Самые известные картины Пабло Пикассо с названиями, описанием и фото
Происхождение художника и начало творчества
Пабло Пикассо родился в 1881 году в городе Малага в Испании. Рисовать его научил отец, который сам был художником и учителем рисования. Интересно, что свою первую серьезную картину, «Пикадор», Пабло нарисовал уже в восемь лет и очень ей дорожил впоследствии. В 14 он сдал экзамен в школу искусств в Барселоне. На тот момент Пикассо был слишком молод для поступления, но его вступительная работа не оставила ни у кого сомнений в таланте молодого художника.
В 1900 году, отучившись в Мадриде и изучив коллекцию музея Прадо, Пикассо со своим другом Карлосом Касагемасом, тоже художником, переезжает в Париж.
Во Франции Пабло Пикассо прожил большую часть своей жизни и состоялся как художник с мировым именем.
Самые известные картины Пабло Пикассо
Творчество Пикассо принято делить на несколько периодов: «голубой», «розовый», «африканский», кубистический и сюрреалистический.
Для наглядности можно представить их в виде таблицы:
| Период творчества | Годы | Картины |
| Ранний | до 1901 года | «Наука и благотворительность» |
| «Голубой» | 1901–1904 годы | «Ребенок с голубем», «Автопортрет», «Трагедия», «Старый гитарист» |
| «Розовый» | 1904–1906 годы | «Девочка на шаре», «Портрет Гертруды Стайн» |
| «Африканский» | 1907–1909 годы | «Сидящая обнаженная» |
| Кубистический | 1909–1917 годы | «Герника», «Сидящая женщина», «Авиньонские девицы» |
| Сюрреалистический | 1917–1973 годы | «Три танцора», «Девушка перед зеркалом», «Сон», «Купальщица» |
Здесь указаны только несколько самых известных произведений. Всего художник оставил более двух тысяч картин (не считая нескольких тысяч рисунков), а также скульптуры.
«Наука и благотворительность» (1897)
Наука и Благотворительность (1897 год). 197×249 см. Холст/масло.
«Наука и благотворительность» (также известен другой перевод – «Знание и милосердие») – одно из ранних произведений художника, написанное в 1897 году, когда Пикассо было всего 15 лет.
На картине изображена тяжело больная женщина в постели. Врач, сидящий у постели, измеряет ей пульс, а монахиня с ребенком на руках подает стакан с водой.
В качестве врача для Пабло позировал его отец Хосе Руис Бласко: он нередко был моделью для сына в его раннем творчестве. Для роли же монахини была за небольшое вознаграждение нанята нищенка с маленьким сыном.
Размер полотна – метр на два с половиной. Такое масштабное произведение с высочайшей техникой исполнения кажется удивительным для пятнадцатилетнего юноши.
«Автопортрет в голубой период» (1901)
Автопортрет в голубой период (1901 год).
81×60см. Холст/масло.
«Голубой период» творчества Пикассо называется так потому, что этот цвет преобладает на его картинах в 1901–1904 годах. От них веет меланхолией, и это неудивительно: в 1901 году Пабло со своим другом Карлосом Касагемасом переезжает из родной Испании в Париж и в этом же году Карлос кончает жизнь самоубийством. Эта потеря, в которой Пикассо винит и себя (Касагемас покончил с собой из-за несчастной любви, и Пабло считал, что не должен был оставлять друга одного, зная, что с ним творится), накладывает отпечаток на его творчество.
Автопортрет «голубого периода» не только выполнен на голубом фоне – само лицо художника отдает синевой. Кроме разных оттенков голубого и черного на картине почти нет цветов, только бледно-красный мазок губ. От этого портрета веет мрачной меланхолией, и пронизывающий взгляд художника, устремленный на зрителя, только усиливает это ощущение.
«Ребенок с голубем» (1901)
Ребенок с голубем (1901 год). 73×54см.
Холст/масло.
