Пикассо направление живописи: направления живописи, цены, рекорды продаж картин — «Лермонтов» — sp-love.ru

Кубизм в живописи: картины представители основатель

Кубизм – узнаваемый, необычный стиль, отображающий природу, людей, неодушевленные предметы, не прибегая к имитации. Кубизм в живописи зародился в первой четверти XX века и стал одним из направлений развития модернистской культуры.

Особенности стиля

Главная особенность – отказ от объемного изображения реальности. Картины в стиле кубизм узнаваемы, благодаря плоскому виду без светотени и перспективы. Изображения деформированы, нелогичны, иррациональны, разбиты на отдельные детали – натюрморт, портрет похожи на набор взаимодействующих геометрических фигур.

Это направление искусства стало особой формой авангарда, где доминирующую роль играют острые углы, прямые линии, нейтральная цветовая гамма. Изображения – натюрморт, портрет – не должны выглядеть реалистично, они походят на пазл, который предстоит мысленно собрать зрителю. Кубизм относят к разным направлениям живописи – абстракционизму, примитивизму, авангардизму.

Основание течения и первые творцы

Первые работы связаны с творчеством Пабло Пикассо и Жоржа Брака. Временем возникновения направления считают 1907 год. Одна из первых ярких и репрезентативных работ – картина «Авиньонские девицы». Творение Пикассо отличалось рубленными, грубыми линиями, острыми углами, отсутствием игры теней и перспективы. Нереалистичное изображение обнаженных женщин характерно для кубизма.

Художник использовал нейтральные, природные цвета. Африканские маски, по мнению искусствоведов, являются символом зарождения нового течения живописи.

Основоположник кубизма дал картине название «Философский бордель», а переименована она была Андре Сальмоном – писателем, другом художника. В полотне отслеживаются влияния картины Сезанна «Купальщицы».

По мнению искусствоведа Эрнста Гомбриха, основатель кубизма – Поль Сезанн, а Пабло Пикассо был его учеником. Именно Сезанн в письме к Пикассо изложил совет применять простые, геометрические формы: сферы, цилиндры, конусы. Автор письма имел в виду основу, базу для создания изображения, но Пабло Пикассо истолковал этот совет буквально.

Со времен эпохи Возрождения художники стремились к максимальной реалистичности передаваемого изображения. Кубизм полностью оторвался от реалистичности, натуральности, гармонии передачи света и тени. Стремление к созданию плоского изображения в натюрморте, портрете, вместо объемного – главная черта творчества первых кубистов. Они использовали геометрические фигуры для абстрактной передачи изображений людей, природы, предметов. Формы, переданные на картинах – осязаемые, незамысловатые, простые. Натюрморт и портреты отображают суть, эмоции, но не истинное, реалистичное изображение.
Термин «кубизм» появился в 1908 году, благодаря критику Луи Вокселю. Излагая мнение о картинах Брака, он назвал их «кубическими причудами».

Родиной кубизма считается Франция, но направление живописи активно развивалось и за ее пределами – в России (в форме кубофутуризма), Чехословакии. Современный стиль кубизм тяготеет к абстракции, футуризму.

Кубизм не сразу прижился в мире искусства – он часто становился предметом насмешек и жесткой критики. Это радикальное для живописи течение, пришедшее на смену реализму, было предметом нелестных отзывов. Также представители стиля, работавшие в этом стиле, стали предметом интереса прессы. Кубический натюрморт и другие жанры были смелым творческим экспериментом. Поклонников нового, необычного стиля, было немного, но среди них были критики и меценаты.

Развитие направления

В процессе эволюции стиля выделяется три периода:

Сезан

Ранний период развития или «сезанновский кубизм» — становление нового направления в живописи под влиянием работ Сезанна и африканских скульптурных композиций. Длился период с 1907 до 1909 года. В работах художников передается объем при помощи цвета – мощные изображения еще не укладываются в рамки плоского изображения.

