Поп арт скульптура: 10 самых ярких поп-арт объектов в мире — sp-love.ru

Стиль живописи Поп-арт: развитие, мастера, произведения

Новое направление в искусстве появилось в середине ХХ века в Британии – Поп-арт (англ. pop-art, сокращение от popular art), целью которого было, в отличие от других направлений, не духовное развитие общества, а лишь развлечение.

Поп-арт это одна из веток авангардизма. Произведения в новом стиле были своеобразной реакцией на серьезность беспредметного искусства и других стилей, появившихся в ХХ веке, и не несли в себе никакого глубокого философского смысла, а всего лишь отражали влияние массовой культуры на общество потребления.

История развития Поп-арта

Поп-арт как художественное направление зародился в 50-х годах ХХ века в Англии, а в 60-х годах стиль получил своё дальнейшее развитие в США, Нью-Йорке. Основоположниками поп-арта стали художники Энди Уорхол и Джаспер Джонс.

В 1952 году в Лондоне открылось объединение художников поп-арта «Независимая группа», которой руководили художники Э. Паолоцци и Р. Гамильтон. Участники объединения изучали технологии создания современной рекламы и её влияние на сознание общества с помощью популярных образов — эмблем и логотипов товаров, изображений знаменитостей: актёров, певцов, телеведущих.

Художники поп-арта впервые продемонстрировали свой талант на выставке «Это — завтра», которая состоялась в Голливуде в 1956 году. На картинах были представлены звёзды Голливудского кино в кадрах из кинофильмов с увеличением. Выставка привлекла большое количество посетителей и вызвала явный интерес у многих выпускников школы искусств, которые решили примкнуть к этому течению.

Поп-арт был признан искусством социального равенства благодаря тому, что это направление эстетизировало товары массового потребления: упаковки из-под печенья и шоколадок, банки популярных газированных напитков — одним словом, предметов, которыми пользуются все люди, вне зависимости от материального положения и социального слоя.

Художники

Самые известные мастера поп-арта:

Кит Харинг — американский художник, скульптор и общественный деятель, автор известных карикатур. C детства увлекался комиксами, влияние этого увлечения сказалось на дальнейших работах художника. Известность пришла к Харингу после появления его работ по росписи на стенах Нью-Йоркского метрополитена в начале 80-х.

Дэвид Хокни – британский художник, один из основателей поп-арта, а так же один из лучших мастеров данного стиля.

Джаспер Джонс — американский художник, одна из ключевых фигур стиля поп-арт, автор большого количества авангардных работ с изображением флага США.

Рой Лихтенштейн – американский художник, знаменитый своими работами в стиле поп-арт, автор комиксов. Свои первые работы Рой создавал, используя картинки из мультфильмов и комиксов, при этом он применял технологию из промышленной печати.

Уэйн Тибо — американский художник, один из известнейших представителей стиля поп-арт, автор большого количества картин с изображением сладостей и игрушек.

Энди Уорхол (Andy Warhol) американский художник, по происхождению русин. Один из самых известных мастеров в истории поп-арта и современного искусства. Как и многие молодые художники, начинал он свою карьеру с оформления витрин магазинов. Одной из первых его работ было иллюстрирование журналов. Его рисунки отличались эксцентричностью и крайней необычностью исполнения.

Присущие особенности стилю поп-арт

В основе поп-арта лежит изображение популярного символа: портрета звезды кинематографа или эстрады, эмблемы или логотипа всем известного лакомства или напитка. Для поп-арта характерна техника в стиле коллажа, фотопечати, чередование разных текстур, яркие цвета, а также надписи в форме девиза или слогана, благодаря которым картина почти не отличается от рекламного плаката.

Критика и значение стиля в искусстве

Несмотря на интерес общества и большое количество приверженцев, находились искусствоведы, которые критиковали поп-арт. Знаменитый художественный критик Хилтон Крамер считал поп-арт слишком примитивным, прививающим вульгарность и безвкусицу обществу. По мнению критика, поп-арт — это не более чем обычная реклама, которую по ошибке назвали художественным направлением.

К его мнению присоединился критик С. Куница, который высказывал опасение в том, что поп-арт приведёт к формированию конформистского, бездуховного общества, которое не интересуется ничем, кроме ежедневного потребления товаров и услуг.

Сами представители поп-арта объясняли суть своего направления тем, что хотели вернуться к реальности, которая отсутствовала в произведениях художников-абстракционистов, и связать своё искусство с тем, что близко и понятно каждому современному человеку: кино, реклама, телевидение, индустрия товаров.

Со временем работы художников поп-арта оказали своё влияние на дизайн одежды и интерьера: некоторые работы были задействованы известными дизайнерами в качестве принта для одежды и декорирования помещений.

В одной из своих работ по аэрографии на холодильнике наши художнки использовали стиль поп-арт для воплощения в жизнь оригинальной и творческой задумки заказчиков