На картине изображена маленькая коротко стриженная девочка в белом платье с бантом и с голубем в руках. В комнате кроме девочки есть только цветной мяч. Минимум деталей и пустой фон также в преимущественно синих тонах акцентируют внимание на фигуре ребенка. Исследователи предполагают, что это сестра Пикассо Кончита, которая в 1895 году умерла от дифтерии.
Когда она болела, Пабло, уже тогда страстно и много рисовавший, дал клятву бросить художественное искусство и больше не брать в руки кисть, если его сестра поправится. Девочка умерла, а Пикассо признавался, что в какой-то степени к его горю примешивалось облегчение от того, что зарок не нужно будет выполнять, так как он понимал, что без рисования его жизнь потеряет смысл. За эту невольную радость художник испытывал чувство вины всю жизнь.
«Трагедия» (1903)
Трагедия (1903 год). 105×69 см. Масло/доска.
Это произведение уже полностью выполнено в разных оттенках синего, в нем нет даже крошечного пятнышка какого-то другого цвета.
Зритель видит троих бедняков, кутающихся в свою тонкую одежду на берегу моря. Вероятнее всего, это семья: отец, мать и сын. Глаза мужчины и женщины прикрыты, ребенок смотрит на землю прямо перед собой. Парадоксально, но из трех именно лицо мальчика кажется самым взрослым и пугающим. От картины веет тоской и безнадежностью. Использовав всего один цвет, Пикассо сумел передать целый мир этих людей, находящихся на самом дне социума.
«Старый гитарист» (1903)
Старый гитарист (1903 год). 121×82 см. Холст/масло.
«Старый гитарист» – еще одна картина «голубого периода» творчества Пабло Пикассо. Как и другие произведения этого периода, она пронизана меланхолией и так же выполнена преимущественно в разных оттенках синего цвета. На холсте изображен нищий музыкант, седой и оборванный. В худых руках он держит гитару – единственное контрастное пятно среди голубых и синих тонов произведения. Создается впечатление, что старик обнимает ее как свое последнее утешение.
Если приглядеться, за фигурой гитариста можно разглядеть лицо женщины.
Дело в том, что Пикассо в то время и сам жил в бедности и часто, не имея чистых холстов, писал новые картины поверх старых.
«Жизнь» (1903)
Жизнь (1903 год). 196×129 см. Холст/масло.
«Жизнь» – одна из самых сложных и противоречивых картин Пикассо. Исследователи считают ее центральным произведением «голубого периода» художника, однако однозначной интерпретации «Жизни» нет до сих пор.
На картине мы видим обнаженную пару: девушка прижимается к молодому человеку. Напротив них стоит женщина с младенцем на руках. На заднем плане видны две картины со съежившимися людьми. Существует версия о том, что женщина с ребенком отсылает нас к матери Пикассо, которая любила и оберегала его и сыграла важную роль в его становлении как художника.
Считается также, что молодой человек – это покончивший с собой близкий друг Пабло Карлос Касагемас. Что именно означает жест юноши, неизвестно. Все сходятся во мнении, что он несет ключевое значение в произведении, но что он означает, до сих пор не установлено.
«Девочка на шаре» (1905)
Девочка на шаре (1905 год). 147×95 см. Холст/масло.
«Девочка на шаре» – картина следующего, «розового периода» в творчестве Пикассо, хотя многие критики считают ее переходной от одного этапа к другому. К 1905 году художник начал уже оправляться от потери друга. В его произведениях теперь больше жизни и больше цвета.
Полный анализ картины
Картина «Девочка на шаре»
«Девочка на шаре» полна контрастов. Худенькая гимнастка балансирует на мяче, она вся в движении. Рядом с ней атлет, огромный и неподвижный. Она стоит на круглом шаре, его сиденье – ровный куб. Девушка написана в голубых тонах, мужчина в розовых. Все эти противопоставления словно отражают противоречия, царящие в душе художника.