Аналитика

Аналитический период (1910 – 1912) – этап переосмысления кубизма. Цвет на картине практически отсутствует, формы расплывчатые, нечеткие, каждый предмет делится на небольшие грани. Одна из наиболее репрезентативных работ второго периоды – «В честь И.С. Баха» Ж. Брака. Жанры – натюрморт, портрет.

Художники подают объекты более детализовано, исходя из собственного видения. Предметы разбиты на блоки, детали геометрических форм. Иногда виденье художника нарушает пространство и время. Путем дробления целого на геометрические фигуры, художники пытались проникнуть в суть вещей.

Работы, характерные для аналитического периода, считаются наиболее показательными для кубизма – у многих именно с такими полотнами ассоциируется все направление. Наиболее известные примеры аналитического кубизма – работы Пабло Пикассо «Бутылка и книги», «Стол архитектора», «Человек с кларнетом», «Человек со скрипкой».

Развитие

Синтетический период (1913 – 1914) – период развитого кубизма. Картины становятся более выразительными, яркими, декоративными. Основателем этого направления считается Хуан Грис. Время появления – 1912 год, но наиболее полно стиль раскрылся в 1913 году. Творцы стремились передать на картине самодостаточный, а не иллюзорный объект. Наиболее развитый жанр – натюрморт.

Изображение плоское, комбинированное с наклейками, надписями. Популярны коллажи из необъемных геометрических фигур, из цветной бумаги или газет, некоторые художники полностью рисовали их, не используя дополнительные материалы. Представители синтетического кубизма – Пабло Пикассо, Жорж Брак.

Цвета и объем утратили привычное значение. С развитием кубизма, оттенки стали схематичными: чтобы передать выступающие объекты в натюрморте или другом жанре, изображенные на переднем плане, использовали светлые, теплые тона, для удаленных предметов – темные оттенки.

После Первой мировой войны Брак и Пикассо, которые работали совместно, прекратили сотрудничество. Творчество каждого из них оказало заметное влияние на футуризм, пуризм, вортицизм.

Известные полотна

«Мандора», Ж. Брак

Пример кубизма ранней аналитической стадии, натюрморт, представленный в нейтральных, мрачных тонах. На картине изображен музыкальный инструмент – мандора. Специалисты называют картину пробой работы с мрачными тонами. Художник решил отказаться от ярких красок, остановив внимание на композиции, деталях.

«Три музыканта в масках», П. Пикассо

Работа представляет синтетический кубизм, написана незадолго до переориентации живописца на сюрреализм. Используются яркие тона, четкие геометрические формы. Центральные персонажи полотна похожи на аппликацию из цветной бумаги, наклеенную на холст.

«Фантомас», Х.Грис

Грису искусство обязано за разработку техники создания коллажей. Абстрактные изображения переплетаются с газетными и журнальными вырезками. «Фантомас» — яркий пример синтетического кубизма. Именно Грис первым начал использовать яркие тона в работах – это оказало влияние на творчество Пабло Пикассо и Жоржа Брака.

«Мужчина в кафе», Х.Грис

Живописец удачно использовать яркие цвета и текстуры. Картину можно назвать репрезентативным образцом синтетического кубизма – используется техника создания коллажа.

«Дама в голубом», Ф.Леже

Изображение выполнено с использованием ярких красок. Полотно относят как к синтетическому кубизму, так и к ранней абстракции. Главная идея Леже – передать характер, внутренний мир женщины, не останавливаясь на детализации ее внешности.

Значение для развития живописи

Направление в творчестве, лишенное реализма и логики, оказало противоречивое влияние на развитие живописи. Положительные влияния: новое восприятие и передача реальности, возможность показать личное виденье мира, живость и эмоциональность полотен, индивидуализм. Натюрморт, портрет и другие жанры стали тяготеть к иррациональному.

Негативные влияния: отказ от реалистичности, примитивизация искусства. Кубизм оказал существенное влияние на живопись XX века. Соединяясь с другими направлениями в искусстве, зародились самобытные, необычные стили.

