послевоенный период (65–73 года)

Этот период в жизни художника можно назвать временем обновления и надежд. В послевоенные годы Пикассо влюбляется в юную художницу Франсуазу Жило, и вскоре пара перебирается жить в свой дом на юге Франции, где у них родились 2 детей.

Пабло часто пишет свою возлюбленную. Ее свежий и яркий образ на картинах обычно далек от натуралистичности, но всегда узнаваем. Однако семейного счастья не получилось — непростой характер и частые измены художника вынудили Франсуазу забрать детей и уйти от него. Это был первый раз, когда женщина оставила Пикассо, а не наоборот. Находясь в тяжелом состоянии после ухода возлюбленной, он пишет картину «Тень, падающая на женщину» (на коллаже справа).

Поздний период (73–92 года)

Пабло Пикассо продолжал рисовать до последних дней. Его работы в это время включают в себя множество стилей и элементов прошлых периодов, поэтому они весьма разнообразны и неодинаковы по качеству. Так, его картина «Алжирские женщины. Версия О», написанная в этот период, была продана в 2015 году за $ 179 млн и стала самой дорогой картиной в мире, когда-либо проданной с аукциона.

В это время его музой была Жаклин Рок. Вместе они прожили 11 лет, и за это время художник создал более 400 ее портретов — больше, чем любой другой из своих женщин. Картина «Жаклин со скрещенными руками» — одна из первых работ этой серии — была написана Пабло за один день.

Последней картиной гения стало полотно под названием «Лежащая обнаженная голова» 1973 года. Еще накануне Пабло Пикассо трудился над нею в своей мастерской, а на следующее утро он умер на 92-м году жизни. За 76 лет творчества художник создал около 20 тыс. работ.

Бонус

Недавно американские ученые раскрыли секрет одной из картин Пикассо «голубого периода» — «Нищенка, сидящая на корточках». Исследователи применили метод рентгенофлуоресцентного анализа и обнаружили, что под полотном скрыта картина другого художника. Пикассо написал свою работу поверх старой, на которой был изображен пейзаж Барселоны.

Картины какого периода творчества Пабло Пикассо вам наиболее близки?

Пикассо какой стиль. Пабло пикассо и семь его главных женщин

), полное имя Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Киприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо (исп. Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Martyr Patricio Ruíz y Picasso ) — испанский художник , скульптор, график, керамист и дизайнер.

Эксперты назвали Пикассо самым «дорогим» художником — в году объем только официальных продаж его работ составил 262 млн.

Первые работы

Пикассо начал рисовать с самого детства, первые уроки художественного мастерства Пикассо получил у своего отца — учителя рисования Х. Руиса, и вскоре владел им в совершенстве. В 8 лет он рисует свою первую серьезную картину маслом, Пикадора , с которой он не расставался в течение всей жизни.

Пикассо учился в школе искусств в Ла-Корунье ( -). В году он поступает в школу изящных искусств в Барселоне . Сначала он подписывается своим именем по отцу Ruiz Blasco , но затем выбирает фамилию матери Picasso . В сентябре он уезжает в Мадрид , где в октябре проходит конкурс в академию Сан-Фернандо.

Произведение переходного периода — от «голубого» к «розовому» — «Девочка на шаре » (1905, Музей изобразительных искусств, Москва).

Во время римской подготовки «Парада» Пикассо познакомился с балериной Ольгой Хохловой, которая стала его первой женой. 12 февраля года они заключают брак в русской церкви в Париже , свидетелями на их свадьбе были Жан Кокто , Макс Жакоб и Гийом Аполлинер . У них рождается сын Поль (4 февраля ).

Эйфорическая и консервативная атмосфера послевоенного Парижа , женитьба Пикассо на Ольге Хохловой, успех художника в обществе — все это отчасти объясняет этот возврат к фигуративности, временный и притом относительный, поскольку Пикассо продолжает писать в то время ярко выраженные кубистические натюрморты («Мандолина и гитара», 1924). Наряду с циклом великанш и купальщиц, картины, вдохновленные «помпейским» стилем («Женщина в белом», 1923), многочисленные портреты жены («Портрет Ольги», пастель , 1923) и сына («Поль в костюме Пьеро») являют собой одни из самых пленительных произведений, когда-либо написанных художником, даже при том, что своей слегка классической направленностью и пародийностью они несколько озадачили авангард того времени.

Сюрреализм

Пикассо оказал громадное влияние на художников всех стран, став одним из самых известных мастеров в искусстве XX века .

Галерея

Пикассо Пабло (25.10.1881-08.04.1973) – испанский художник, график, скульптор, керамист. Внес серьезный вклад в развитие изобразительного искусства, один из основоположников кубизма. Является автором неподдающегося счету работ, которые лидируют по своей стоимости и чаще других подвергаются похищению.

Юные годы

Пабло родился в провинциальном испанском городе Малага, позже семья перебралась в Барселону. Он взял фамилию матери, потому что отцовская ему казалась слишком простой. Пикассо был убежден, что стремление творить передала ему мать, рассказывавшая ему сказки, основываясь на пережитых за прошедший день впечатлениях.

Мальчик пошел по стопам отца Хосе Руиса, который был художником, и с семилетнего возраста стал осваивать технику рисования, дописывая картины Хосе. Первая собственная работа «Пикадор», написанная в 8 лет, которую он бережно хранил всю жизнь. Когда Пабло было тринадцать, ему доверили дорисовать большую часть натюрморта. Существует версия, что отец мальчика, увидев результат, бросил изобразительное искусство.

За неделю Пикассо подготовился к вступительным экзаменам в Академию художеств в Барселоне и с легкостью прошел их, несмотря на слишком малый возраст. В те времена лучшая школа искусств находилась в Мадриде, и Хосе мечтал, чтобы сын учился именно там. В 1897 году Пабло перебрался в столицу. Его больше интересовал опыт художников, а не классические лекции, которые навевали на юношу тоску. Он изучал работы в музеях, впервые посетил Париж.

Спустя год Пикассо вернулся в Барселону, где стал членом сообщества художников Els Quatre Gats. В одноименном кафе в 1900 году состоялись его первые выставки. Здесь же он познакомился со своими приятелями Х. Сабартесом и К. Касахемасом, ставшими впоследствии героями его работ.

Творчество художника было продуктивным и всегда находилось в состоянии развития. Поэтому его творческую жизнь принято рассматривать по периодам.

Голубой и розовый периоды (1901-1906)

Художник стал совершать поездки в Париж, где изучал импрессионизм. В те годы он сталкивался с трудностями. Покончил с собой его друг Карлос Касахемас, из-за чего Пикассо сильно переживал. Работы до 1904 года относят к «голубому периоду». Тогда стиль художника характеризовался печальными образами, тематикой нищеты и смерти. Его персонажами были алкоголики, падшие женщины, слепцы и нищие. В цветовой палитре преобладали голубые оттенки. К работам того времени относятся «Женщина с шиньоном», «Любительница абсента», «Свидание», «Трагедия» и др.

С 1904 года, когда Пикассо переезжает в Париж, где поселяется в бедняцком общежитии для художников, здесь и берет начало «розовый период». Известную во всем мире «Девочку на шаре» относят к переходному времени. Краски на полотнах художника оживляются, появляются розовые и золотистые тона. Тематика сменяется на театрально-цирковую, а героями картин становятся странствующие артисты. В жизни Пабло появляется модель Фернанда Ольвье, которая стала его вдохновителем. Тогда были написаны: «Шут», «Сидящий арлекин», «Девочка с козлом» и др.

«Семья комедиантов» (1905) – существует предположение, что на полотне изображены люди из окружения художника

Переход к кубизму

Если на ранних этапах Пикассо экспериментировал с цветами, передачей на холст эмоций, то после 1906 года он стал изучать форму, интересоваться скульптурой, африканской культурой, коллекционировать ритуальные маски. Ему стало неинтересно рисовать конкретного человека, Пабло привлекали формы и структура, их искажения. Первая работа нового стиля ¬– «Авиньонские девицы» – повергла в настоящий шок друзей художника. В 1907 году он познакомился с Жоржем Браком, вместе с которым они становятся авторами совершенно нового направления – кубизма.

Поначалу работы Пикассо нового периода были в коричнево-зеленоватых тонах, несколько размытыми, изображение состояла из простых форм («Три женщины», «Женщина с веером», «Бидон и миски»). В 1909-1910 годах предмет изображается состоящим из более мелких частей с четким разделением («Портрет Фернанды Оливье», «Портрет Канвейлера»). Далее на картинах появляются конкретные предметы, натюрморты, стиль коллажа («Бутылка перно», «Скрипка и гитара»).

«Портрет Воллара» (1910) автор считал лучшим кубистическим портретом. Картины Пикассо начинают неплохо продаваться, несмотря на отрицание кубизма большинством. К 1909 году материальное положение Пабло улучшается, и он перебирается в большую мастерскую.