Поп-Арт

Поп-арт

Термин — «Pop-Art» обозначил в 1955 году, Lawrence Alloway, чтобы описать новую форму «Популярного» Искусства — это движение пропагандирует образы потребления «маркетинга», популярной культуры масс и тиражирования.
Поп-арт формировался в Нью-Йорке и Лондоне в середине 1950-х.г. и стал доминирующим направлением авангарда, вплоть до конца 1960-х.г.. Поп-арт выражается смелыми, простыми, повседневными образами, с использованием яркой бескомпромиссной «афишной» палитрой цвета, стиранием граней между коммерческими проектами и изобразительным искусством, (среда, окружение также важно, как сообщение вложенное в предмет искусства) вплоть до Дада. Существенной особенностью традиционного изобразительного искусства была оценка самой работы — будь-то живопись, скульптура, гравюра, резьба. Без «произведений искусства» ничего не было. Все внимание сконцентрировало качество готового продукта, и навыки, необходимые для ее производства. Dada восстали против этого, отмечая в первую очередь «Идею в искусстве», а не саму форму, отделяя сосуд от наполнения. Многие творцы поп-арта продолжают эту традицию концептуального искусства . Они уделяют большее внимание наполнению работы, и меньшее значение технике воплощения. Используют низкопробные материалы (вырезки с глянцевых журналов, бытовой мусор и прочее). Этот акцент на концепции работы был истолкован как попытка развенчания авторитетов в мире искусства, что было отчасти верно: некоторые художники поп-арта переняли кредо дадаистов, анти-искусства и анти-эстетическое. Тем не менее, основной Поп был более позитивным и более заинтересованными в создании новых форм выражения, используя новые методы и новые живописные образы. Активно используются плакатные техники. Источниками вдохновения становится кино, телевидения, комиксы, глянцевые журналы. На практике это воплощалось в «поп иконографии» — в рекламе, дизайне упаковки потребительских товаров использовались фотографии кино-звезд, поп-звезд и других знаменитостей, фрагменты и приемы из комиксов. Для большинства людей в конце 1950-х и начале 1960-х годов, поездки в художественном музее были утомительными, требовали трактовки неясных «абстрактных» образов и картин, большинство из которых не были ни понятны, ни интересным им. Как правило, самые известные и признанные работы абстракционистов не могут быть оценены простым «рассматриванием» их работы, требует тщательного изучения, комментариев музейного путеводителя. Поп-арт сыграл важную роль в открытии мира живописи и скульптуры для обычных людей, которые, возможно, в первый раз в своей жизни в музее и при этом могут мгновенно распознать и оценить выставку перед ними. Работы могли не нравиться, но они были гораздо понятнее — образы, которые содержали работы, они могли проассоциировать и связать со своей повседневной жизнью.

В этом смысле поп-арт сделал музеи и галереи более актуальными для широкой общественности.

Истоки и влияния
Поп-арт, как и почти все значительные стили искусства, был частично реакцией протеста против статус-кво. В 1950-х годах в Америке основным стилем был абстрактный экспрессионизм, беспредметная живопись, создавая «информационно-образный» вакуум. Требовалось новое, более понятное, образное, доступное, массовое: зрители могли найти общий язык с творцом без «посредников» искусствоведов. Таким образом, формировалось направление поп-арта. В некотором смысле, появление поп-арта подорвало господство абстрактного экспрессионизма. И если сюрреализм по сути интернационален, то поп-арт направлялся внешними силами потребителя (языковой, культурный барьер), производя сильное визуальное воздействие на общественность. Художник, который, возможно, оказал влияние на поп-арт, является Эдвард Хоппер (1882-1967) — художник-реалист урбанистической Америки. Его живописный стиль очень отличается от большинства поп-арт работ, простые изображения ультра-американских бытовых сцен (например, «Night Hawks», 1942 и «Gas», 1940) были хорошо известны поп-поколению.

Ведущие художники направления «Pop-Art»
Американское направление:
Роберт Раушенберг (1925-2008),

Джаспер Джонс (1930),

Рой Лихтенштейн (1923-1997)

Энди Уорхол (1928-1987),

Джим Дайн (1935),

Роберт Индиана (он же Джон Кларк) (1928),

Рэй Джонсон (1927-1995),

Алекс Кац (1927),

Клас Ольденбург (1929),

Эдвард Руша (1937),

Джеймс Розенквист (1933),

Том Вессельман (1931).

Британское направление:
сэр Питер Блейк (1932),

Патрик Колфилд (1936-2006),

Ричард Хэмилтон (1922-2011),

Дэвид Хокни (1937),

Британский поп-арт зарождался внутри Independent Group — неофициального круга художников, состоящего из художника Ричарда Хэмилтона, куратора и арт-критика Lawrence Alloway, скульптора Eduardo Paolozzi, которые собирались в Институте современного искусства в Лондоне. Первая встреча произошла в 1952 году, — Eduardo Paolozzi представил ряд коллажей, собранных из журнальных вырезок и других «найденных объектов», в том числе его (теперь) знаменитый коллаж под названием «I was a Rich Man’s Plaything» (создан в 1947). Их обсуждения, в основном, концентрировалась вокруг художественной ценности и актуальности популярной массовой культуры.

Четыре года спустя, в 1956 году, другой член группы, Ричард Хэмилтон, создал свой собственный коллаж, — «Just what is it that makes today’s homes so appealing?» — который, наряду с коллажем Paolozzi, рассматривается как один из самых ранних примеров британского поп-арта. В 1961 году прошла выставка молодых современников, — представлены работы Derek Boshier, David Hockney, Allen Jones, RB Kitaj and Peter Phillips. В 1962 году большую гласность получил британский поп-арт, «BBC» экранизировало «Pop Goes the Easel», фильм Кена Рассела, в котором рассматривались новые стили и течения в Англии.

Между тем, в Америке, в середине 1950-х годов в мир искусства потрясли творения (Neo-Dada, Funk Art, Lettrism, Beat Art, Polymaterialism, Common-Object), в которые были включении статьи «массовой культуры». Они хотели, чтобы их искусство было гораздо более широким, чем традиционные стили (например, абстрактный экспрессионизм), в своих работах использовали легко узнаваемые предметы и образы, отвечающие массовой культуре того времени.
Среди этого всплеска инноваций работы Роберта Раушенберга, Рея Джонсона (1927-95) и Джаспера Джонса начали оказывать влияние на сцену Нью-йоркского искусства. Johns, картина Флаги, скульптурные объекты, такие как пивные банки, Раушенберг с его коллажами, «combine paintings» (сочетание окрашенного холста с различными объектами или фотографическими изображениями), такие, как «Monogram», содержащие чучела животных, бутылки Coca-Cola.

Вливание нового течения мышления усиливалось интересом к «действительности современной Америки» и возрождением интереса к более ранним авангардным движениям: дадаизм и сюрреализм. Фактически присутствовали несколько экс-дадаистов и сюрреалистов, таких как Марсель Дюшан, Макс Эрнст, Джозеф Корнелл. К началу 1960-х годов поп-арт начал набирать известность благодаря персональным выставкам в таких местах как Нью-Йорк и Лос-Анджелес. Использовался коммерческий «типографский» метод эстамп (например, трафаретная печать) — это позволяло выйти в рамки тиража, отрицая традиционные живописные методики. Новые таланты: Джим Дайн, Роберт Индиана, Алекс Кац, Рой Лихтенштейн, Клас Ольденбург, Джеймс Розенквист, Том Вессельман и Энди Уорхолл. Несколько работ позднее стали иконами «поп-арта», выставленные здесь впервые: шелкография Уорхола, отпечатки Мэрилин Монро, банки супа Кэмпбелл, Ольденбургский монументальный гамбургер из винила и мороженое.