«Семейство комедиантов» (1905)
Семья комедиантов (1905 год). 212,8 x 229,6 см. Холст, масло. Национальная галерея искусств, Вашингтон, США
«Семья комедиантов» – также переходное полотно между «голубым» и «розовым» периодами в творчестве Пикассо.
На картине «Семья комедиантов» мы видим шесть человек в цирковых нарядах. Считается, что в роли Арлекина Пикассо изобразил самого себя, а девочка, которую он держит за руку, – его сестра Кончита, умершая в детстве.
«Авиньонские девицы» (1907)
Авиньонские девицы (1907 год). 243×233см. Холст/масло.
«Авиньонские девицы» – самая известная картина Пикассо. Принято считать, что она положила начало новому направлению живописи – кубизму.
На полотне изображены четыре обнаженные девушки. Но выполнены они в непривычной для зрителя того времени манере: они угловаты, словно составлены из геометрических фигур, а лица двух из них представляют собой африканские маски.
Как многие принципиально новые вещи, «Авиньонские девицы» не были поняты и приняты не только широкой публикой, но даже самыми близкими друзьями Пабло Пикассо. Тем не менее они совершили революцию в искусстве.
К примеру, Уилл Гомперц, автор книги «Непонятное искусство», считает, что именно кубизм положил начало всему модернизму и современному дизайну с его минимализмом и строгими формами.
«Воздействие кубизма прослеживается во всем искусстве и дизайне 20 века… Простая и элегантная архитектура Ле Корбюзье, стиль арт-деко 1920-х и утонченный шик Коко Шанель – все это обязано своим появлением двум молодым художникам (Пикассо и его другу Жоржу Браку)… Если вы сейчас оторветесь от книги и посмотрите вокруг, то увидите: отовсюду на нас смотрит наследие кубизма».
«Сидящая женщина» (1909)
Сидящая женщина (1909 год).
81×65 см. Холст/масло.
В картине «Сидящая женщина» уже больше кубизма, чем в «Авиньонских девицах»”. Женское лицо угадывается, но нужно несколько секунд, а может быть, минут, чтобы увериться в первом впечатлении и понять, что из геометрических фигур складывается женское лицо. Пикассо все больше отходит от реализма и выбирает более абстрактное изображение предметов и людей. Моделью для картины послужила возлюбленная художника Фернанда Оливье. В общей сложности с нее было написано несколько десятков картин Пикассо.
«Три танцора» (1925)
Танец (1925 год). 215×142 см. Холст/масло.
Картина «Три танцора» выполнена в стиле сюрреализма. Несмотря на то, что первое впечатление о ней чаще всего оптимистичное, сюжет произведения трагичен. В центре Пикассо изобразил своего друга Карлоса Касагемаса, который покончил с собой из-за несчастной любви к красавице Жермен Гаргалло. Сама Жермен изображена в левой части картины. А темная, незаметная с первого взгляда фигура справа от Карлоса – это Рамон Пишо.
Он женился на Жермен спустя некоторое время после самоубийства Касагемаса, но к тому моменту, когда «Три танцора» были дописаны, тоже умер. Весть о его смерти потрясла художника.
На рентгеновском снимке видно, что изначально картина была написана в реалистичной манере. Однако позже поверх первоначальных образов Пикассо решил изобразить героев в стиле сюрреализма.
«Сон» (1932)
Сон (1932 год). 130×97 см. Холст/масло.
Картина «Сон» также написана в сюрреалистичной манере. На холсте изображена уже другая возлюбленная художника – Мария-Тереза Вальтер. Есть версия, что девушка позировала Пикассо, но во время сеанса уснула. Мастер не стал ее будить, а запечатлел спящей.
В отличие от многих других вещей Пикассо, «Сон» дышит спокойствием и умиротворением.
Девушка выглядит расслабленной и чуть улыбается, все цвета яркие и радостные. Красный цвет принято ассоциировать со страстью, и этот цвет преобладает на картине.