Период кубизма заканчивается с наступлением Первой мировой войны, когда ему пришлось расстаться со многими единомышленниками, в том числе с Ж. Браком. Но отдельные приемы кубистического стиля Пикассо еще долго будет использовать в своих работах.

Русский балет и сюрреализм

В 1916 году Пикассо предложили принять участие в постановке русского балета С. Дягилева. Эта идея увлекла художника, вместе с балетной труппой он едет в Рим, где занимается декорациями и эскизами костюмов. Там он встречает балерину Ольгу Хохлову, на которой женится в Париже в 1918 году. В 1921 году появляется на свет их сын. В то же время художник несколько меняет стиль, в работах появляются светлые тона («Купальщицы», «Портрет Ольги в кресле»).

С 1925 года в семейной жизни и творческой деятельности художника начинается сложный период, сочетающийся с влиянием сюрреалистических настроений. В его картинах прослеживаются признаки агрессии, абсурда, истерии, рваные образы («Женщина в кресле», «Сидящая купальщица»). В 1932 году он встречает Марию-Терезу Вальтер, которая становится его моделью, рожает ему дочь. Пикассо создает скульптуры («Лежащая женщина», «Конструкция» и др. ).

Война и послевоенное время

В 30-х годах на полотнах художника появляется образ быка, несущего с собой агрессию и смерть. Во время войны в 1937 году был разрушен испанский город «Герника». Пикассо на фоне этих событий создает свою «Гернику» – большое полотно длиной 8 метров и шириной 3,5 метра в черно-белых тонах. Картина передает боль и ужас людей, пострадавших от немецких налетчиков. Война сильно повлияла на работы художника, которые стали мрачными и тревожными («Бойня», «Плачущая женщина»).

В 1945 году Пабло встречает Франсуазу Жило, будущую мать его двоих детей. Эта женщина вдохновляет художника на создание полотен с семейными образами. После переезда на средиземноморский юг Франции он увлекается керамикой, его работы становятся более гармоничными и ироничными. Среди них много блюд, тарелок, скульптур. В 1949 году художник создает всем известного «Голубя мира». В 1953 году Франсуаза уходит от Пабло из-за его непростого характера и измен.

Пикассо снова женится в 1958 году, его избранницей становится Жаклин Рок, которая в два раза младше него, для жены он написал более 400 портретов. Среди картин 50-х годов наиболее известны вариации работ по Мане, Гойя, Делакруа и др.

Пикассо с супругой Ж. Рок – фото, представленное на выставке «Пикассо и Жаклин» в Нью-Йорке

Последние годы художника

На закате жизни для Пикассо были характерны разноплановые работы, однако, как и всегда, лидировали женские образы. Его последней музой была до конца верная художнику жена. Жаклин ухаживала за ним до последних дней, когда он ослеп, почти не слышал и был очень болен. Умер Пикассо во французском городе Мужене, похоронен у своего замка Вовенарг.

Еще при жизни художника его другом в 1963 году был создан музей с работами Пикассо в Барселоне, теперь он занимает пять особняков и насчитывает более 3,5 тысячи экспонатов. В 1985 году начал работу парижский музей Пикассо, в 2003 – музей в Малаге. Художник оказал сильнейшее влияние на культуру своего времени.

Любопытные факты

• Начиная свое творчество в нищенстве, великий художник умер мультимиллионером.
• Работа «Алжирские женщины» ушла с нью-йоркского аукциона за 179 миллионов долларов в 2015 году. Более дорогой картины не было еще продано ни на одном аукционе мира.
• По оценкам экспертов Пикассо создал более двадцати тысяч работ.
• Автомобильная компания Citroen назвала именем художника несколько моделей машин.
• Младшая дочь Пикассо Палома является дизайнером в транснациональной ювелирной компании Tiffany.
• После смерти Пабло Пикассо ушли из жизни и несколько его близких: внук от первой жены в день похорон художника выпил хлорку из-за запрета присутствовать на церемонии; в 1975 году умер сын Поль от цирроза; в 1977 году покончила с собой Мария-Тереза Вальтер; в 1986 году – вдова Пикассо Жаклин.

Родился Пабло Пикассо 25 октября 1881 г. в Испании в г. Малага в семье художника Хосе Руиса Бласко. Талант будущий художник начал демонстрировать рано. Уже с 7 лет мальчик дописывал некоторые детали на картинах отца (первой такой работой были лапки голубей). В 8 лет была написана первая серьезная картина маслом под названием «Пикадор».

«Пикадор» 1889

В 13 лет Пабло Пикассо стал студентом Академии художеств в Барселоне — на вступительных экзаменах Пабло настолько хорошо себя показал, что комиссия приняла его в академию не смотря на юный возраст.

В 1897 г. Пикассо уехал в Мадрид для поступления в Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо. Но проучился там Пабло не больше года — слишком скучно и тесно было юному таланту в академии с ее классическими традициями. В Мадриде юношу больше увлекала бурная жизнь мегаполиса. Так же много времени Пабло посвящал изучению работ таких художников, как Диего Виласкес, Франциско Гойя и Эль Греко, которые произвели на художника большое впечатление.

В те годы художник впервые посетил Париж, считавшейся тогда столицей искусств. Он месяцами жил в этом городе, посещая различные музеи, с целью изучения работ мастеров живописи: Ван Гога, Гогена, Делакруа и многих других. Пикассо будет часто посещать Париж в дальнейшем, а позже этот город увлечет его настолько, что Пикассо решит окончательно переехать туда (1904г.).

Наиболее известные работы Пабло Пикассо, написанные им в ранний период (до 1900)

«Портрет матери» 1896

«Знание и милосердие» 1897

«Первое причастие» 1896

«Автопортрет» 1896

«Матадор Луис Мигель Доминген» 1897

«Испанская пара перед гостиницей» 1900

«Босоногая девочка. Фрагмент» 1895

«Человек на берегу пруда» 1897

«Человек в шапке» 1895

«Бульвар Клиши» 1901

«Портрет отца художника» 1895

Следующий период в творчестве Пабло Пикассо называют «голубым». В 1901 — 1904 гг. в палитре Пикассо преобладали холодные цвета — в основном голубой и его оттенки. В это время Пикассо поднимал темы старости, бедности, нищеты, характерным настроением картин этого периода были меланхолия и печаль. Художник отображал человеческие страдания, рисуя слепых, нищих, алкоголиков и проституток и т.п. — именно они были главными персонажами «голубого» периода.

Работы «голубого» периода (1901-1904)

«Завтрак слепого» 1903

«Мать и дитя» 1903

«Любительница абсента» 1901

«Гладильщица» 1904

«Нищий старик с мальчиком» 1903

«Жизнь» 1903

«Две сестры (Свидание)» 1902

«Голубая комната (Ванна)» 1901

«Гурман» 1901

«Сидящая женщина в капюшоне» 1902

В «розовом» периоде (1904 — 1906) главной темой в творчестве художника был цирк и его персонажи — акробаты и комедианты. Преобладали яркие жизнерадостные цвета. Любимым персонажем этого периода можно назвать арлекина, который наиболее часто встречался в работах Пикассо. Помимо цирка вдохновляла его еще и модель Фернанда Оливье, с которой познакомился в 1904 г., в самом начале «розового» периода. Её же была музой художника на протяжении всего периода.

Работы «розового» периода (1904 — 1906)

«Акрабат и арлекин» 1905

«Девочка с козлом» 1906

«Мальчик, ведущий лошадь» 1906

«Семейство комедиантов» 1905

«Крестьяне» 1906

«Обнаженная женщина с кувшином» 1906

«Причесывание» 1906

«Женщина с хлебом» 1905

«Два акрабата с собакой» 1905

«Туалет» 1906

Одну из известнейших картин П. Пикассо «Девочка на шаре» (1905), которая сейчас находится в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, некоторые специалисты называют переходной от «голубого» периода к «розовому».

«Девочка на шаре» 1905

Переломным моментом в творчестве Пикассо стал портрет Гертруды Штейн, написанный им в 1906 году.

Работа над портретом была тяжелой — художник около 80 раз переписывал портрет и в итоге Пикассо отдалился от портрета как жанра изобразительного искусства в своем классическом понимании. Все дальнейшее творчество Пикассо можно охарактеризовать всего лишь одной его фразой «Надо писать не то, что вижу, а то что знаю». Именно этой установки П. Пикассо и старался придерживаться до конца своей жизни.

Кубизм

Этот большой период в творчестве Пабло Пикассо делиться на несколько этапов. Это время полного отказа от детализации персонажей: предмет и фон почти сливаются воедино, нет четко очерченных границ. Пикассо был убежден, что художник может больше, чем просто показывать то, что видит глаз.

Первый этап «сезанновский» он же «африканский» период. Этот этап отличается построением изображений с помощью простых- геометрических форм и преобладанием мутных размытых зеленых, охристых и коричневых тонов.

В 1907-1909 гг внимание художника было устремленно на африканское искусство, с которым он впервые познакомился в 1907 году на этнографической выставке в музее Трокадеро. Отныне в творчестве Пикассо стали преобладать простые, даже примитивные формы изображаемых предметов. В технике художник стал употреблять грубую штриховку. Первой картиной выполненной в «африканском» стиле считается «Авиньонские девицы» 1907 г.