До конца 1962 или в начале 1963 года, эти художники по-прежнему именовались критиками как «новые реалисты». Только в дальнейшем был применен термин «поп-арт» в качестве технического названия для движения, отчасти из-за критики и дискомфорта связанным со словом «реалист».
С 1963 года поп-арт завоевал всю Америку, уже помогая продвигаться Британским поп-творцам. Росту движения способствовал параллельный всплеск в других областях культуры, экономики, технического прогресса. Росту мировой экономики в целом и американской в частности способствовала техника вещания (телевидение), миниатюризация радио, музыка (которая сама по себе стала известна как «Поп») звукозаписывающие студии, появления культовых групп, таких как «The Beatles», явление «pychedeli» и, наконец, расширение рынка искусства, его глобализация.

Критика поп-арта
Поп-арт часто презирают критики за его низкопробное качество (тиражность). Например, Гарольд Розенберг, один из самых влиятельных критиков в области современного искусства, описал его как » шутка без юмора, рассказанная снова и снова, это не начинает звучать как угроза … Реклама искусства, которое рекламирует себя как искусство, которое ненавидит рекламу «. В ответ на это можно спросить: С кем должно работать искусство, если как не с обществом? В конце концов, даже в 1960-х годах, если смотреть телевизор, с его безжалостным шквалом рекламных роликов или проехать по улицам города, покрытого рекламными щитами, или читать глянцевые журналы, наполненные снимками звезд и скандалов. Почему искусство должно быть иным? Так отвечают сторонники поп-арта.

Более того, поп-арт был и остается одним из самых популярных стилей искусства, которым удалось достучаться до широкой публики. Коллекционеры оценили поп-арт. Например, картина «False Start » (1959) Джаспера Джонса продана в 2006 году за $ 80 млн. Работа «Green Car Crash» (1963) (синтетический полимер, шелкография краски, акрил, лен) Энди Уорхола продана на Christie в Нью-Йорке, в 2007 году, 71,7 млн. долл. Во время рецессии 2009 года, неизвестный покупатель приобрел работу Энди Уорхола шелкография «Eight Elvises» (1964) за колоссальные $ 100 млн (£ 60.5m), что делает его пятым самым дорогим произведением искусства, когда-либо проданным. По-моему, не плохо для работы низкопробного искусства.

Нео-поп
В 1980-х произошло возрождение интереса к поп-арт — явление, известное как нео-поп (или «Шок поп-арт»). Это было не новое движение искусства, а скорее возрождение на основе популярной культуры — на этот раз, полученной с 1980-х. Хотя в первоначальном движении поп-арт был полностью авангарден, нео-поп-арт, скорее является повторением. Кроме того, нео-поп исполнители черпают вдохновение из минимализма, концептуального искусства, этнические приемы и находки старых авторов, фотореализм, Performance Art и многое другое. Во всяком случае, нео-поп есть лишь более экстремальная версия Уорхола, Ольденбурга и Раушенберга.

Карим Рашид — один из самых известных современных дизайнеров США, профессор Университета Искусств в Филадельфии. Его работы оказывают влияние на развитие мирового дизайна. Он не только практик индустриального дизайна, но и автор книг, статей, лекций.

Голова Барселоны — поп-арт скульптура в Port Vell

Голова Барселоны – скульптура, украсившая перекресток набережной и улицы Виа-Лайетана, сделана в стиле поп-арт. Cap de Barcelona появилась в городе после Олимпийских игр 1992 года. Она сразу стала одной из любимых и ярких достопримечательностей Барселоны.

Скульптура мало похожа на голову, ведь даже сам автор, американский художник и скульптор Рой Лихтештейн говорил, что попытался показать собирательный образ, не имеющий четких границ и фактурных форм.

Cap de Barcelona как украшение Старого порта

Старый порт Барселоны, украшенный Головой Барселоны, следит за вами многообразием взглядов с разных ракурсов. Прохожие видят скульптуру Cap de Barcelona, прогуливаясь вдоль моря. Ее знаменитый автор является близким другом Энди Уорхола – Рой Лихтенштейн, увлекается поп-артом и сотворил необычную композицию для центра Барселоны.

Cap de Barcelona и вся конструкция весят 20 тонн. Поэтому для того, чтобы она появилась в положенном месте, пришлось поработать инженерной компании Steyco и каталонскому скульптору Дельгадо. Знаменитая в городе скульптура очень уместно вписалась в облик города и Старый порт, немало этому поспособствовала красная керамическая плитка, в стиле Гауди.

Старый порт, в котором располагается скульптура

Посмотреть лучшие отели в Старом порту можно по ссылке на проверенном сервисе Booking.com.

Что символизирует скульптура Голова Барселоны

Чаще всего о Голове Барселоны можно услышать мнение, что она символизирует обновление города после Олимпиады 1992 года. Существует однако достаточно большое количество людей, пытающихся найти в скульптуре Головы Барселоны сходство с некоторыми выдающимися людьми.

Архитектор и скульптор Рой Лихтештейн прославился не только Головой Барселоны. Он известен достаточно обширным творчество в духе сюрреализма и абстракционизма.

Художник не стремился к индивидуализации, скорее ориентировался на массовое сознание. Это сначала вызывало гневные отклики. И только позже заставило считать его одним из влиятельных художников XX века.

Другие работы архитектора Роя Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн стал известным благодаря картинам на основе комиксов. К ним он пришел в начале 1960-х, когда ему было уже около сорока.

Кубизм, экспрессионизм, сюрреализм – Рой Лихтенштейн попробовал свои силы во всех этих стилях. Достаточно долго художник не мог определиться с собственным стилем.

Работы архитектора Роя Лихтенштейн

В конце 1940-х и на протяжении 1950-х он пытался определить свою собственную манеру. В начале 1960-х сделать первый шаг на пути к прославившему его стилю художнику помог американский экономический бум — и звучавшие отовсюду призывы к потреблению.