Лицо Марии-Терезы написано как бы одновременно в анфас и профиль.
Это одна из первых картин Пикассо, где он применяет подобный прием, однако в дальнейшем он станет излюбленным у живописца.
«Девушка перед зеркалом» (1932)
Девушка перед зеркалом (1932 год). 162×130см. Холст/масло.
Картина «Девушка перед зеркалом» также выполнена в сюрреалистичной манере. Здесь, как и на предыдущем полотне, изображена юная возлюбленная Пикассо Мария-Тереза Вальтер. Цвета картины, также как цвета «Сна», яркие, светлые. Интересно сравнивать образ девушки по ту и эту сторону зеркала.
Кстати, рентгеновский снимок, также как в «Трех танцорах», показал, что изначально картина была написана в более спокойной и реалистичной манере, однако позже Пикассо изменил первоначальное намерение и сменил стиль на сюрреалистический.
«Герника» (1937)
Герника (1937 год). 349×776 см. Холст/масло.
«Герника» занимает в творчестве Пикассо особую роль. Это одна из самых известных и самых трагичных вещей во всем творчестве художника.
Испанский город Герника в апреле 1937 года подвергся бомбардировке немецких войск. Погибло, по разным данным, от нескольких сотен до нескольких тысяч человек. Большую часть погибших составляли женщины и дети. Эта трагедия настолько поразила художника, что он бросил картину, которую писал на тот момент для Всемирной выставки, и за месяц создал свою «Гернику».
Полный анализ картины
Картина «Герника» Пабло Пикассо
Выполненная в стиле кубизма, эта картина, тем не менее, не вызывает сомнений в настроении и сюжете. Она воплощает в себе все горе и ужас войны и до сих пор является одним из важных антивоенных символов. В ней нет красок, как нет их в любом городе, в котором прошла война, в ней все кричит о страхе и боли.
«Голова быка» (1942)
Голова быка (1942 год). Холст/масло.
Пабло Пикассо был не только художником, но и скульптором. Одна из его скульптур – это «Голова быка». Как картины Пикассо сложно назвать классической живописью, так и это произведение трудно назвать классической скульптурой.
Голова быка здесь составлена из седла и руля велосипеда. Она минималистична, но это не делает ее простой. Автор дает понять, что даже обычные вещи могут оказаться не тем, чем кажутся на первый взгляд, если посмотреть на них под другим углом.
Дон Кихот (1955 год). Тушь/бумага.
«Дон Кихот» Пикассо – это эскиз, написанный для французской газеты по случаю 350-й годовщины издания романа. Несмотря на то, что эскиз, в отличие от живописи, кажется чем-то простым и незамысловатым, ему присуща особая прелесть. Мы видим «рыцаря печального образа» на его коне с верным оруженосцем Санчо Пансой. Светит солнце, а на заднем фоне видны знаменитые мельницы. Оба героя смотрят вдаль. Заметно, что Дон Кихот прорисован значительно старательнее, а Санчо Панса изображен нарочито небрежно, чтобы зритель не сомневался, кто является центральной фигурой на картине. «Дон Кихот» Пикассо до сих пор считается одной из самых удачных иллюстраций романа.
«Чикагский Пикассо» (1967)
Чикагский Пикассо (1967 год).
Скульптура.
«Чикагским Пикассо» принято называть безымянную скульптуру, созданную Пабло Пикассо для американского города Чикаго. Ее также называют памятником кубизму: выполненная в этой манере, скульптура до сих пор вызывает вопросы зрителей. Нет единого мнения, какой именно образ она собой воплощает. Одни зрители видят в ней женщину, другие – животное. Размеры «Чикагского Пикассо» также впечатляют: высота объекта составляет более пятнадцати метров!
«Поцелуй» (1969)
Поцелуй (1969 год). Холст, масло.