Эта картина писалось автором на протяжении года. Ни с одной своей картиной Пикассо не работал так долго. В итоге эта работа так отличалась от предыдущих его картин, что была неоднозначно воспринята общественностью. Но нащупав новый, интересный для него стиль, Пикассо не собирался отступать и на протяжении 2 лет художник всячески развивал его.

Работы «сезанновского» кубизма («Африканский» период) (1907 — 1909)

«Фермерша» 1908

«Голова мужчины» 1907

«Купальщица» 1909

«Натюрморт с чашей и кувшином» 1908

«Обнаженная с драпировкой (Танец с покрывалами)» 1907

«Портрет Мануэля Пальяреса» 1909

«Три фигуры под деревом» 1907

«Бокалы и фрукты» 1908

«Бюст человека (Спортсмен)» 1909

«Женщина» 1907

В аналитическом периоде Пикассо пришел к осознанию того, что нужно полностью сосредоточиться на объеме и форме предметов, отодвинув на задний план цвет. Таким образом отличительной чертой аналитического кубизма стала монохромность. Так же стоит отметить структуру работ этого периода — художник словно дробит предметы на мелкие фрагменты. Между разными вещами пропадает грань и все воспринимается как единое целое.

Работы «аналитического» кубизма (1909-1912)

«Человек с гитарой» 1911

«Человек со скрипкой» 1912

«Аккордионист» 1911

«Натюрморт с бутылкой ликера» 1909

«Поэт» 1911

«Портрет Фернанды» 1909

«Портрет Вильгельма Уде» 1910

«Сидящая обнаженная» 1910

«Женщина в зеленом» 1909

«Женщина в кресле» 1909

Началом синтетического периода стала картина «Воспоминания о Гавре», написанная Пабло Пикассо в 1912 г. В этой картине появились более яркие краски, не присущие аналитическому кубизму.

Монохромные работы вновь уступили место цвету. В основном на картинах этого периода преобладали натюрморты: бутылки вина, ноты, столовые приборы и музыкальные инструменты. Для разбавления абстрактности в работе над картинами использовались реальные предметы, такие как: веревки, песок, обои и т.д.

Работы «синтетического» кубизма (1912-1917)

«Человек у камина» 1916

«Человек в цилиндре» 1914

«Бокал и игральные карты» 1912

«Гитара» 1912

«Натюрморт с фруктами на столе» 1914-1915

«Пьедестал» 1914

«Столик в кафе (Бутылка Перно)» 1912

«Харчевня (Ветчина)» 1914

«Зеленый натюрморт» 1914

«Человек с трубкой, сидящий в кресле» 1916

Несмотря на то, что кубизм активно критиковали многие, работы этого периода хорошо продавались и Пабло Пикассо наконец-то прекратил нищенствовать и переехал в просторную мастерскую.

Следующим периодом в творчестве художника стал неоклассицизм, которому положила начало женитьба Пикассо на русской балерине Ольге Хохловой в 1918 г. Этому предшествовала работа Пабло над декорациями и эскизами костюмов к балету «Парад» 1917 г. Именно выполняя эту работу художник познакомился с Ольгой Хохловой.

Занавес к балету «Парад» 1917

Программка балета Парад с рисунком Пикассо. 1917

Китайский маг, в костюме Пикассо, современная интерпретация, 2003

Персонаж французского «управителя» (зазывалы)

Этот период очень далек от кубизма: реальные лица, светлые тона, правильные формы… На подобные перемены в творчестве его вдохновляла русская жена, которая привнесла много нового в жизнь Пабло. Поменялся даже образ жизни художника — посещение светских раутов, костюмированных балетов и т.д. Одним словом Пикассо начал вращаться в светской среде, что ранее ему было чуждо. За такой резкий переход от кубизма к классицизму Пикассо многие критиковали. На все претензии художник ответил в одном из своих интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано».

Работы периода неоклассицизма (1918 — 1925)

«Чтение письма» 1921

«Купальщицы» 1918

«Любовники» 1923

«Мать и дитя» 1921

«Ольга Хохлова в мантилье» 1917

«Ольга Пикассо» 1923

«Первое причастие» 1919

«Пьеро» 1918

«Портрет Ольги в кресле» 1917

«Портрет Паула» сына художника 1923

«Спящие крестьяне» 1919

«Три купальщицы» 1920

«Женщина с ребенком на берегу моря» 1921

«Женщина в мантилье» 1917

«Женщины, бегущие по берегу» 1922

В 1925 году художник написал картину «Танец», которая в полной мере отражает проблемы в личной жизни художника в это время.

Зимой 1927 года Пикассо встречает свою новую музу — семнадцатилетнюю Марию Терезу Вальтер, которая стала персонажем многих картин периода сюрреализма. В 1935 году у пары родилась дочь Майя, однако в 1936 году Пикассо уходит от Марии Терезы и от Ольги Хохловой, с которой он так и не оформит официального развода вплоть до самой смерти Ольги в 1955 г.

Работы периода сюрреализма (1925 — 1936)

«Акрабат» 1930

«Девушка, бросающая камень» 1931

«Фигуры на пляже» 1931

«Натюрморт» 1932

«Обнаженная и натюрморт» 1931

«Обнаженная на пляже» 1929

«Обнаженная на пляже» 1929

«Женщина с цветком» 1932

«Сон(портрет любовницы художника Марии Терезы Валтер)» 1932

«Обнаженная в кресле» 1932

«Обнаженная в кресле» 1929

«Поцелуй» 1931

В 30-е и 40-е годы героем многих полотен Пикассо стал бык, Минотавр. Минотавр в творчестве художника — олицетворение разрушительной силы, войны и смерти.

«Минотаврия» 1935

«Палитра и голова быка» 1938

«Баранья голова» 1939

«Натюрморт с бычьим черепом» 1942

«Череп быка, фрукты, кувшин» 1939

«Три бараньи головы» 1939

Весной 1937 года маленький город Испании Герника немецкие фашисты буквально стерли с лица земли. Это событие Пикассо не мог оставить без внимания и так на свет появилась картина «Герника». Эту картину можно назвать апофеозом темы Минотавр. Размеры картины впечатляют: длина — 8 м, ширина — 3,5 м. Известен один случай, связанный с картиной. Во время обыска, который устроил гестапо офицер-нацист обратил внимание на картину и спросил Пикассо: «Это вы сделали?» на что художник ответил «Нет. Это сделали вы!».

«Герника» 1937

Параллельно полотнам о Минотаврах, Пабло Пикассо создает серию о монстрах . Эта серия выражает позицию художника во время гражданской войны в Испании, в которой он поддерживал республиканцев и выступал против политики диктатора Франко.

«Мечты и ложь генерала Франко» (1937)

«Мечты и ложь генерала Франко» (1937)

Всю Вторую мировую войну Пабло Пикассо жил во Франции, где художник в 1944 году стал членом Французской коммунистической партии.

Работы военного времени (1937-1945)

«Фазан» 1938

«Голова женщины в шляпе» 1939

«Мария Тереза в венке» 1937

«Мастерская художника» 1943

«Майя с куклой» 1938

«Молящая» 1937

«Натюрморт» 1945

«Плачущая женщина с платком» 1937

«Птицы в клетке» 1937

«Раненная птица и кот» 1938

«Склеп» 1945

«Женщина в красном кресле» 1939

В 1946 году художник работал над картинамии панно для замка семьи Гримальди в Антибе (курортный город Франции). В первом зале замка было установлено панно под названием «Радость жизни». Основными персонажами этого пано были сказочные существа, фавны, кентавры и обнаженные девушки.

«Радость бытия» 1946

В этом же году Пабло познакомился с молодой художницей Франсуазой Жило, с которой они поселились в замке Гримальди. Позже у Пикассо и Франсуазы родились двое детей — Палома и Клод. В это время художник часто рисовал своих детей и Франсуазу, но долгой идиллия не продлилась: в 1953 году Франсуаза забрала детей и ушла от Пабло Пикассо. Франсуаза больше не могла терпеть постоянные измены художника и его тяжелый характер. Это расставание художник переживал очень тяжело, что не могло не отразиться на творчестве. Доказательство тому рисунки тушью, на которых уродливый старик-карлик с красивой молодой девушкой.

Один из самых известных символов «Голубя мира» был создан в 1949 году. Впервые он появился на Всемирном конгрессе сторонников мира в Париже.

В 1951 году Пикассо была написана картина «Резня в Корее», которая повествует о зверствах той «забытой» войны.