Первоначально появившиеся работы в стиле поп-арт, изображавшие технику, продукты или обувь, вызывали у зрителей и критиков только отторжение. Со временем отношение к поп-арту изменилось кардинально.

В стиле поп-арта создавались не только картины или инсталляции, но и дизайнерские находки. Поп-арт украсил не только квартиры прошлого века, но и улицы городов. А подсказкой для Роя Лихтенштейна стала просьба сына нарисовать что-нибудь очень яркое, как комиксы. Популярность Рою и стилю несомненно принесла и Голова Барселоны.

Местоположение скульптуры Cap de Barcelona

Художник Джефф Кунс: скульптуры трансцендентного стиля

Американский концептуальный скульптор-инсталлятор и художник Джефф Кунс (Jeff Koons) является ярким представителем современного поп-арта. Инсталляции Кунса порой носят скандальный и провокационный характер, возведенный в ранг высокого искусства. Концептуальные скульптуры мастера поп-китча выражают неизменную трансцендентность стиля, запечатленного вне времени, где пространство расположения фигур, всего лишь сосуд для его собственного самолюбования. Однако именно таким трансцендентным эгоизмом Кунс поставил под сомнение все традиционное искусство, постулировав своими творчеством яркую эпоху постмодернизма.

Содержание:

Творческая биография художника Джеффа Кунса

Художник Джеф Кунс родился 21 января 1955 года, в городе Йорк, штата Пенсильвания, США. В 1976 году Кунс получил степень бакалавра, закончив Колледж искусств Мэрилендского института в Балтиморе. Проработав некоторое время брокером на Уолл-Стрит и вдохновленный творческой карьерой короля поп-арта Энди Уорхола, молодой художник создает арт-студию в нью-йоркском районе Сохо. Задачей студии, как и «Серебряной Фабрики» Энди, являлось создание предметов современного искусства, поставленного на поток и продаваемого после выставочных экспозиций с аукциона. На данный момент этот проект Джеффа Кунса превратился в большую коммерческую корпорацию «Jeff Koons LLC».

Галерея «Gagosian». Выставка Джеффа Кунса. Серия «Easyfun». Нью-Йорк 2018 год.

Кунс делает акцент на непрерывности образов, которые проходят сквозь время и имеют потребительские свойства обычных продуктов, журнальных изображений, бытовой техники, пропущенные через призму чувственных символов сексуальности и трансцендентности. Начиная с 1978 года, художник Джефф Кунс за десят лет создает шесть серий своих китчевых инсталляций, которые принесли ему славу короля современного концептуального поп-арта.

1978-79 год: Надувные фигуры (Inflatables). Серия состоит из виниловых надувных цветков, расположенных перед зеркалами для увеличения объемного эффекта.
1979-80 год: Пред-новый (Pre-New). Одна из самых интересных серий работ Кунса, которая включает в себя чайники, тостеры и кофейники размещенные на стене с ламповой подсветкой разной тональности.
1980-87 год: Новый (New). Эта коллекция художника является повторением серии «Pre-New», с такой же люминисцентной подсветкой. Состоит в основном из пылесосов и полировщиков полов, заключенных в стеклянную коробку, сильно напоминающую витрину в магазине бытовой техники.
1983-93 год: Равновесие (Equilibrium). Надувные шлюпки и акваланги из бронзы, баскетбольные мечи в аквариуме — это далеко не весь список трансцендентной серии поп-арт инсталляций Джеффа Кунса.
1986 год: Роскошь и деградация (Luxury and Degradation). Одна из самых малопонятных серий американского художника, которая состоит из алюминиевых ведер, стальных моделей железнодорожных платформ и постеров рекламы алкоголя выполненных в духе художника-постмодерниста Ричарда Принса.
1986 год: Скульптура (Statuary). В этот период Кунс сделал десять классических бронзовых и стальных скульптур, начиная от фигуры американского комика Боба Хоупа, мифологических троллей и заканчивая известным Кроликом из нержавеющей стали.

Галерея «Gagosian». Выставка Джеффа Кунса. Беверли-Хиллз 2017

Эпатажный период творчества художника Джеффа Кунса

Начиная с 1988 года, Кунс начинает создавать провокационные для традиционного общества инсталляции. Его серия «Банальность» (Banality), выполненная в фарфоре, полихромной древесине и позолоченном дереве, зачастую вызывает неоднозначную реакцию в консервативных кругах. Фарфоровый Майкл Джексон изображен с обезьяной, Иоанн Креститель с поросенком, а сами работы в целом носят нескрываемый бунтарский стиль остракизма.

Масло в огонь неприятия творчества Джеффа Кунса подлила его следующая серия «Сделано на небесах», 1991 год. В этих работах американски художник сосредоточился на реализации своих чувственных отношений с его тогдашней женой Анной Еленой Сталлер (Чиччолина), актрисой взрослого жанра. Его скульптуры из стекла, такие как «Джефф ест Илону», «Кушетка» и «Фиалка-Лед», буквально дышат атмосферностью сексуальной сцены и не у многих поклонников Кунса хватило смелости назвать это трансцендентным и высоким искусством.

Искупавшись в лучах славы самого маргинального художника-инсталлятора постконцептуализма, Кунс создает серию работ рассчитанную на широкую публику, мастерски раскрывая свои навыки творца современного нео-арта. Его крупномасштабные гиперреалистичные скульптуры серии «Празднование» 1994 года, выполнены в анимационном и детском наивном стиле, рассчитанном на широкое потребление. В 2000 году, берлинская галерея «Deutsche Guggenheim» анонсировала его новую коллекцию работ под общим названием «Легкое развлечение» (Easyfun). Коллекция является продолжением «Празднования», но в этих работах Кунс использует как более сложные концептуальные аллюзии, так и более оригинальные материалы скульптур, выполненные в сочетании углеродного волокна, нержавеющей стали и хрустального стекла.