«Поцелуй» – одна из поздних работ Пикассо. Она написана в стиле сюрреализма и изображает целующихся мужчину и женщину. В мужчине узнаваем сам автор: в последние годы он часто писал себя в образе, который принято называть Мушкетером, – это немолодой, усталый и меланхоличный мужчина, нередко в широкополой шляпе. Он пришел на смену Арлекину – образу автопортретов раннего Пикассо. Женщина же – это последняя муза художника Жаклин Рок. Ведший прежде бурную жизнь, художник под конец успокаивается и посвящает всего себя картинам и единственной женщине.
В этом произведении, как и во многих других сюрреалистических вещах Пикассо, мы видим женщину изображенной одновременно в анфас и профиль. Несмотря на странную, сюрреалистичную манеру исполнения, «Поцелуй» – картина, полная нежности и покоя.
«Купальщица» (1971)
Купальщица (1971 год). 96,7 х 130 см. Холст, масло.
В разные годы жизни Пикассо написал немало купающихся женщин. Его, как и многих других художников, привлекало обнаженное женское тело. Эта «Купальщица» – последняя в ряду полотен и была написана незадолго до смерти автора. Девушка изображена в любимой Пикассо сюрреалистичной манере, словно со всех сторон сразу. Кроме того, женская фигура написана в той же цветовой гамме, что и море на заднем плане, так что иногда непонятно, где заканчивается тело девушки и начинаются волны. Она словно сливается со стихией.
«Наука и Благотворительность» (1897)
79
«Трагедия» (1903)
61
«Девочка на шаре» (1905)
50
«Старый гитарист» (1903 год)
42
«Ребенок с голубем» (1901)
40
«Семейство комедиантов» (1905)
33
«Жизнь» (1903)
28
«Автопортрет в голубой период» (1901)
22
«Дон Кихот» (1955)
15
«Сон» (1932)
-6
«Герника» (1937)
-9
«Авиньонские девицы» (1907)
-13
«Поцелуй» (1969)
-14
«Девушка перед зеркалом» (1932)
-14
«Сидящая женщина» (1909)
-17
«Чикагский Пикассо» (1967)
-21
«Голова быка» (1942)
-25
«Купальщица» (1971)
-25
«Три танцора» (1925)
-27
Фото всех картин Пабло Пикассо
В этом разделе приведены все картины, о которых шла речь в статье.
Так можно еще раз проследить эволюцию творчества художника.
Вопросы по теме
У тех, кто начинает изучать творчество Пабло Пикассо, нередко возникает множество вопросов: Сколько картин написал художник за свою жизнь? Почему они стоят так дорого и какая из его вещей самая дорогая? И наконец, в чем же уникальность картин Пикассо? Эта статья постарается ответить на все вопросы.
Сколько картин написал Пабло Пикассо?
Всего за свою жизнь Пикассо написал около двух тысяч картин. Если же учитывать эскизы, рисунки и скульптурные произведения, их общее количество составит более пятидесяти тысяч!
Почему картины Пабло Пикассо так дорого стоят? Какая картина самая дорогая?
Пикассо считается одним из самых дорогих художников – большая часть его картин продается за баснословные деньги. Это неудивительно: Пабло Пикассо был гением, его имя известно во всем мире и нет такого коллекционера, который не хотел бы заполучить себе одну из его вещей.
Самая дорогая на сегодняшний момент вещь Пикассо– картина «Алжирские женщины (версия О)». Она была продана на аукционе за 179 миллионов долларов! Сложно представить себе такие суммы, однако коллекционеры готовы отдать их, чтобы стать владельцами произведений самого Пабло Пикассо.
В чем уникальность картин Пабло Пикассо?
Чем же картины Пикассо отличаются от других? Пабло Пикассо был не только гением, он был первым, кто начал рисовать в подобной манере. Сперва его работы не принимались обществом, и только спустя время стало ясно: то, что он делает, – это новое слово в искусстве. Так, например, именно Пабло Пикассо и его друг Жорж Брак стали основоположниками кубизма – нового направления живописи. Пикассо также один из первых стал сюрреалистом, и этот стиль давался ему так, как мало кому еще. Его произведения самобытны и необычны, и Пабло Пикассо заслуженно считается одним из главных творцов в истории искусства.