«Резня в Корее» 1951

В 1947 году художник переезжает на юг Франции, в город Валлорис. Именно в этом городе он увлекся керамикой. Вдохновила Пикассо на такое увлечение ежегодная выставка керамики в Валлорисе, которую он посетил еще в 1946 году. Особый интерес художник проявил к изделиям из мастерской Мадура, в которой он позже и работал. Работа с глиной позволяла признанному живописцу и графику забыть ужасы войны и окунуться в иной радостный и безмятежный мир. Сюжеты для керамики самые простые и незамысловатые — женщины, птицы, лица, сказочные персонажи… Керамике Пикассо даже посвящена книга «Керамика Пикассо» И. Каретников, вышедшая в 1967 году.

Пикассо в мастерской Мадура

Пикассо Пабло (1881-1973), французский художник.

Живописи учился сначала у своего отца X. Руиса, затем в школах изящных искусств: в Ла-Корунье (1894-1895 гг.), Барселоне (1895 г.) и Мадриде (1897- 1898 гг.).

С 1904 г. Пикассо почти постоянно жил в Париже.

Первые его значительные произведения относятся к 10-м гг. XX в. Картины «голубого периода» (1901-1904 гг. ) написаны в сумрачной гамме голубых, синих и зелёных тонов.

В работах «розового периода» (1905-1906 гг.) преобладают розово-золотистые и розово-серые оттенки. Оба цикла посвящены теме трагического одиночества слепых, нищих, бродяг, романтической жизни странствующих комедиантов («Старый нищий с мальчиком», 1903 г.; «Девочка на шаре», 1905 г.).

В 1907 г. Пикассо создал полотно «Авиньонские девушки», ознаменовавшее решительный разрыв с реалистической традицией и переход в лагерь художников, исповедующих авангардизм.

Увлечение африканской скульптурой приводит его к основанию нового направления — кубизма. Пикассо разлагает предмет на составные геометрические элементы, оперируя комбинациями ломающихся плоскостей и громоздящихся объёмов, превращая реальность в игру отвлечённых деталей («Дама с веером», 1909 г.; портрет А. Воллара, 1910 г.).

С середины 10-х гг. XX вв. он начинает экспериментировать с фактурами, используя в произведениях обрывки газет, кусок скрипки и т. д. Коллаж «Бутылка аперитива» (1913 г.) и композиция «Три музыканта» (1921 г.) завершают период кубизма, и в творчестве Пикассо возникают неоклассические тенденции. Это нашло отражение в таких работах, как «Три женщины у источника» (1921 г.), «Мать и дитя» (1922 г.), иллюстрации к «Метаморфозам» Овидия (1931 г.), серия «Мастерская скульптора» (1933-1934 гг.). В неоклассицизме Пикассо преобладают настроения сказочной идиллии и графическое изящество линий.

В 10-20-х гг. XX в. Пикассо создаёт также множество рисунков, на которых представлены образы людей из народа («Рыбак», 1918 г.; «Отдыхающие крестьяне», 1919 г.).

Со второй половины 30-х гг. его творчество всё сильнее пронизывают отзвуки современных событий («Плачущая женщина», 1937 г.; «Кот и птица», 1939 г.). В 1936-1939 гг. Пикассо становится видным деятелем Народного фронта во Франции, активно участвует в борьбе испанского народа с режимом Франко. В это время рождается серия «Мечты и ложь генерала Франко» (1937 г.). Гневным протестом против фашистского террора является монументальное панно «Герника» (1937 г. ).

В годы Второй мировой войны Пикассо оставался в оккупированной немецко-фашистскими войсками Франции и принимал участие в движении Сопротивления. В 1944 г. художник вступил в ряды Французской коммунистической партии. В работах послевоенного времени преобладают антивоенные сюжеты («Голубь мира», 1947 г.; панно «Мир» и «Война», 1952 г.).

Со второй половины 40-х гг. творчество Пикассо становится наиболее разнообразным. Помимо станковых живописных произведений, в которых художник возвращается к античным мотивам или пародирует картины старых мастеров (например, «Менины» Д. Веласкеса), он работает и как скульптор («Человек с ягнёнком», бронза, 1944 г.), керамист (около 2000 изделий), график.

В 1950 г. Пикассо был избран во Всемирный совет мира.

Вряд ли найдется человек на планете, которому не знакомо имя Пабло Пикассо. Основатель кубизма и художник множества стилей повлиял в 20 веке на изобразительное искусство не только Европы, но и всего мира.

Художник Пабло Пикассо: детство и годы обучения

Один из ярчайших родился в Малаге, в доме на площади Мерсед, в 1881 году, 25 октября. Ныне там располагается музей и фонд имени П. Пикассо. Следуя испанской традиции при крещении, родители дали мальчику достаточно длинное имя, которое представляет собой чередование имен святых и самых близких и почитаемых в семье родственников. В конечном счете его знают по самому первому и последнему. Фамилию Пабло решил взять материнскую, посчитав отцовскую слишком простой. Талант и тяга к рисованию у мальчика проявились с самого раннего детства. Первые и очень ценные уроки ему преподнес отец, который тоже был художником. Звали его Хосе Руис. Свою первую серьезную картину он написал в восемь лет — «Пикадор». Можно смело утверждать, что именно с нее началось творчество Пабло Пикассо. Отец будущего художника получил предложение о работе преподавателя в Ла-Корунье в 1891 году, и вскоре семья переехала на север Испании. Там же Пабло в течение года проходил обучение в местной школе искусств. Затем семья перебралась в один из красивейших городов — Барселону. Юному Пикассо на тот момент было 14 лет, и он был слишком молод для того, чтобы учиться в Ла-Лонху (школа изящных искусств). Однако отец смог добиться того, чтобы его допустили к вступительным экзаменам на конкурсной основе, с которыми он справился блестяще. Спустя еще четыре года родители приняли решение устроить его в лучшую на тот момент передовую школу искусств — «Сан Фернандо» в Мадриде. Учеба в академии быстро наскучила юному дарованию, в ее классических канонах и правилах ему было тесно и даже скучно. Поэтому больше времени он посвящал Музею Прадо и изучению его коллекций, а спустя год вернулся в Барселону. К раннему периоду его творчества относятся картины, написанные в 1986 году: «Автопортрет» Пикассо, «Первое причастие» (на ней изображена сестра художника Лола), «Портрет матери» (на фото ниже).

Во время пребывания в Мадриде он впервые совершил где изучил все музеи и живопись самых великих мастеров. Впоследствии он приедет в этот центр мирового искусства неоднократно, а в 1904 году переберется окончательно.

«Голубой» период

Этот временной промежуток можно рассматривать как именно в это время начинает проявляться в творчестве Пикассо его индивидуальность, все еще подверженная постороннему влиянию. Известный факт: талант творческих натур проявляет себя максимально ярко в сложных жизненных ситуация. Именно так и случилось с Пабло Пикассо, произведения которого теперь известны всему миру. Взлет был спровоцирован и произошел после продолжительной депрессии, вызванной смертью близкого друга Карлоса Касагемаса. В 1901 году на выставке, организованной Волларом, были представлены 64 работы художника, однако на тот момент они еще были полны чувственности и яркости, явно ощущалось влияние импрессионистов. В свои законные права «голубой» период его творчества вступал постепенно, проявляя себя жесткими контурами фигур и утерей трехмерности изображения, уходом от классических законов художественной перспективы. Палитра красок на его полотнах становится все более однообразной, акцент делается на синий цвет. Началом периода можно считать «Портрет Хайме Сабартеса» и автопортрет Пикассо, написанные в 1901 году.

Картины «голубого» периода

Ключевыми в этот период для мастера стали такие слова, как одиночество, страх, вина, боль. В 1902 года он вновь вернется в Барселону, однако остаться в ней так и не сможет. Напряженная обстановка в столице Каталонии, нищета со всех сторон и социальная несправедливость выливаются в народные волнения, постепенно охватившие не только всю Испанию, но и Европу. Вероятно, такое положение дел оказало влияние и на художника, который в этот год работает плодотворно и чрезвычайно много. На Родине создаются шедевры «голубого» периода: «Две сестры (Свидание)», «Старый еврей с мальчиком», «Трагедия» (фото полотна выше), «Жизнь», где еще раз возникает образ погибшего Касагемаса. В 1901 году была также написана картина «Любительница абсента». В ней прослеживается влияние популярного на тот момент увлечения «порочными» персонажами, характерного для французского искусства. Тема абсента звучит во многих картинах. Работа Пикассо, помимо всего прочего, полна драматизма. Особенно явно в глаза бросается гипертрофированная рука женщины, которой она словно старается защититься. В настоящее время «Любительница абсента» хранится в Эрмитаже, попав туда из частной и весьма внушительной коллекции работ Пикассо (51 произведение) С. И. Щукина после революции.

Как только появляется возможность вновь отправиться в без колебаний решает ею воспользоваться и уезжает из Испании весной 1904 года. Именно там он столкнется с новыми интересами, ощущениями и впечатлениями, что даст начало новому этапу его творчества.