Период развитого кубизма завершился после Первой мировой войны, но влияния этого стиля заметны в работах известных американских художников. В начале 30-х годов течение стало толчком для развития творчества Л.Фейнингера, Дж. Марина, М.Русселя и других.

Наибольшими достижениями кубизма можно считать работы Пабло Пикассо «Авиньонские девицы» и «Гитара». Используя простые геометрические формы, художники передавали суть изображения, показывали, что можно продемонстрировать взаимосвязи отдельных фигур без необходимости передачи облика реального объекта. Чтобы передать значение кубизма в искусстве, стоит изучить творчество Пабло Пикассо, Фернана Леже, Жоржа Брака, Андре Лота, Марселя Дюшана, Франсиса Пикабиа, Жака Липшица.

Как научиться разбираться в живописи Пабло Пикассо за 5 минут / AdMe

По оценкам экспертов, Пабло Пикассо считается самым дорогим художником в мире. Несколько лет назад объем официальных продаж его работ составил $ 262 млн. Кроме того, творческая карьера Пикассо считается одной из самых продолжительных. Она охватывает почти 80 лет, поэтому неудивительно, что за это время художник тяготел к экспериментам — от классицизма и натурализма до кубизма и сюрреализма.

ADME решил проследить, как менялся почерк и стиль одного из самых известных и почитаемых художников XX века и с чем были связаны эти перемены.

Ранний период (8–20 лет)

Пабло Пикассо (чье полное имя звучит как Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо) родился в 1881 году в Андалузской провинции Испании. Его отец был художником и с ранних лет прививал мальчику любовь к искусству: учил азам живописи и всячески развивал талант сына. Маленький Пабло начал рисовать в 3 года, а в 7 лет уже писал картины маслом. Все ранние работы Пикассо и их цветовая палитра обладают максимальным сходством с оригиналом — художник изображает жизнь и людей такими, какие они есть.

Полотно 1896 года «Портрет матери» (слева на коллаже выше) написано 15-летним художником в Барселоне во время учебы в школе искусств и ремесел.

Одна из последних работ раннего периода — «Нана» (на коллаже справа) — была написана к первой выставке Пабло в Париже. В это время он осваивал методы импрессионистов и подражал им. В итоге критики отметили высокое мастерство начинающего художника, но посоветовали ему искать свой собственный стиль.

«Голубой период» (20–24 года)

К концу 1901 года Пабло находит свой оригинальный стиль и пишет работы, которые впоследствии будут отнесены к так называемому «голубому периоду», поскольку в цветовой палитре художника преобладали холодные и мрачные оттенки синего. На полотнах этого времени превалируют темы печали, нищеты, старости и смерти, а героями картин становятся алкоголики, проститутки и люди из низших слоев общества.

Дело в том, что в 1901 году покончил с собой близкий друг Пикассо. Художник чувствовал вину в том, что не предотвратил трагедию, и пребывал в депрессии. Кроме того, в эти годы Пабло отчаянно нуждался в деньгах и часто голодал. Одним из самых знаменитых полотен «голубого периода» считается картина «Любительница абсента» (слева на коллаже выше).

По иронии судьбы, полотна этого самого тяжелого и голодного периода жизни художника продаются сегодня на аукционах за огромные деньги. Например, картина «Голова Арлекина» (на коллаже справа) была продана на аукционе Sotheby’s за $ 15,2 млн.

«Розовый период» (23–25 лет)

В 1904 году Пикассо окончательно переезжает в Париж. Два последующих года его творчества получили название «розовый период» из-за характерной цветовой палитры. В это время все работы Пабло преисполнены жизнерадостности, изящества и тонкости. Пикассо заводит новых друзей и впервые в жизни серьезно влюбляется в Фернанду Оливье. Влюбленные живут вместе в его мастерской на Монмартре, и жизнь кажется прекрасной. Вскоре у Пабло появляются покровители — писательница Гертруда Стайн и ее брат. Они покупают картины у нуждающегося художника, выставляют их в своей галерее и вводят его в круг парижской богемы.