Портрет Гертруды Стайн (1905)
| Дата завершения | 1905 |
| Средний | Холст, масло |
| Размеры | 100 см x 83 см |
| Местоположение | Метрополитен-музей |
Автор, близкий соратник и даже благодетельница Пикассо Гертруда Стайн сыграла важную роль в его художественном росте.
Эта картина, на которой Штейн носит ее любимый коричневатый бархатный жакет, знаменует собой поворотный момент в его технике. Контуры этого изображения кажутся практически точеными по сравнению с плоским аспектом других картин периода Голубой и Розы, и на них повлияло изучение создателем старой иберийской скульптуры.
Очевидно растущее увлечение Пикассо человеческим лицом, представленным в виде последовательности плоских поверхностей.
Штейн утверждала, что позировала Пикассо 90 раз, и хотя это может быть преувеличением, Пикассо явно боролся с изображением ее головы в течение длительного периода. Однажды он создал его полностью, заявив: «Я больше не могу различать вас, когда смотрю», и, наконец, отказался от изображения после нескольких попыток, но безуспешно. Голову долго не доделывал, но делал это без человека перед собой.
Авиньонские девицы (1907)
| Дата завершения | 1907 |
| Средний | Холст, масло |
| Размеры | 243 см x 233 см |
| Местоположение | Музей современного искусства |
Даже самые близкие современники Пикассо были потрясены этим произведением как по сюжету, так и по технике исполнения.
Концепция обнаженных дам не была необычной, но изображение Пикассо девушек как проституток в откровенно сексуальных позах было уникальным. Подобные маскам лица трех персонажей раскрывают любовь Пикассо к иберийскому и местному искусству, подразумевая, что их чувственность не только агрессивна, но и примитивна.
Пабло Пикассо пошел еще дальше в своих пространственных исследованиях, отказавшись от ренессансной иллюзии трехмерности в пользу представления сильно сплющенной плоскости изображения, разделенной на геометрические части, техника, которую Пикассо позаимствовал у Поля Сезанна.
Бедро женщины слева, например, изображено так, как будто оно видно сразу со многих точек зрения; невозможно отличить ногу от пустого пространства вокруг нее, создавая ощущение, что они оба находятся на переднем плане.
Когда фотография наконец была представлена публике в 1916, это было широко расценено как аморальное. Брак — один из очень немногих художников, которые тщательно изучили его в 1907 году, что привело к его кубистическим работам с Пикассо.
Он признан прото- или пре-кубизмом, так как он предсказал некоторые характеристики кубизма.
Натюрморт со стулом Caning (1912)
| Дата завершения | 1912 |
| Средний | Холст, масло |
| Размеры | 29 см x 37 см |
| Местоположение | Национальная галерея, Лондон |
Это известное произведение часто называют первым коллажем в современном искусстве . Пикассо ранее включал в свои работы уже существующие объекты, но впервые он сделал это с таким комедийным и драматическим замыслом.
Как следует из названия работы, стул в работе на самом деле представляет собой набивную ткань, а не настоящий стул, обшитый палкой. С другой стороны, веревка, обвивающая картину, вполне реальна и служит для имитации резного бортика столика в кафе. Картину также можно рассматривать как оконное стекло, а стул — как фактическое сидение объекта, которое можно рассматривать через стол.
В результате произведение искусства не только радикально искажает визуальное пространство, что характерно для экспериментов Пикассо, но и запутывает наше понимание того, на что мы смотрим.