«Розовый» период

В творчестве Пикассо этот этап длился относительно долго — с 1904 г. (осень) до окончания 1906-го — и был не совсем однородным. Большая часть картин периода отмечена светлой гаммой красок, появлением охристых, жемчужно-серых, красно-розовых тонов. Характерно появление и в последующем доминирование новых для творчества художника тем — актеры, циркачи и акробаты, атлеты. Безусловно, подавляющее большинство материала ему предоставлял цирк Медрано, который в те годы располагался у подножия Монмартра. Яркая театральная обстановка, костюмы, поведение, разнообразие типажей словно вернули П. Пикассо в мир, пусть и преображенных, но реальных форм и объемов, естественного пространства. Образы на его картинах вновь стали чувственными и наполнились жизнью, яркостью в противовес персонажам «голубого» этапа творчества.

Пабло Пикассо: произведения «розового» периода

Картины, ознаменовавшие начало нового периода, впервые были выставлены в конце зимы 1905 году в галерее Серюрье — это «Сидящая обнаженная» и «Актер». Один из признанных шедевров «розового» периода — «Семейство комедиантов» (на фото выше). Полотно имеет внушительные размеры — в высоту и ширину более двух метров. Фигуры циркачей изображены на фоне синего неба, принято считать, что арлекин с правой стороны — это сам Пикассо. Все персонажи находятся в статике, и между ними не наблюдается какой-либо внутренней близости, каждого сковало внутреннее одиночество — тема всего «розового» периода. Кроме того, стоит отметить следующие работы Пабло Пикассо: «Женщина в рубашке», «Туалет», «Мальчик, ведущий лошадь», «Акробаты. Мать и сын», «Девочка с козлом». Все они демонстрируют зрителю красоту и редкую для картин художника безмятежность. Новый толчок в творчестве случился в конце 1906 года, когда Пикассо путешествовал по Испании и оказался в небольшой деревне в Пиренеях.

Африканский период творчества

С архаичным африканским искусством П. Пикассо впервые столкнулся на тематической выставке музея Трокадеро. Его впечатлили языческие идолы примитивной формы, экзотические маски и статуэтки, воплощавшие в себе великую силу природы и дистанцированные от мельчайших деталей. Идеология художника совпала с этим мощным посылом, и в результате он стал упрощать своих героев, делая их подобными каменным истуканам, монументальными и резкими. Однако первая работа в направлении данной стилистики появилась еще в 1906 году — это портрет работы Пабло Пикассо писательницы Он переписывал картину 80 раз и уже совершенно разуверился в возможности воплотить ее образ в классическом стиле. Этот момент можно по праву назвать переходным от следования за натурой к деформации формы. Достаточно взглянуть на такие полотна, как «Обнаженная женщина», «Танец с покрывалами», «Дриада», «Дружба», «Бюст моряка», «Автопортрет».

Но, пожалуй, самым ярким образцом африканского этапа творчества Пикассо является картина «Авиньонские девицы» (на фото выше), над которой мастер трудился около года. Она венчала данный этап творческого пути художника и во многом определила судьбу искусства в целом. Впервые полотно увидело свет лишь спустя тридцать лет после его написания и стало открытой дверью в мир авангарда. Богемный круг Парижа буквально раскололся на два лагеря: «за» и «против». В настоящий момент картина хранится в Музее современного искусства города Нью-Йорка.

Кубизм в творчестве Пикассо

Проблема уникальности и точности изображения оставалась на первом месте в европейском изобразительном искусстве вплоть до того момента, когда в него ворвался кубизм. Стимулом к его развитию многие считают вопрос, возникший среди художников: «Зачем рисовать?» Достоверному изображению того, что видишь, в начале 20 века можно было научить практически любого, к тому же буквально на пятки наступала фотография, которая грозила целиком и полностью вытеснить все остальное. Зрительные образы становятся не только правдоподобными, но и доступными, легко тиражируются. Кубизм Пабло Пикассо в данном случае отражает индивидуальность творца, отказываясь от правдоподобного изображения внешнего мира и открывая совершенно новые возможности, границы восприятия.

К ранним работам относятся: «Горшок, бокал и книга», «Купание», «Букет цветов в сером кувшине», «Хлеб и ваза с фруктами на столе» и т. д. В полотнах четко прослеживается, как меняется стиль художника и приобретает все более абстрактные черты к концу периода (1918-1919 годы). Например, «Арлекин», «Три музыканта», «Натюрморт с гитарой» (на фото выше). Ассоциирование зрителями творчества мастера с абстракционизмом совершенно не устраивало Пикассо, ему был важен сам эмоциональный посыл картин, их скрытый смысл. В конечном итоге созданный им же самим стиль кубизм перестал постепенно вдохновлять художника и интересовать, открыв дорогу новым веяниям в творчестве.

Классический период

Второе десятилетие 20 века было для Пикассо достаточно сложным. Так, 1911 год ознаменовался историей с украденными статуэтками из Лувра, которая выставила художника не в лучшем свете. В 1914 г. выяснилось, что, даже прожив столько лет в стране, за Францию Пикассо сражаться в Первой мировой войне не готов, что развело его с многими друзьями. А в следующем году умерла его возлюбленная Марсель Умбер.

На возвращение более реалистичного в творчестве Пабло Пикассо, произведения которого наполнились вновь читаемостью, фигурностью и художественной логикой, повлияли и многие внешние факторы. В том числе поездка в Рим, где он проникся античным искусством, а также общение с балетной труппой Дягилева и знакомство с балериной Ольгой Хохловой, которая вскоре стала второй женой художника. Началом нового периода можно считать ее портрет 1917 года, который в некотором роде носил экспериментальный характер. Русский балет Пабло Пикассо не только вдохновил на создание новых шедевров, но и подарил возлюбленную и долгожданного сына. Самые известные работы периода: «Ольга Хохлова» (на фотографии выше), «Пьеро», «Натюрморт с кувшином и яблоками», «Спящие крестьяне», «Мать и ребенок», «Женщины, бегущие по пляжу», «Три грации».

Сюрреализм

Разделение творчества есть не что иное, как желание разложить по полочкам и втиснуть его в определенные (стилистические, временные) рамки. Однако к творчеству Пабло Пикассо, которого украшают самые лучшие музеи и галереи мира, такой подход можно назвать весьма условным. Если следовать хронологии, то период, когда художник был близок к сюрреализму, выпадает на 1925-1932 годы. Совершенно неудивительно, что на каждом этапе творчества мастера кисти посещала муза, и, когда О. Хохлова пожелала узнавать себя на его полотнах, он обратился к неоклассицизму. Однако творческие люди непостоянны, и вскоре в жизнь Пикассо вошла юная и очень красивая Мария Тереза Вальтер, которой на момент знакомства исполнилось всего 17 лет. Ей была уготована роль любовницы, а в 1930 году художник купил замок в Нормандии, который для нее стал домом, а для него — мастерской. Мария Тереза была верной спутницей, стойко перенося творческие и любовные метания творца, поддерживая дружескую переписку вплоть до смерти Пабло Пикассо. Произведения периода сюрреализма: «Танец», «Женщина в кресле» (на фотографии ниже), «Купальщица», «Обнаженная на пляже», «Сон» и т. д.

Период Второй мировой войны

Симпатия Пикассо во времена военных действий в Испании в 1937 году принадлежала республиканцам. Когда в этом же году итальянская и немецкая авиация разрушила Гернику — политический и культурный центр басков — Пабло Пикассо город, лежащий в руинах, изобразил на огромном одноименном полотне буквально за два месяца. Его буквально охватил ужас от угрозы, которая нависла над всей Европой, что не могло не отразиться на творчестве. Эмоции выражались не прямо, а воплотились в тональности, ее мрачности, горечи и сарказме.

После того как отгремели войны, и мир пришел в относительное равновесие, восстанавливая все, что было разрушено, творчество Пикассо тоже обрело более счастливые и яркие краски. Его полотна, написанные в 1945-1955 годах, обладают средиземноморским колоритом, очень атмосферны и отчасти идеалистичны. В это же время он начинает работать с керамикой, создавая множество декоративных кувшинов, блюд, тарелок, статуэток (фото представлено выше). Произведения, которые были созданы в последние 15 лет жизни, весьма неравномерны по стилистике и качеству.

Один из крупнейших художников двадцатого века — Пабло Пикассо — умер в возрасте 91 года на своей вилле во Франции. Похоронен вблизи принадлежавшего ему замка Вовенарт.

Как Пабло Пикассо повлиял на моду | Vogue Ukraine

Форма, детали, цвет – Пабло Пикассо навсегда изменил современное искусство, а его творчество повлияло на поколения дизайнеров, которые интерпретировали эстетику кубизма в своей одежде. 

Пабло Пикассо

Волна изменений в моде началась в конце 19-го века, когда начали активно развиваться технологии. Фотографии стали воспроизводить изображения более точно, чем художники. А полеты на самолете и вовсе дали новый взгляд на мир: вблизи дома были сложной конструкцией с множеством деталей, но с воздуха – это были обычные квадраты. Кубизм – стал крутым поворотом в культуре. Он разрушил всевозможные традиции и вознес современную эпоху изображения. Это движение, возможно, началось с художников, но весьма стремительно перешло на архитектуру, скульптуру, коллаж и даже на моду.