Галерея «Gagosian». Выставка Джеффа Кунса. Серия «Халк Элвис». Гонконг. 2014

Современный период творчества Джеффа Кунса

С 2002 года, художник Джефф Кунс продолжает свой диалог и заигрывания с мировой поп культурой, постоянно презентуя новинки в серии «Попай» и делая имитации масштабных надувных игрушек из полихромного алюминия. Отдельно нужно отметить его работы под общим наименованием «Халк Элвис» 2004 года. Именно в них Кунс реализуется как настоящий и классический живописец направления поп-арта. Художник работает с маслом и холстом, еще один раз доказывая свои профессиональные качества короля современного поп-авангарда. В 2013 году Кунс обращается к классическим скульптурам и образам древнегреческий мистерий, делая многочисленные работы, которые он назвал «Пристальный взгляд шара». Фигуры выполненные из гипса, изображают классические образы Венеры, Деметры, Аполлона, но с одной трансцендентной деталью — шаром из ярко-синего стекла, который находится в разных местах этих фигур и символизирует вечность.

На данный момент Джеф Кунс является одним из самых дорогих художников современности. Лоты его работ, продаваемые с аукционов порой достигают астрономических сумм. Так его работа «Кролик» из серии «Statuary» 1986 года, выполненная из нержавеющей стали, размером 104,1 x 48,3 x 30,5 см — была продана на аукционе Christie за 91.1 миллион долларов.

Художник Джефф Кунс: работы, скульптуры и картины

«Майкл Джексон и пузыри» 1988 «Фиалка-лед (Камасутра) 1991 «Губы» 2000 «Балерина» «Синие столбы» 2000 «Смотрящий шар» (Давид вмешательство сабинянок) 2016 «Голубая птица» 2010-2016 «Античность 3» 2009-2011 «Халк» (Тачка) 2004-2013

Молодежный стиль поп-арт в дизайне

Не для кого не секрет, что большинство новых стилей в графическом дизайне черпают свои идеи из уже некогда созданных направлений искусства.

Не стал исключением и молодежный, яркий, живой стиль поп-арт (pop art), который в последние годы повторно получил большую популярность. Он смог отлично вписаться в современный мир и был задействован как в графическом дизайне, так и в дизайне интерьеров, скульптуре, фотоискусстве. В данной статье пойдет речь про зарождение и историю развития данного направления, будут указаны стилистические черты и элементы, характерные для стиля поп-арт, а также рассказано про применение данного стиля в современном дизайне.

Что такое поп-арт?

Поп-арт является художественным направлением, который использует образы материальных реалий, предметов, явлений из повседневной жизни людей, и напрямую обращен к массовой культуре. Образы, взращенные на удовольствиях человека, вырываются из привычного нам контекста и помещаются в совершенно иную, искусственную реальность, тем самым приобретая новые качества и утрачивая старые.

Художник в стиле поп-арт не был ограничен в четких правилах и нормах, он мог для своей работы использовать совершенно разные материалы, а образы, в большинстве случаев, банальные и примитивные, брались из визуальных удовольствий человека – из телевизора, журналов, рекламы и даже из комиксов. Данное направление искусства было направлено на простых людей, оно было понятным и несложным, доступным для понимания каждым человеком.

Стиль поп-арт возник в 50-х годах ХХ века как противопоставление абстрактному экспрессионизму. Данный стиль нарочито подчеркивал и выделял банальные, привычные предметы, окружающие людей, которые абстрактные экспрессионисты никак не замечали. Элитарный, «не каждому доступный» экспрессионизм и понятный для всех поп-арт – это было грандиозной точкой преломления в мире искусства, при котором прежние каноны красоты кардинально изменились. Немаловажной чертой поп-арта было наличие контрастов в одном образе и сочетание того, что казалось совершенно несочитаемым. Именно это качество сделало поп-арт очень востребованным у рекламщиков, которые успешно могли соединить красивое и невзрачное, дорогое и дешевое, солидное и непрезентабельное.

История развития поп-арта

Стиль поп-арт зародился в Англии в 1950-х годах, к началу 60-х он появился и в США. В Англии поп-арт стал противовесом абстрактной живописи, которую приверженцы поп-арта считали слишком непонятной и тяжелой для понимания людьми, однако его расцвет пришелся на США.

Основателем поп-арта принято считать «Независимую группу», образованную несколькими критиками, архитекторами и художниками в 1952 году в Лондоне. Именно в то время один из участников этой группы, талантливый скульптур и художник Эдуардо Паолоцци представил на публичную оценку свою серию работ под незамысловатым названием «Bunk!». Это была серия коллажей, составленная из совершенно несовместимых элементов – объектов рекламы, обложек журналов и предметов массового потребления. На одном из произведений было изображено облако дыма с вписанным в него словом «pop». Тогда же в статье одного из участников «Независимой группы», английского критика Лоуренса Эллоуэя, впервые появился термин «поп-арт», став названием для зародившегося нового течения изобразительного искусства. Благодаря проведению множества выставок и галерей, поп-арт получил широкое распространение по всей Европе и США.

Культ товаров, вещей и принципы равных возможностей в конце 50-х – начале 60-х годов ХХ века в США помогли бурному развитию и укреплению позиций поп-арта в американском обществе. Наиболее известными художниками, работающими в данном направлении, стали: Клаас Олденбург и его масштабные скульптуры различных предметов – пирожных, спичек, булавки, кегель и многого другого, Энди Уорхол и его знаменитый «Диптих Мэрилин», Роберт Раушенберг с прославленным сочетанием масляной краски и газетных вырезок в своих картинах, Рой Лихтенштейн и его комиксы больших размеров, Джеймс Розенквист, Том Весселман и многие другие.

В работах всех этих художников прослеживается чувство гордости за товары массового потребления, которые одновременно были не только хороши, но недороги и доступны для обычного человека.

Подчеркивалось социальное равенство – каждый человек мог сопоставить себя с любым другим потребителем. «При просмотре телевизора можно заметить рекламу кока-колы, и ты будешь уверен, что президент покупает и пьет кока-колу, звезды пьют кока-колу, ты также можешь купить и пить кока-колу… Каждая бутылка кока-колы хороша и одинакова» – повторял Энди Уорхол.