Ваза с фруктами, скрипка и бутылка (1914)
Дата завершения 4 4
| 1914 |
|
| Средний | Холст, масло |
| Размеры | 92 см x 73 см |
| Местоположение | Национальная галерея, Лондон |
Эта картина является примером синтетического кубизма, в котором он использует различные методы для обозначения изображенных объектов, таких как нарисованные точки, тени и песчинки.
Пикассо «синтезировал» текстуры в этом произведении, написанном красками и смешанной техникой, создавая целое после мысленной деконструкции подручных материалов.
Пикассо ограничил цвет в период своего аналитического кубизма, чтобы больше сосредоточиться на формах и размерах вещей, что повлияло на его выбор натюрморта на протяжении всего периода.
Жизнь в кафе ясно отражала текущую парижскую жизнь художников — он проводил там много времени, разговаривая с художниками, — но базовый ассортимент предметов также гарантировал, что можно избежать метафорических забот.
Ма Джоли (1912)
| Дата завершения | 1912 |
| Средний | Холст, масло |
| Размеры | 100 см x 64 см |
| Местоположение | Музей современного искусства |
Еще одна из самых известных картин Пикассо, Ma Jolie , продвигает эксперименты художника в новые области, преодолевая грань между высоким искусством и популярной культурой.
Уменьшая цвет и увеличивая видимость барельефной скульптуры, Пикассо приближается к абстракции, опираясь на геометрические контуры прошлых работ. Пикассо, с другой стороны, использовал нарисованные слова как часть своего холста. Благодаря выбранному рекламному шрифту слово «ma Jolie» на лицевой стороне не только объединяет поле, но и связывает иллюстрацию с рекламным щитом.
Художник впервые открыто включил аспекты популярной культуры в изобразительное искусство.
Это также использовалось как название известной песни того времени, а также псевдоним Пикассо для его невесты, что еще больше связывало картину с популярной культурой. Фигурка Ma Jolie состоит из меняющихся плоскостей.
Этим характеризуется аналитический кубизм.
Пикассо и Жорж Брак имеют похожие художественные подписи. Оба художника одновременно использовали различные изобразительные приемы.
Выдающаяся треугольная масса на изображении обозначает ее голову и тело. Пикассо изобразил струны гитары, сгруппировав вертикальные линии в нижней середине. Дама, играющая на этом инструменте, создает картину, которая может быть близка многим людям.
Три музыканта (1921)
| Дата завершения | 1921 |
| Средний | Холст, масло |
| Размеры | 204 см x 188 см |
| Местоположение | Художественный музей Филадельфии |
Картины музыкантов Пабло Пикассо представлены в двух вариантах. Эту уменьшенную версию можно увидеть в Художественном музее в Филадельфии, хотя обе они огромны для кубистической фазы Пикассо, и он, возможно, решил создать такой грандиозный масштаб, чтобы отметить конец своего синтетического кубизма, который занимал его более десять лет.
Он был создан в том же сезоне, что и классическая работа 9.0185 Три женщины весной (1921), что совсем другое.
Пикассо сидит в центре, как обычно Арлекин, с Максом Жакобом и Гийомом Аполлинером по бокам, от которых он отдалился.
Пикассо изобразил трех музыкантов в небольшой, похожей на коробку комнате, состоящей из плоских, ярко окрашенных абстрактных форм. Слева кларнетист, посередине гитарист, справа певец, сжимающий ноты. Они одеты как известные персонажи, в том числе Пьеро в сине-белом костюме, Арлекин в костюме с желто-оранжевым рисунком и монах справа. Перед Пьеро лежит столешница с трубкой и прочим скарбом, а под ним собака, живот, ноги и зад которой выглядывают из-под ног исполнителя.
Все в этом изображении состоит из плоских форм, как и сцена, на которой играют три исполнителя.
Коричневый пол за этими музыкантами находится в другом месте, простираясь значительно больше влево, чем вправо. Перекошенное пространство создают пол и плоские стены, обрамляющие кадр, но музыканты кажутся устойчивыми. Поскольку формы, из которых они состоят, пересекаются и накладываются друг на друга, как если бы они были вырезками из бумаги, трудно определить, где начинается один музыкант и заканчивается другой.