Мода в 1890-х

Промышленная революция изменила способ производства одежды. Первая мировая война привела к тому, что тысячам женщин пришлось работать. Трудящимся была нужна более практичная одежда, а нехватка тканей затрудняла покупку большого количества текстиля. Именно тогда новаторы Поль Пуаре и Коко Шанель начали создавать дизайны в плоских и угловатых формах. Сложные и пышные детали пришлось исключить. Вместо них нишу заняли платья с силуэтами песочных часов и прямоугольных форм. Именно с Шанель Пикассо сделал свои первые шаги в модной индустрии. В 1924 году они вместе придумали дизайн декораций и костюмов для балета «Синий экспресс» Жана Кокто.

Фото балета «Синий экспресс», 1924 год

Но непосредственное участие в производстве модной одежды Пикассо сделал только в 1955 году, когда производители тканей начали использовать его работы в качестве вдохновения для узоров и паттернов. Такое массовое производство сделало его еще более известным.

Уже в 1960 году французский дизайнер Андре Курреж вместе с британкой Мэри Куант направили русло моды в геометрические формы и колорблокинг. Эксперименты с радикально простыми формами привели их к созданию и популяризации мини-юбки, которую начали производить в аналогичных формах и всевозможных цветах. Также в 1960-х годах Пьер Карден начал использовать нетрадиционные материалы, такие как пластик и металл, чтобы создавать свои уникальные угловые формы. Инновационная работа французского модельера стала началом футуристической эпохи, которая повлияла на все, начиная от подиумов Нью-Йорка и заканчивая костюмами для фильма «Стартрек».

Pierre Cardin, 1960-e

От геометрических конструкций Issey Miyake до смелого колорблокинга Tata Naka – творчество Пикассо стало вдохновением не для одной модной коллекции. Так на свет появились платья Оскара де ла Ренты, вдохновленные техникой коллажа испанского художника. А Жан-Шарль де Кастельбажак выпустил на подиум моделей, которые буквально были одеты в картины Пикассо.

Глобальная сила направления кубизма продолжает влиять на индустрию моды даже сегодня. На показе Jacquemus отсылкой к творчеству Пикассо были нарисованные лица на моделях. А голландский модный Дом Viktor & Rolf и вовсе создал коллекцию haute couture в честь абстрактной эстетики кубизма. Balenciaga, Proenza Schouler и Prada часто обращаются к элегантной и богатой цветовой палитре картин кубистов, воплощая их наследие в жизнь. От самых необычных примеров до тонкого воздействия работы Пикассо присутвуют повсюду. 

Пикассо и современная мода — коллекция, посвященная художнику, в рамках Миланской недели моды: lovers_of_art — LiveJournal

Одержимость Пикассо образом Минотавра нашла отклик в нескольких моделях Moschino

Эпатажный кубистский стиль Пабло Пикассо вдохновил модельеров Moschino на создание новой коллекции весна-лето 2020, которую представили на Миланской неделе моды. Коллекция стала данью уважения к живописным и скульптурным произведениям мастера, а каждый из ансамблей — прямая отсылка к произведениям художника.

Moschino — итальянская компания, основанная в 1983 году дизайнером Франко Москино, производитель модной одежды, тканей, парфюмерии, товаров для дома, аксессуаров и других предметов роскоши.

Креативный директор Moschino, дизайнер Джереми Скотт, перенес модернистские образы Пикассо на подиум. Зрителям представили вариации на тему картин, скульптур, коллажей Пикассо, приправленные его же принципами использования цветов и ломанных кубистических пространственных форм.

Пластическая скульптура Пикассо «Гитара» (1912-1914) как прототип для модного платья

Отдавая дань творчеству гениального испанца, Moschino продемонстрировали параллели с выдающимися шедеврами художника — в том числе модные аллюзии на картину «Авиньонские девицы» (1907), а также представили трехмерное платье в виде гитары и отдали должное столь любимому Пикассо образу минотавра. Выход на подиум «превратился» в картинную раму, рамки встречались и в виде аксессуаров (сумочек), или же служили элементом костюма. Не обошлось и без обнаженной натуры — правда, лишь в виде платья-«наброска».

Пабло Пикассо — Авиньонские девицы — 1907

Работа над «Авиньонскими девицами» заняла у Пикассо девять лет. Он сделал множество набросков к этому полотну, на которых изначально, кроме обнаженных женщин, присутствовали еще и мужчины — завсегдатаи публичного дома. Да и сама картина изначально называлась «Бордель в Авиньоне». Новое, более благопристойное название для полотна придумал художественный критик Андре Сальмон, организовавший выставку Пикассо в 1916 году, на которой «Авиньонские девицы» были впервые представлены публике. И даже спустя девять лет после создания картину назвали аморальной. Зрителей поражала не только бесстыдная нагота изображенных на полотне женщин, но и отказ Пикассо от общепринятых живописных канонов.

Кара Тейлор на показе Moschino во время Миланской недели моды
Фото Пьетро д’Апрано / Getty Images

Белла Хадид в ансамбле «а-ля арлекин» по мотивам картины Пикассо «Склонившийся арлекин» (1901)

Тельняшка с картины Пикассо «Моряк» (1943)
© 2018 Estate of Pablo Picasso / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк
Фото: Christie’s

А здесь видна отсылка к картине «Обнаженные мужчина и женщина» (1968)
Фото: Christie’s

Чествуя талант великого Пикассо, итальянский дом моды создал феерическую палитру, не забыв об увлечении маэстро танцами фламенко и боями быков. Джереми Скотт за кулисами показа заявил: «Музы вдохновляют художников, а художники вдохновляют мир».

За кулисами на показе Moschino 2020 во время Миланской недели моды в четверг 19 сентября 2019 года
Фото: Serichai Traipoom

Moschino Spring Summer 2020 Fashion Show
Moschino Весна/Лето 2020 Модное шоу

Пикассо и современная мода — коллекция, посвященная художнику, в рамках Миланской недели моды

Календарь аукционов — Предстоящие аукционы и события

20 января

11 – 21 января

20 – 21 января

26 января

27 января

14 – 28 января

18 января – 1 февраля

11 января – 2 февраля

15 декабря 2021 г. — 3 февраля 2022 г.

3 февраля

24 января – 4 февраля

11 января – 5 февраля

27 января – 10 февраля

4 – 18 февраля

Интернет-аукцион

Латиноамериканское искусство онлайн

18 января – 28 февраля

18 января – 28 февраля

18 января – 28 февраля

18 января – 28 февраля

18 января – 28 февраля

18 января – 28 февраля

Кубизм Движение Обзор | TheArtStory

«Кубизм — это как стоять в определенной точке на горе и смотреть по сторонам. Если вы пойдете выше, все будет выглядеть иначе; если вы пойдете ниже, они снова будут выглядеть по-другому. Это точка зрения.»

1 из 14

«Кубизм — это не реальность, которую можно взять в руки. Это больше похоже на духи, перед тобой, позади тебя, в стороны, запах повсюду, но ты не совсем понимаешь, откуда он исходит.»

2 из 14

«Цель, которую я поставил перед собой при кубизм? Рисовать и ничего более… методом, связанным только с моей мыслью.. Ни добра, ни истины; ни полезного, ни бесполезного».

3 из 14

«Что меня очень привлекало — и это было основным направлением развития кубизма — так это то, как дать материальное выражение этому новому пространству, о котором я имел представление. Так я стал писать в основном натюрморты, потому что в природе есть тактильное, я бы даже сказал, мануальное пространство… это была самая ранняя картина кубизма — поиски пространства.»

4 из 14

«Если бы я назвали кубизм новым порядком, в нем нет ни революционных идей, ни реакционных идей. .. Нельзя убежать от своей эпохи, какой бы революционной она ни была».

5 из 14

«Кубизм движется вокруг объекта, чтобы схватить несколько последовательных явлений, слившихся в единый образ, воссоздать его во времени».

6 из 14

«Стало традицией изображать танцовщицу, застывшую в выбранной позе, словно снимок. Я отошел от этой традиции, накладывая позы, смешивая свет и движение и перебирая плоскости.»

7 из 14

«Огромное увеличение объекта или фрагмента придает ему индивидуальность, которой у него никогда не было, и таким образом, он может стать носителем совершенно новой лирической и пластической силы.»

8 из 14

«Пусть картинка ничего не имитирует; пусть она открыто представит свой raison d’etre».

9 из 14

«Будь то Хуан Грис, разбирающий объекты, Пикассо заменяющий их объектами собственного изобретения, или кто-то, кто заменяет коническую перспективу системой, основанной на отношения между перпендикулярами — все это только доказывает, что кубизм вовсе не родился из авторитетной теории [mot d’ordre]; что это лишь отметило среди немногих живописцев желание покончить с искусством, которое никогда не должно было пережить осуждения, произнесенного над ним Паскалем. »

10 из 14

«Кубизм был атакой на перспективу, которая была известна и использовалась в течение 500 лет. Это было первое большое, большое изменение. Это сбивало людей с толку: они говорили: «Вещи выглядят не так!»