Главными персонажами работ Пикассо становятся бродячие артисты, акробаты, циркачи и танцовщики. В них Пабло видит много общего с художниками: они тоже бедны и всегда держатся вместе.

Одна из самых известных картин «розового периода» — «Девочка на шаре» (слева на коллаже выше).

Африканский период (26–28 лет)

Этот короткий период творчества художника называют также «протокубическим», или «сезанновским», потому что Пабло находится под серьезным влиянием метода Поля Сезанна. Пикассо старается максимально упрощать изображение, так как приходит к выводу, что в основе любой сложной формы всегда лежит простой геометризм: куб, шар, цилиндр, конус.

Сюжеты полотен того времени навеяны архаичным искусством Африки, которое художник увидел на этнографической выставке в музее Трокадеро. Для Пабло простое и даже примитивное африканское искусство стало настоящим открытием, поскольку оно несло в себе огромный жизненный и художественный заряд. Древние скульптуры передавали реальность с гораздо большей силой, чем современное европейское искусство.

Аналитический кубизм (28–31 год)

Аналитический кубизм Пикассо изменил развитие всего искусства XX века. Он стал родоначальником этого направления в живописи вместе с французским художником Жоржем Браком. Философия этого стиля заключалась в том, что живопись способна на большее, чем просто изобразить то, что видит глаз человека. Пабло ищет способ показать мир таким, какой он есть, поэтому старается писать «не то, что видит, а то, что знает».

Сначала художник экспериментирует с цветом: он уничтожает цветность, так как считает, что это просто обман зрения. Плотна аналитического кубизма отличает их монохромность. Потом Пикассо избавляет от фактуры вещей — скрупулезное выписывание деталей предметов, волосков и морщинок уже неактуальны.

В это время Пабло пишет довольно много портретов своей возлюбленной Фернанды, в частности картину «Женщина с грушами» (на коллаже слева). Именно в этих работах он оттачивает свой новый метод видения формы.

Синтетический кубизм (31–36 лет)

Синтетический кубизм характеризуется изменением колористики: Пикассо начинает добавлять в картины яркие цвета. Кроме того, в полотнах появляются узнаваемые предметы: ключ, трубка, бутылка, бокал, музыкальный инструмент. Таким образом, картины синтетического кубизма становятся больше похожими на коллажи. Причем художник использует для их создания не только краски, но и папье-маше, газеты, нотные листы и опилки, чтобы придать поверхности больше фактуры. Наиболее известной стала серия его полотен-коллажей «Гитары».

Свое название этот период получил потому, что Пикассо синтезирует, объединяет 2 реальности — художественную и настоящую.

Классицизм (36–44 года)

Это очень насыщенный и яркий период в жизни и творчестве Пабло. В это время он сотрудничает с Русским балетом Дягилева, вместе с труппой едет в Рим и влюбляется в русскую балерину Ольгу Хохлову. Вскоре пара играет свадьбу, у них рождается сын Пауло.

Новая среда — театр, балет, путешествия — требуют реалистичного изображения, и Пикассо отказывается от кубизма в пользу античного классицизма. Кроме того, художник теперь вращается в новой для себя респектабельной среде, к которой питает слабость его супруга. Также Ольга требует от мужа, чтобы на его портретах и она, и их сын были узнаваемыми, и Пабло не может отказать ей в этой просьбе.

Сюрреализм (44–56 лет)

Когда Пикассо было 45 лет, его отношения с Ольгой Хохловой начали ухудшаться, и он познакомился с 17-летней француженкой Марией-Терезой Вальтер. Девушка стала его натурщицей и новой музой. Также в этот период Пабло много общается с сюрреалистами, и это направление в живописи начинает оказывать на его творчество огромное влияние. Переход к сюрреализму можно описать выражением самого художника: «Я изображаю предметы так, как я думаю о них, а не так, какими я их вижу».

Одной из самых ярких картин того времени считается полотно «Читающие женщины» (справа на коллаже выше). На нем нарисованы Мария-Тереза и ее сестра. Позднее картина была продана на аукционе Sotheby’s за $ 21,3 млн.