Американский или Английский поп-арт

До сегодняшнего дня ведутся активные дискуссии о том, кто является первопроходцем в поп-арте. С одной стороны, именно в Англии зародился данный стиль искусства, но, с другой стороны, именно американцы дали ему наибольшее развитие и популярность. Английский поп-арт был более сдержанным и деликатным, художники в своих произведениях выражали присущие им идеи и показывали актуальные темы той эпохи. В американском поп-арте все было более агрессивно, присутствовало много креатива, смелости и нестандартных подходов и идей. Его немаловажной особенностью был уклон в сторону рекламы и коммерческих проектов.

Несмотря на это противостояние, американский и английский поп-арт объединял общий бунтарский дух. Молодежь того времени хотела значительных перемен, изменения привычных, заложенных с рождения, принципов бытия. Они готовы были полностью забыть, ни капли не жалея, всю прошлую культуру. Именно этот бунтарский характер противостояния и лег в основы поп-арта, как в американской, так и английской среде.

Что характерно для поп-арта?

Одной из самых характерных особенностей данного стиля является использование ярких, экстремально-вызывающих, «кислотных» оттенков. Поп-арт поддерживает смелость идей: в одном произведении искусно сочетаются контрастные цвета, здесь считается нормой соседство ярких насыщенных оттенков рядом с пастельными и белыми тонами. Поп-арт не ограничивает в выборе цветовой гаммы, но, по праву, самими популярными считаются красный, желтый и ярко-синий цвета.

Еще одна немаловажная черта – использование множества одинаковых изображений в одном произведении. Изображения будто переходят из одного в другое, при этом изменяя окраску и размеры. Переход изображений может быть как плавным, так и резким, контрастирующим с предыдущим цветом. Ярким примером этих слов является широко известная работа Энди Уорхола с несравненной Мэрилин Монро.

Для поп-арта также характерно использование разнообразных принтов. Это может быть знаменитый узор из точек, аппликации, содержащие сердца, губы, фрукты, еду, бабочек и, конечно, прямые символы того времени – кока-кола, суп Campbell, а также портреты знаменитых людей Мэрилин Монро, Элвиса Пресли и многих других.

В данном стиле считается обязательным использование нестандартных образов, основанных на комиксах, ярких наклейках, портретах людей и персонажей из мультфильмов, использование объектов рекламной продукции, вырезок из газет и журналов. Поп-арт поддерживает экспрессивное сочетание нескольких различных предметов и образов в одном полотне, количество в данном случае не ограничено.

Интересен необычный подход художников данного направления искусства к фотографиям. Как уже упоминалось выше, это может быть игра с количеством, цветом. Обычно вырезанные фото имеют черную или белую обводку, либо нечеткие оборванные края. Зачастую в одном сюжете присутствует не только фотографическое изображение, но и наложенные на него другие фото либо же нарисованные объекты, образуя своеобразный коллаж. В данном случае нет четких правил и границ, художник, либо дизайнер самостоятельно выбирает то, что ему по душе.

Поп-арт и современность

Несмотря на стремительно меняющийся мир, поп-арт и в наше время остается довольно популярным стилем среди современных дизайнеров и художников. Прошло более 50 лет с момента его появления, но до сих пор активно создаются интересные иллюстрации, креативная реклама с узнаваемым точечным рисунком, картины, яркая айдентика, разработанная в данном стиле. Нередко он используется в дизайне интерьеров, в декорировании аксессуаров, а также при создании принтов на одежду.

Что же такого притягательного и завораживающего в поп-арте? Почему поп-арт не только не теряет актуальности, но и постоянно приобретает все больше новых поклонников? С одной стороны, данный стиль является многогранным и отлично подходит для передачи эмоций, мыслей, посланий людей. С другой стороны, яркая цветовая гамма поп-арта, простота, демонстрирование повседневных, окружающих нас вещей притягивает на эмоциональном, подсознательном уровне.

Реклама, телевидение, модная индустрия, графический дизайн, дизайн интерьеров – и это не полный перечень сфер искусства, где активно применяется поп-арт. Ярким примером использования поп-арта в наши дни является клип американской певицы Рианны «Rude Boy».

Возможно, по сравнению с 50-ыми годами поп-арт стал менее грубым и приобрел более сглаженный характер, но тем не менее способность данного стиля моментально создавать своеобразный эмоциональный мир – одновременно и реальный, и абстрактный, позволяет ему не только не сдавать позиций, но и постоянно находить применение в самых разнообразных сферах искусства.

Если вам понравилась или была полезна данная статья, будем рады получить небольшое поощрение в виде ссылки в социальных сетях. Для этого нажмите на кнопку любой социальной сети, расположенной ниже.

Скульптура LOVE, Нью-Йорк — где находится, фото, отели рядом на карте, как добраться

Скульптура была убрана для отчистки и ремонта в мае 2019 года. Точной информации о том, когда «LOVE» вернут обратно нет. На данный момент на этом месте находится статуя «Слушай», изображающая человека.

Скульптура LOVE, установленная в Нью-Йорке, является копией легендарной работы американского художника Роберта Индианы (настоящее имя — Роберт Кларк).

Оригинал скульптурной композиции, ставшей мировым шедевром поп-арта, выставлен на лужайке перед Музеем искусств в Индианаполисе. Вариации памятника с наклоненной под углом 45° буквой «O» можно увидеть во многих городах мира, в том числе в Лондоне, Токио, Филадельфии, Сингапуре и российской Елабуге.

Слово «любовь» в новых интерпретациях представлено не только на английском, но и на иврите, хинди, китайском, итальянском и испанском языках.

История

В 1964 году Роберт Индиана получил заказ от Музея современного искусства в Нью-Йорке (MoMA) на создание рождественской открытки. Используя средства графического дизайна, художник создал двухъярусную квадратную комбинацию из красных букв, образующих разделенное на слоги слово «Love». В эскизе использовался глиптальный шрифт (Glyptal types, от греч. Glyptos — вырезанный), известный в полиграфии как брусковая антиква с засечками. Такой шрифтовой набор применялся в деловых газетах, научных журналах, книгах, учебниках и документации.