11 из 14

«Он начал долгую борьбу, чтобы не выразить то, что он мог видеть, но не выразить то, чего он не видел, что

12 из 14

Гертруда Стайн о раннем искусстве Пикассо

это когда-то было похоже на фотографию; это было создание знаков, которые всегда правильно читались современниками… кубисты создали бесспорно новые знаки, и именно поэтому было так трудно читать их картины»

13 из 14

«Существует столько изображений предмета, сколько глаз, которые смотрят на него; существует столько же его существенных образов, сколько и умов, которые его постигают»

14 из 14

Метцингер и Глейз — Du Cubisme (1912)

Обзор движения сюрреализма | TheArtStory

«Хотя сон — очень странное явление и необъяснимой тайной, еще более необъяснимой является тайна и аспект, который наш разум придает определенным объектам и аспектам жизни.

1 из 17

«Сюрреализм основан на вере… во всемогущество снов, в ненаправленной игре мысли.»

2 из 17

Андре Бретон — Манифест сюрреализма что мне больше всего нравится в тебе, так это твое беспощадное качество.»

3 из 17

«Умение смотреть — это способ изобретать.» крылья, как таинственные бабочки, убегающие от невинности и рассеянности простых людей.»

5 из 17

«Коллаж — это благородное завоевание иррационального, соединение двух внешне непримиримых реальностей на плоскости, которая явно им не подходит.»

6 из 17

«Все, что мы видим скрывает другое, мы всегда хотим увидеть то, что скрыто за тем, что мы видим.»

7 из 17

«Искусство пробуждает тайну, без которой мир не существовал бы.»

8 из 17

«Работы должны быть задуман с огнем в душе, но выполнен с клиническим хладнокровием.»

9 из 17

«Природа не создает произведений искусства. Именно мы и способность интерпретации, присущая человеческому разуму, видим искусство». 17

«Если бы нам пришлось подчиняться декретам, установленным группой сюрреалистов, практически не было бы ни сюрреалистической фотографии, ни даже подлинно сюрреалистических фильмов, но сюрреализм — это не теорема»

12 из 17

«Сюрреализм разрушительен , но разрушает только то, что считает оковами, ограничивающими наше видение.»

13 из 17

«Сюрреализм оказал на меня большое влияние, потому что тогда я понял, что образы в моем сознании не были безумием. Сюрреализм для меня — это реальность».

«[вклад заключался в их решимости] использовать творческие и творческие силы разума в их источнике в бессознательном и, благодаря увеличению самопознания, достигаемому путем противостояния людям их реальным природу, чтобы изменить общество».

15 из 17

Саймон Уилсон, из предисловия к выставке Дали в галерее Тейт, Лондон, 1980

просто литературная или художественная школа.Это безжалостный бунт против цивилизации, которая сводит все человеческие устремления к рыночным ценностям, религиозным обманам, всеобщей скуке и нищете». Поставив психическую жизнь на службу революционной политике, сюрреализм публично бросил вызов авангардному модернизму, настаивающему на «искусстве ради искусства». Но сюрреализм также боролся с социальными институтами — церковью, государством и семьей, — которые регулируют место женщины в патриархате.Предложив некоторым женщинам их первое место для художественного и социального сопротивления, оно стало первым модернистским движением, в котором группа женщин могла исследовать женскую субъективность и придать форму (хотя и предварительно) женскому воображению». Чедвик, из Женщины, сюрреализм и саморепрезентация

Пабло Пикассо и кубизм

Пабло Пикассо, «Три музыканта», 1921 г.

От с. 1907-1917, Пабло Пикассо  основоположник кубизма, революционного стиля современного искусства, который Пикассо сформировал в ответ на быстро меняющийся современный мир.В сотрудничестве со своим другом и коллегой-художником Жоржем Браком ,

Пикассо бросил вызов традиционным, реалистическим формам искусства посредством установления кубизма . Он хотел разработать новый способ видения, отражающий современность, и кубизм — это то, как он достиг этой цели.

Пикассо не считал, что искусство должно копировать природу. Он не чувствовал себя обязанным оставаться привязанным к более традиционным художественным приемам перспективы, моделирования и ракурса и чувствовал двухмерный объект.Пикассо хотел подчеркнуть разницу между картиной и реальностью. Кубизм предполагает разные способы видения или восприятия окружающего мира. Пикассо верил в концепцию относительности — он учитывал как свои наблюдения, так и свои воспоминания при создании кубистического образа. Он чувствовал, что мы видим объект не под одним углом или перспективой, а скорее под многими углами, выбранными зрением и движением. В результате этого убеждения кубизм стал приблизительно тем, как видеть объект или фигуру, а не тем, на что смотрел художник.

Пабло Пикассо, «Девушка с мандолиной», 1910 г.

Африканское искусство и современная городская уличная жизнь Парижа сильно повлияли на концепцию кубизма Пикассо. Кроме того, Пикассо увлекся процессом строительства и деконструкции, увлечением, которое проявляется в его кубистских работах.

Создавая эти кубистические произведения, Пикассо упрощал объекты до геометрических компонентов и плоскостей, которые могут составлять или не совмещать весь объект, как он выглядел бы в естественном мире.Он искажал фигуры и формы и одновременно изображал разные точки зрения на одной плоскости.

Фернан Леже, «Три женщины» 1921-22

Пикассо около десяти лет активно создавал произведения кубистического искусства. За это время его кубистический стиль постепенно эволюционировал от аналитического кубизма (1907-1912) до синтетического кубизма (1913-1917). В аналитическом кубизме Пикассо использовал приглушенную цветовую палитру монохромных коричневых, серых и черных цветов и решил передать относительно бесстрастные предметы, такие как натюрморты и пейзажи.Он делал упор на открытую фигуру и абстракцию, но еще не включал элементы текстуры и коллажа.

В синтетическом кубизме Пикассо включил текстуру, узоры, текст и газетные обрывки в свои кубистские работы. Хотя он все еще изображал относительно нейтральные предметы, такие как музыкальные инструменты, бутылки, стаканы, кувшины, газеты, игральные карты, человеческие лица и фигуры, его техника прогрессировала до такой степени, что он постоянно включал элементы коллажа, технику, которую он предпочитает. часто приписывают изобретение.С помощью синтетического кубизма Пикассо переопределил визуальный эффект своей оригинальной кубистской техники и включил новые материалы, проложив путь художественному авангардному движению, которое зажжется по всей Европе. Кубизм известен как новаторское художественное движение сам по себе, но он также оказал влияние на поколения художников, которым последуют, сформировав саму историю искусства.

Пабло Пикассо, «Жаклин у мольберта, 1956». Цветная литография с Пошуаром.

Хотя большинство произведений кубизма Пикассо — это картины, он также создал потрясающие гравюры; офорты, литографии и линогравюры в стиле кубизма. Такие кубистские гравюры чрезвычайно редки и часто создаются по изображениям известных кубистских картин Пикассо, таких как «Натюрморт с бутылкой рома» (1911).  Пикассо также использовал пошуар или акварель, нанесенную вручную, в большинство своих кубистских гравюр, что еще больше придало ощущение текстуры и цвета. Поскольку Пикассо приписывают создание и возглавление кубизма, эти гравюры кубистов являются культовыми, они остаются одними из его самых коллекционных и ценных графических работ на сегодняшний день.

Пабло Пикассо, «Натюрморт с бутылкой рома», 1965 г.

Каталожные номера:

• Музей современного искусства (2014). Кубизм.
• Колледж Майами Дейд (2014). Кубизм: новое видение.
• Ревальд, С. (2000). Кубизм.

Конфликт Пикассо, эксперименты и перемены

Этюды, 1920. Рене-Габриэль Охеда©RMN-Grand Palais/Art Resource, NY©2015 Estate of Pablo Picasso/Artists Rights Society, Нью-Йорк

Стив Коэн
Культурный критик

Пикассо: Великая война, эксперименты и перемены . Художественный музей Колумба и Фонд Барнса в Филадельфии.
Пикассо: Великая война, эксперименты и перемены . Издательство Scala Arts.

 

Эта выставка и книга разрушают общепринятое представление о том, что карьера Пикассо была разделена на отдельные периоды, такие как голубой, розовый и кубистический. Во время стресса Великой войны он как бы забросил кубизм, но здесь мы видим, что он периодически возвращался к нему.

Когда разразилась Первая мировая война, французские и британские издания осудили искусство кубизма как продукт Германии.Они утверждали, что разрушение объектов в кубизме было аналогично фрагментации и разрушению баланса наций в Германии и ускорению мировой войны.

Когда немецкая армия наступала на Париж, многие французы тосковали по старым добрым временам до изобретения кубизма, и газетные карикатуры неоднократно подвергали нападкам этот жанр. [См. пример.]