Конец 30-х и война (56–64 года)

Предчувствие скорой войны в Европе и страхи из-за возрастания сил фашизма и франкизма нашли отражение и в творчестве Пикассо. В это время он создает знаменитую серию «Плачущие женщины», которую посвящает всем женщинам той эпохи. Его главной музой в этот период была художница и фотограф Дора Маар — именно ее он чаще всего изображает на своих полотнах и в ее портретах воплощает все ужасы войны.

В 1937 году Пабло Пикассо пишет, пожалуй, свою самую известную картину — «Герника» (на фото внизу). Так художник откликается на бомбардировку фашистами испанского города Герника. Полотно стало актуальным антифашистским манифестом, который стремительно распространился по Европе.

Послевоенный период (65–73 года)

Этот период в жизни художника можно назвать временем обновления и надежд. В послевоенные годы Пикассо влюбляется в юную художницу Франсуазу Жило, и вскоре пара перебирается жить в свой дом на юге Франции, где у них родились 2 детей.

Пабло часто пишет свою возлюбленную. Ее свежий и яркий образ на картинах обычно далек от натуралистичности, но всегда узнаваем. Однако семейного счастья не получилось — непростой характер и частые измены художника вынудили Франсуазу забрать детей и уйти от него. Это был первый раз, когда женщина оставила Пикассо, а не наоборот. Находясь в тяжелом состоянии после ухода возлюбленной, он пишет картину «Тень, падающая на женщину» (на коллаже справа).

Поздний период (73–92 года)

Пабло Пикассо продолжал рисовать до последних дней. Его работы в это время включают в себя множество стилей и элементов прошлых периодов, поэтому они весьма разнообразны и неодинаковы по качеству. Так, его картина «Алжирские женщины. Версия О», написанная в этот период, была продана в 2015 году за $ 179 млн и стала самой дорогой картиной в мире, когда-либо проданной с аукциона.

В это время его музой была Жаклин Рок. Вместе они прожили 11 лет, и за это время художник создал более 400 ее портретов — больше, чем любой другой из своих женщин. Картина «Жаклин со скрещенными руками» — одна из первых работ этой серии — была написана Пабло за один день.

Последней картиной гения стало полотно под названием «Лежащая обнаженная голова» 1973 года. Еще накануне Пабло Пикассо трудился над нею в своей мастерской, а на следующее утро он умер на 92-м году жизни. За 76 лет творчества художник создал около 20 тыс. работ.

Бонус

Недавно американские ученые раскрыли секрет одной из картин Пикассо «голубого периода» — «Нищенка, сидящая на корточках». Исследователи применили метод рентгенофлуоресцентного анализа и обнаружили, что под полотном скрыта картина другого художника. Пикассо написал свою работу поверх старой, на которой был изображен пейзаж Барселоны.

Картины какого периода творчества Пабло Пикассо вам наиболее близки?

Фото на превью La coiffur / picassolive, Jacqueline aux mains croisées / picassolive

Easy Picasso Art Project Учебное видео и страница-раскраска Пикассо

17 мая 2022 г. 28 августа 2022 г.

Ниже вы найдете простое пошаговое руководство для видеоролика художественного проекта Пикассо и страницы-раскраски Пикассо. Это забавный проект автопортрета, который в то же время учит немного кубизму.

Jump to Tutorial
Picasso Video
Coloring Page
Tracing Page

Draw like Picasso Drawing

Picasso Art Project Tutorial Video

This Picasso art project began as an масляной пастелью много лет назад, и она хорошо подходила для живописных качеств, которыми иногда обладает пастель. Я решил поделиться этой новой версией, созданной только мелками, чтобы показать, как сильное нажатие может создать насыщенные цвета. Образец выше был на самом деле сделан путем наложения мелков на большие формы лица. Это делает некоторые интересные цвета и текстуры.