Автору удалось объединить в одной концепции вербальный и визуальный метод, изобразив название главного человеческого чувства в виде логотипа. Начертание знаков несет смысловую нагрузку и одновременно воспринимается как произведение художественного творчества. Смелый эксперимент принес успех. Тираж поздравительных открыток, напечатанных в канун Рождества, был раскуплен за несколько дней. Изображение стало таким популярным, что появились многочисленные подделки. Мастер поп-арта попытался защитить свой рисунок патентом, но ему было отказано с формулировкой «одно слово не может являться объектом авторского права».

Тем временем триумфальное шествие LOVE продолжалось. На конец 1960-х — начало 1970-х годов в США пришелся расцвет движения хиппи, и в молодежной субкультуре одним из самых известных лозунгов был призыв «Make love, not war!», означающий «Занимайтесь любовью, а не войной!». «Дети цветов» считали слово-символ знаковым воплощением своей философии.

Роберт Индиана в своих интервью рассказывал, как к нему пришла идея рисунка. В детстве он впервые посетил христианскую церковь и увидел над алтарем надпись «Бог есть любовь», взятую из первого послания Иоанна Богослова. Фраза произвела на мальчика сильное впечатление и врезалась в память навсегда.

В 1970 г. рисунок LOVE, растиражированный по всей стране, приобрел объемный образ. Инсталляция, отлитая из легированной стали, представляет собой четыре полые буквы, составляющие единое целое. L и скошенная O стоят на буквах V и E.

В 1973 г. году Почтовая служба США напечатала изображение на марках стоимостью 8 центов. Тираж составил 300 миллионов экземпляров. Арт-объект стал узнаваемым символом не только в Америке, но и за рубежом.

Поп-арт, в котором массовая культура сливалась с изобразительным искусством, вызывал неоднозначную реакцию критиков. Одни считали модное течение временным явлением, востребованным в обществе потребления в связи с рекламой коммерческих продуктов. Другие искусствоведы прочили поп-арту большое будущее, выделяя его в самостоятельное художественное направление. Так и случилось: выйдя за пределы школ и галерей, поп-арт стал главной движущей силой в мире современного искусства. Эпоха становления новой эстетики повлияла на творчество многих художников в США и других странах. Подражания знаменитой «LOVE» широко применяются в оформлении и дизайне.

Персональная выставка работ Роберта Индианы «To Russia with LOVE» устраивалась в Русском музее в 2016 году и была приурочена к 50-летию самой известной работы художника. В Мраморном дворце выставлялась скульптура, изготовленная из полихромного алюминия.

Официальной датой «рождения» LOVE считается 1966 год, когда оттиск появился на плакате нью-йоркской галереи Стейбл (Stable Gallery). За более чем полувековую историю образ неоднократно трансформировался в различных техниках, однако «классическим» считается скульптурный вариант. Лаконичная образная формула органично вписалась в пространство повседневной жизни миллионов людей.

Черно-белая фотография, на которой Роберт Индиана запечатлен за созданием скульптуры LOVE, была продана на аукционе Сотбис в 2013 г. за полмиллиона долларов.

Как добраться

Памятник LOVE находится в Нью-Йорке на пересечении 6-й авеню и 55-й улицы в Мидтауне. F Sixth Avenue Local — два маршрута Нью-Йоркского метрополитена, проходящие в Квинсе, Манхэттене и Бруклине. Обычная линия обозначается буквой F в кружочке, а экспресс — буквой F внутри ромба. Выйти нужно на станции 57 Street.

Схема метро Нью-Йорка

Такси можно выбрать через мобильные приложения Uber, Gett, Lyft, Juno. Готовьтесь к тому, что придется отстоять очередь, чтобы сфотографироваться на фоне скульптуры, ставшей одной из популярных туристических достопримечательностей города Большого яблока.

5 Что нужно знать о поп-арте

Мэрилин Монро , Энди Уорхол, 1967 © Thirddime

Поп-арт, ставший известным благодаря Энди Уорхолу и Рою Лихтенштейну, продолжает вдохновлять многих современных художников своей красочной, оригинальной и «китчевой» эстетикой. Работы этого движения часто представляют собой звезды или значки. Более того, поп-арт остается одним из самых востребованных жанров среди коллекционеров.На этой неделе KAZoART расскажет вам о пяти вещах, которые вам нужно знать об этом популярном художественном движении.

1. Рождение поп-арта Девушка с лентой для волос , Рой Лихтенштейн, 1965 © Popartis

Поп-арт зародился в середине 1950-х годов в Великобритании и в конце 1950-х годов в Америке. Первоначально он возник как реакция на абстрактный экспрессионизм, который считался слишком жестким и претенциозным. Поп-арт выступает за возврат к материальным реалиям нашей повседневной жизни.Для этого художники используют визуальные элементы популярной культуры, которые изолированы от исходного контекста и часто создаются сериями. Мысль и послание, стоящее за работой, обычно заслуживают большего внимания, чем сами визуальные эффекты.

2. Предшественники Я был игрушкой для богача , Эдуардо Паолоцци, 1947 © DACS.

Независимая группа (IG) появилась в Лондоне в 1952 году и считается предшественницей поп-арта. Эдуардо Паолоцци инициировал эту тенденцию, представив серию коллажей под названием Superimposed , которые состояли из найденных объектов, таких как газетная реклама, обрывки бумаги для комиксов и обложки журналов.

Первой работой, в которой появилось слово «поп», был коллаж Эдуардо Паолоцци 1947 года под названием «Я была игрушкой для богатого человека». В этой работе облако дыма, на котором написано слово «Поп», выходит из револьвера.

3. Энди Уорхол: проявление поп-арта Банки супа Кэмпбелла в Музее современного искусства в Нью-Йорке, Энди Уорхол, 2010 г. © Gardel Bertrand / Hemis.fr

Энди Уорхол — ключевая фигура в движении поп-арт.Он родился в США в 1928 году и начал свою карьеру в качестве коммерческого иллюстратора, прежде чем направить свой талант и энергию в мир искусства. Он был мастером многих профессий. Как художник, режиссер, музыкальный продюсер и автор, он сделал успешную карьеру во всех своих начинаниях. Сегодня он наиболее известен своими картинами американских икон и потребительских товаров.