Французский истеблишмент считал кубизм чуждым своей культуре. Немецкий дилер Даниэль-Генри Канвейлер был промоутером и продавцом кубистических работ Пикассо, из-за чего многие французы ассоциировали кубизм с ненавистными немцами.Кроме того, французы с подозрением относились к Испании, родине Пикассо, которая оставалась нейтральной, но чья аристократия, католическая церковь и испанская армия поддерживали дело Германии, в основном из-за консерватизма и восхищения прусским милитаризмом.

Все это поставило карьеру Пикассо в опасное положение.

Поскольку 33-летний Пикассо был гражданином Испании, его не призвали во французскую армию. Он никогда прямо не обращался к войне как к теме своего искусства, но конфликт действительно оказал на него огромное влияние и заставил его радикально изменить свой стиль.

После семи лет сосредоточения внимания на геометрических кубистических формах (после его более раннего периода Розы и Голубого периода) Пикассо сделал сдвиг и начал рисовать натуралистически, почти классически. Он позволил людям думать, что отказался от кубизма. Он также нашел нового дилера, который оказался французом, а не немцем. Но эта выставка показывает, что Пикассо не отказывался от этого стиля. На протяжении всего конфликта и в 1920-е годы он перемещался туда и обратно, попеременно создавая кубистические и натурные картины.

Два контрастных полотна висят рядом: Арлекин-музыкант  (вид справа) строгий, почти абстрактный — настоящая парадигма кубизма. В двух футах от него находится Пьеро, натуралистическая картина, изображающая меланхоличную сидящую фигуру с изящными гофрированными складками одежды. Его руки держат маску, которая обеспечивает небольшую связь с Арлекином; в остальном картины диаметрально противоположны.

Пьеро показан ниже, оба © 2016 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Пикассо иногда сочетал элементы обеих форм в одном произведении искусства, как, например, Этюды , масло 1920 года [см. рисунок в начале этой истории], которое является частью этой выставки. На одном полотне мы видим кубистические натюрморты, соседствующие с классическими этюдами.

Наблюдатели обнаружат резкие различия между двумя стилями, но Пикассо сказал, что эти два подхода не обязательно были противоположными: «Если предметы, которые я хотел выразить, предлагали разные способы выражения, я без колебаний принимал их».

Симонетта Фракелли, куратор этой выставки, говорит, что Пикассо не отвергал кубизм, а, скорее, «страстно декларировал свою свободу выражения.

предмета были предоставлены для этого показа частными владельцами и музеями в Париже, Лондоне, Нью-Йорке, Вашингтоне, Барселоне, Колумбусе, Кливленде, Цинциннати, Бруклине, Хьюстоне и Сан-Франциско. В Барнсе эта выставка отделена от основной коллекции. Эта постоянная коллекция содержит десять Пикассо того же периода, которые не могут быть удалены из пространств, выбранных Альбертом Барнсом. Посетители должны воспользоваться возможностью увидеть их во время своего визита.

Я особенно рекомендую задержаться в комнате 10 перед Натюрморт-Бокал и персик , одной из его более поздних картин в стиле кубизма, около 1923 года.

Ближе к концу войны Пикассо разработал декорации и костюмы для балета «Парад » Русского балета Дягилева, представленного в Париже по рассказу Жана Кокто, хореографии Леонида Мясина и музыки Эрика Сати. Декорации Пикассо карикатурно изобразили современную жизнь в кубистической манере, но созданный им занавес был классическим. Он построил большие фигурки из папье-маше для постановки, которая стояла в центре шоу Барнса. Также был представлен один из его оригинальных костюмов.

Видео постановок Парад и документальный фильм о Пикассо во время войны были дополнительными экспозициями на выставке.

Пабло Пикассо — Художники — Галерея Мнучин

Пабло Пикассо родился в Малаге, Испания, 25 октября 1881 года. В возрасте семи лет Пикассо получил формальное художественное образование у своего отца, Хосе Руиса, который также был художником. Вскоре Руису стало очевидно, что его сын превзошел его талант, и Пикассо отправили в мадридскую Королевскую академию Сан-Фернандо.

Раннее творчество Пикассо можно разделить на четыре периода: голубой период (1901-1904), розовый период (1905-1907), период африканского влияния (1908-1909) и кубизм (1909-1919). Синий период состоит из мрачных картин, выполненных в оттенках синего и сине-зеленого. Розовый период характеризуется более веселой палитрой оранжевых и розовых цветов, в которой участвует множество цирковых деятелей, таких как акробаты и арлекины. Арлекин, изображенный в клетчатой ​​узорчатой ​​одежде, стал для самого Пикассо личным символом.Период африканского влияния взял элементы из традиционной африканской скульптуры, что затем привело к кубистическому периоду Пикассо, в котором объекты разбиваются, анализируются и повторно собираются в абстрактной форме.

В годы после кубизма Пикассо снова продолжал легко колебаться между широким разнообразием стилей, включая неоклассический стиль в 1920-х годах, без особых усилий объединяя множество влияний в красочный и экспрессионистский стиль, свойственный только ему. Жизнь и творчество Пикассо были глубоко пропитаны его многочисленными любовными романами с такими женщинами, как Мария-Тереза ​​Вальтер, Дора Маар и Франсуаза Жило.На протяжении всей своей карьеры Пикассо написал множество портретов своих возлюбленных, многие из которых сейчас являются его самыми ценными работами.

Пикассо считается одной из самых узнаваемых фигур 20 века. После его смерти он оставил обширное собрание работ, которые в итоге были собраны в Музее Пикассо в Париже. Его работы находятся в коллекциях всех крупных учреждений, в том числе Музея современного искусства в Нью-Йорке; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Мадрид; Музей Людвига, Кёльн; Тейт Модерн, Лондон; Метрополитен-музей, Нью-Йорк; Национальная художественная галерея, Вашингтон, Д.С.; и Художественный институт Чикаго, среди прочих.

Пабло Пикассо умер 8 апреля 1973 года в Мужене, Франция.

Пабло Пикассо использовал одежду так же, как свое искусство

Дело было не только в бретонском топе. Дело даже не в круассанах. Фотожурналист-новатор Робер Дуано, вероятно, наиболее известен своим знаменитым постановочным изображением пары, целующейся на улицах Парижа в 1950 году, «Le Baiser De L’Hôtel De Ville (Поцелуй у отеля De Ville)».Почти такой же запоминающейся является фотография, которую он сделал два года спустя в доме Пабло Пикассо на улице Гранд Огюстен (в шестом округе). Художник обедал со своей любовницей, художницей Франсуазой Жило, и стол был накрыт маленькими хлебцами. Почувствовав возможность сфотографироваться, он торопливо разложил хлеб так, чтобы он выглядел как огромные пальцы, и с небрежным выражением лица вгляделся куда-то вдаль.

На фотографии Дуано Пикассо одет в один из своих фирменных бретонских топов (введенный в 1858 году в качестве униформы французского флота, этот фасон имел 21 полосу, по одной на каждую победу Наполеона, и позволял легко обнаружить моряка, если он случайно упал за борт), что помогло охарактеризовать его как общественного деятеля. На протяжении всей своей жизни он также периодически носил берет, создавая силуэт, который был почти таким же узнаваемым, как шляпа и трубка Жака Тати. Хотя Пикассо был известен тем, что носил различные типы головных уборов — от перуанских вязаных шапок и соломенных канотье до омбургских — именно его берет, часто изображаемый на его картинах, казалось, вызывал отклик. Когда он выставлялся в Институте современного искусства в Лондоне в 1950-х годах, сотрудники находили потерянные береты чаще, чем любые другие личные вещи.

Пикассо использовал одежду так же, как и свое искусство. Он был одержим полемикой

Жизнь Пикассо была упражнением в самомифологии. Ему было недостаточно полностью заново изобрести западную живопись, отбросить идеализированные представления о красоте и изгнать условности перспективы (для начала), ему нужна была платформа для мишуры, окружавшей его гений, нужно было, чтобы его ценили за расчетливо-богемную манеру, в которой он вел себя. «Требуется художник, чтобы понять силу приверженности единой эстетике», — говорит Тео ван ден Бруке, директор по стилю и уходу GQ .«И точно так же, как Пикассо сделал себе имя через призму кубизма, он также создал уникальную индивидуальность через призму своего гардероба. Игривый, но почти близорукий в своем постоянстве, его озабоченность броскими бретонскими свитерами и рубашками поло, опрятными вельветами основных оттенков и джазовыми клетчатыми брюками утвердила его как одного из самых экстравагантных лидеров стиля своего поколения».

Но дело было не только в бретонском топе. Пикассо полностью понимал силу маркетинга и на протяжении всей своей карьеры использовал все, что было в его силах, чтобы публично улучшить свою личность.Тиранический, властный и обладающий огромным эго, он использовал почти циничную игривость, чтобы спроецировать на мир другое лицо. Один из способов, которым он это делал, заключался в том, что он носил. Например, когда он был знаком с Сэвил-Роу — когда он провел десять недель в Лондоне летом 1919 года, разрабатывая декорации и костюмы для «Треуголка» , постановки «Русский балет» под руководством импресарио труппы Сергея Дягилева.