Если вы хотите, чтобы ваши ученики помнили, что кубизм — это видение чего-то более чем с одной стороны за раз, то я не знаю более буквального способа интерпретировать это, чем вид лица спереди и в профиль, смазанный все вместе. Вы не можете не сделать интересные мгновенные абстрактные рисунки.

Пабло Пикассо был испанским художником, скульптором, гравером, керамистом и театральным дизайнером, сыгравшим огромную роль в мире искусства в начале 1900-х годов. Его творчество и эксперименты помогли ему стать одной из самых известных фигур в искусстве 20-го века.

Начало работы с направляющими для рисования

Лучший способ подтолкнуть учащихся к хорошему началу любого урока рисования — показать им, как использовать направляющие в качестве ориентира.

Возможно, вы заметили, что все руководства на этом сайте имеют пунктирную линию, проходящую через центр каждого шага как в горизонтальном, так и в вертикальном направлении. Если учащиеся сделают свои собственные центрированные линии на своей собственной бумаге перед рисованием, они будут иметь простой ориентир для подражания.

Например, как показано на шаге 1 ниже, начало рисования профиля должно начинаться сверху и идти вниз за середину, в основном на центральной вертикальной линии. Важно расположить эту линию по центру, чтобы лицо было сбалансированным, когда оно будет завершено. Когда новички хорошо начинают рисовать, у них больше шансов, что они почувствуют себя успешными к тому времени, когда они закончат.

Значит ли это, что учащиеся должны взять линейку, чтобы провести большую толстую линию по центру бумаги, прежде чем они начнут? Боже нет, пожалуйста, не надо! Это, скорее всего, будет трудно стереть и отвлечь от любого готового искусства. Нет, просто сложите лист бумаги пополам в обе стороны, сделайте сгиб и разверните. Прелесть в том, что к тому времени, когда рисунок будет сделан и раскрашен, складки исчезнут.

А теперь к арт-проекту Пикассо.

Присоединяйтесь к моему списку адресов электронной почты ниже и получите эту мгновенную загрузку!

Picasso Coloring Page

Open Picasso Coloring Page

Picasso Tracing Page

Open Picasso Tracing Page

Time Lapse Drawing of a Picasso Art Project

Time lapse of Picasso drawing tutorial

Materials for How to Draw a Художественный проект Пикассо

Бумага для рисования . Это хорошие вещи, которые можно купить оптом по хорошей цене.
Карандаши. Мне нравится, что этот бренд всегда делает красивые темные линии.
Черный маркер. Перманентный маркер даст вам темно-черный цвет.
Мелки . Чем больше упаковка, тем лучше выбор цветов.
Примечание. Все вышеперечисленное является партнерской ссылкой Amazon.

Указания для проекта Пикассо

Необходимое время: 30 минут.

Как нарисовать портрет в стиле кубизма, как Пикассо

Начальный профиль лба и носа.
Продолжайте опускаться ртом.
Добавьте подбородок и шею.
Нарисуйте глаз в профиль.
Завершите работу над бровями и губами.
Продолжить линию подбородка, добавить шею.
Нарисуйте глаз спереди.
Дорисуйте брови и губы, вид спереди.
Обведите маркером и цветом.

Другой проект кубизма

Портрет кубизма

Другие проекты художника по рисованию

Почтовые теги: #QR-код

Герника — художественный процесс Пикассо

Первая композиция для росписи, нарисованная в тот самый день, когда известие о бомбежке дошло до Пикассо в Париже, представила персонажей, которые повторялись в предыдущих работах художника.

Пикассо придавал этим фигурам форму и форму в течение следующих недель в серии предварительных набросков. Он показал уязвимость быка и агонию лошади. Он рисовал кричащих женщин и детей, возможно, вдохновленный страхом, что его собственная маленькая дочь может причинить вред. Казалось, его преследовали многочисленные лица страдания.