Три женщины весной (1921)
| Дата завершения | 1921 |
| Средний | Холст, масло |
| Размеры | 204 см x 174 см |
| Местоположение | Музей современного искусства |
Чтобы написать это самое сложное изображение античной классической темы, Пикассо провел серьезное исследование.
Он отдает дань уважения предыдущим работам Пуссена и Энгра, двух титанов традиционной живописи, но также берет элементы из Греческие скульптуры , а массивный вес фигур чрезвычайно скульптурен. По мнению критиков, эта тема привлекла его из-за рождения первого сына, а меланхолическое настроение фигур можно объяснить нынешним увлечением Франции чествованием памяти погибших в Первой мировой войне.
Первозданная раннесредиземноморская атмосфера этой прекрасной картины — еще один красочный пример гигантских неоклассических фигур Пикассо.
Три дамы появляются из скалистого ландшафта, как массивные рельефные скульптуры, их точеные черты и преувеличенно статные очертания напоминают поздние или провинциальные эллинистические формы.
Четко очерченные черты, а также глубокие выемки, обозначающие складки платья, контрастируют с необычной округлостью тел.
Усиленный рельеф, созданный увеличением ширины этих складок и драматическим применением цвета для их создания – серебристый по качеству на ярко-синем – контрастирует с коричнево-оранжевым фоном скал.
Герника (1937)
| Дата завершения | 1937 |
| Средний | Холст, масло |
| Размеры | 250 см x 777 см |
| Местоположение | Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía |
Пикассо создал эту картину в знак протеста против бомбардировки Герники, баскского города, 26 и 19 апреля.37, во время гражданской войны в Испании. На изготовление ушло меньше месяца, и он стал центром выставки для Испании во время Парижской всемирной выставки 1937 года.
Впоследствии его запретили выставлять в Испании до свержения военного тирана Франсиско Франко в 1975 году, несмотря на то, что во время показа он вызвал настоящий ажиотаж. Много часов ушло на то, чтобы понять смысл картины, и некоторые считают, что страдающая лошадь в центре картины олицетворяет испанцев.
Это произведение считается гибридом пасторального и эпического жанров. Отсутствие цвета усиливает драматизм, придавая изображению журналистское ощущение, похожее на фотографию.
Герника Интерпретации разнообразны и часто противоречивы. Это включает в себя две наиболее заметные части фрески, быка и коня. Патрисия Фейлинг, историк искусства, заявила: «В испанской культуре бык и конь являются выдающимися фигурами. Пикассо, несомненно, использовал эти фигуры для выполнения ряда различных ролей в течение своей жизни. Это сделало расшифровку точного значения быка и лошади чрезвычайно трудным.
Дайкс написал: «Он не моргал. У меня появилось поразительное ощущение, что, как хороший испанец, он столкнулся лицом к лицу с собственной смертностью». Окончательное исполнение портретов Пикассо, выполненное в тошнотворно-зеленых и молочно-розовых тонах, похоже на маску явного страха. Широко раскрытые глаза человека пронзают наблюдателя, подразумевая, что он не принимает неминуемую смерть.
На этом мы завершаем наш обзор рисунков и картин Пабло Пикассо. Около 1907, шквал влияний, от Ван Гога до племенного искусства, побудил Пикассо придать своим фигурам больше веса и структуры. Все это завершилось тем, что в конечном итоге привело его к кубизму, с помощью которого он бросил вызов условностям ренессансной перспективы в искусстве.
Взгляните на нашу веб-историю «Самые известные картины Пикассо» здесь!
Часто задаваемые вопросы
Кто такой Пабло Пикассо?
Пабло Пикассо обычно считается одним из самых значительных и известных художников 20-го века. Он считается законодателем творческой моды и соучредителем эстетики кубизма.