«Многие из рисунков намного выразительнее, чем окончательная картина», — говорит искусствовед Томас Льоренс. «Но это неизбежно, потому что Герника задумывалась как очень публичный образ. И некоторые смыслы и эмоции, которые можно передать на листе бумаги, невозможно передать на фреске шириной семь метров. из рисунков есть волосы — возможно, волосы Доры Маар — наклеенные в виде коллажа. Так что вы бы потеряли этот смысл на большой публичной фреске. Но в каком-то смысле энергия, эмоциональная энергия, исходящая от этих экспериментов, не теряется.

Пикассо всегда синтезировал в каждом изображении множество различных возможностей».

11 мая, всего через пятнадцать дней после взрыва, Пикассо натянул холст для фрески. Он был одиннадцать с половиной футов в высоту и почти двадцать шесть футов в ширину — настолько большой, что ему пришлось подпереть его под наклоном, чтобы он поместился под потолком его студии. Затем он начал выкладывать изображения в натуральную величину — женщина, плачущая над своим мертвым ребенком… воин, сжимающий сломанный меч, когда его лошадь падает в мучениях на колени… нагромождение растоптанных тел, лежащих на земле все это часть видения Пикассо холокоста в Гернике.

По словам историка искусства Патрисии Фейлинг, «Пикассо был очень хорошо обучен великой традиции живописи, аллегорической живописи на универсальные темы: ужасы войны, резня невинных. Персонажи, которые обычно появляются на этих картинах, снова появляются на картинах Пикассо как Ну.

Обычно там явно присутствует страдающая женщина, кто-то, кто кричит, женщина с ребенком, который был ранен или даже может быть мертв. И видеть, что Пикассо смог взять этот традиционный академический мотив и на самом деле переработать его и сделать актуальным снова к этому конкретному времени и этому конкретному обстоятельству, я думаю, что это действительно одно из его величайших достижений в этой картине».

Вместе с Пикассо, когда он рисовал, была его последняя возлюбленная Дора Маар, молодой фотограф, которая также стала его соавтором. Фотографии незавершенной работы Доры задокументировали творческий процесс Пикассо и его борьбу между политическими образами и художественными достоинствами.

В качестве фокуса картины Пикассо изначально нарисовал смело поднятую руку и сжатый кулак, знакомый салют испанских республиканских сил. Но художник был недоволен явным символизмом.

В течение следующих нескольких дней он создал более обнадеживающее послание о победе, поднятый кулак, сжимающий стебли зерна перед пылающим солнцем. И все же художественная чувствительность Пикассо противоречила политическому чувству полотна. «Позиция Пикассо была совершенно ясной, — говорит Льоренс. «Произведение искусства, чтобы быть действительно эффективным в политическом плане, должно работать прежде всего как произведение искусства».

Через неделю рука была полностью закрашена. Но центр картины потерял фокус. Чтобы решить эту проблему, Пикассо переместил тело быка рядом с женщиной и ребенком, подняв голову лошади на видное место и сделав копье более заметным. Больше не было битвы между лошадью и быком на ринге. Ясно, что смертельная рана была нанесена по вине человека.

Изобретательность Пикассо привела его во многих направлениях. Он добавил цвет, рисунок и текстуру с помощью обрезков обоев; он дал плачущей женщине кроваво-красную слезу.

Позже Пикассо убрал все цвета. Ранее в своей карьере, в «Голубой период», Пикассо понял, что использование монохроматической палитры может создавать мощные образы. Он подавлял цвет, потому что считал, что цвет будет отвлекать от воздействия картины. «Конечно, существовала давняя традиция, приравнивавшая линию к интеллекту, а цвет к эмоциям», — добавляет Фейлинг. «Итак, не привносить весь элемент цвета и его ассоциации с эмоциями и чувствами, в некотором смысле делает это проявлением силы на другом уровне».

Затем Пикассо набросал возможности воина. Не героическая фигура патриотического фэнтези — безжизненный, сломленный, с разбитым оружием — воин в

Гернике не может сравниться с двигателями современной войны. «Не сжатый кулак с выпрямленной рукой на конце становится такой движущейся частью картины, а вытянутые руки с содранной кожей пальцев и глубоко скрещенной ладонью», — объясняет Фейлинг.