В начале 1960-х годов он занялся трафаретной печатью, пытаясь опровергнуть концепцию «оригинального произведения» и с намерением производить художественные продукты в массовом порядке.Так было с его знаменитой банкой для супа Кэмпбелла, которая вдохновила его на создание серии трафаретных работ в 1961 году. В следующем году он интегрировал использование шелкографии в свои работы и написал знаменитые портреты американских звезд, таких как Трой Донахью, Мэрилин Монро, Элвис. Пресли, Натали Вуд и Уоррен Битти.

4. Самая дорогая работа Silver Car Crash , Энди Уорхол, 1963 г. © Wikipédia

Работа Энди Уорхола, Silver Car Crash (Double Disaster) , продана за 105 миллионов долларов (80 миллионов фунтов стерлингов) на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке в 2013 году.Эта продажа сделала Уорхола самым дорогим художником поп-арта в мире и поставила эту работу на 7 место среди самых дорогих произведений искусства, когда-либо проданных.

5. Приход Neo Pop Кролик в Версальском дворце, Джефф Кунс, 2008 г. © lewebpedagogique

Джефф Кунс с его эксцентричными и красочными скульптурами кажется достойным наследником Энди Уорхола. Несмотря на свое образование в области классического искусства, Кунс черпал вдохновение в работах великих художников 20-го века, таких как Сальвадор Дали, Рой Лихтенштейн, Энди Уорхол и Роберт Раушенберг.

В 1980 году в Музее современного искусства в Нью-Йорке он выставил совершенно новые пылесосы, заключенные в коробки из оргстекла, освещенные неоновыми лампами. Это было началом длинной серии сомнительных и провокационных заявлений. В классической обстановке роскошного Версальского дворца он даже глазом не моргнул, как установил гигантского алюминиевого лобстера в Салоне Марса и надувного кролика в Салоне изобилия.

Скульптуры в стиле поп-арт на продажу

Скульптуры в стиле поп-арт, представленные в любом интерьере или экстерьере, отличаются яркими цветами и включают в себя объекты массового производства и / или элементы, заимствованные из популярной культуры.Если вам нравятся работы таких скульпторов, как Клас Ольденбург, Роберт Индиана и Джефф Кунс, мы приглашаем вас ознакомиться с международной коллекцией оригинальных скульптур в стиле поп-арт Saatchi Art, выставленной на продажу. Наши талантливые начинающие художники со всего мира предлагают уникальные художественные скульптуры из различных материалов, размеров и ценовых категорий, поэтому мы уверены, что вы найдете работы, которые подойдут вашему личному стилю, пространству и бюджету.

Поп-арт возник в Великобритании и США в начале 1950-х годов как ответ на СМИ и популярные коммерческие образы.Коллекция художников в Лондоне, которые называли себя Independent Group, встретились, чтобы обсудить роль массовой культуры, найденных объектов, науки и технологий в мире изобразительного искусства. Они определили поп-арт как дешевые, массовые и остроумные произведения для широкой аудитории. На другом берегу пруда в Нью-Йорке художники стояли перед решением либо пойти по стопам абстрактных экспрессионистов, либо проложить новый путь. Многие из этих художников решили восстать против живописной традиции, подстрекая прото-поп / нео-дадаистское движение, связанное с найденными объектами и техниками сборки.Эти работы положили начало красочной поп-традиции 1960-х, связанной с обычными людьми и предметами, от кинозвезд и комиксов до рекламы. Многие художники поп-музыки создавали скульптуры из этих обычных предметов, используя нетрадиционные, неброские материалы, такие как пластик, винил и набивку. Эти скульпторы считали, что искусство можно создавать из любых материалов, а не только из того, что мир высокого искусства считал приемлемым. В последующие десятилетия движение возрождения неопопа привело к производству крупномасштабных скульптур в стиле поп-арт для использования в общественных местах.

Художники, пережившие переход к поп-арту, создавали скульптуры из готовых материалов. Несколько обыскивали свалки и вылепляли сборки из найденных предметов. Многие поп-артисты, в том числе Энди Уорхол, в начале своей карьеры занимались коммерческим искусством и графическим дизайном и перенесли эти навыки в свои творческие процессы, часто полагаясь на механические средства воспроизведения. Уорхол, например, наносил шелкографии этикетки на деревянные ящики, чтобы создать свои скульптуры коробок для супа Кэмпбелла.Скульпторы поп-арта также были озабочены расширением выбора приемлемых материалов. Многие экспериментировали с нетрадиционными скульптурными материалами, такими как ткань и набивка, гипсовые повязки и различные пластмассы (стекловолокно, винил и т. Д.). Скульптура в стиле поп-арт также сместила предмет искусства из традиционных жанров в повседневный, изображая простых людей и купленные в магазине предметы. Джаспер Джонс, например, отливал традиционные бронзовые скульптуры пивных банок в своей «Раскрашенной бронзе (пивные банки)» (1964).

Протопоп-художники Роберт Раушенберг, Брюс Коннер и Эдвард Кинхольц известны своими скульптурами-сборщиками «мусорного искусства», собранными из найденных предметов. Клас Ольденбург, пожалуй, самый известный скульптор в области поп-арта, известен своими работами «Два чизбургера со всем (парные гамбургеры)» (1962) и «Мягкий мех, хорошее настроение» (1963). Ольденбург играл с масштабом и фактурой, создавая монументальные скульптуры из набивной ткани повседневных предметов, от сигарет до картошки. Дуэйн Хэнсон использовал стекловолокно и винил для создания сатирических скульптур обычных людей в своих работах «Покупатель в супермаркете» и «Туристы» (оба 1970 года), а Джордж Сигал первым использовал гипсовые повязки в качестве скульптурной среды в таких произведениях, как «Прачечная машина». (1966-67). Энди Уорхол использовал методы трафаретной печати для создания скульптур, изображающих культовые суповые коробки Брилло и Кэмпбелла. В десятилетия после 1960-х годов таким поп-артистам, как Рой Лихтенштейн, было поручено создать масштабные уникальные художественные скульптуры для общественных мест.Это возрождение неопопа также привело к тому, что новые артисты, в первую очередь Джефф Кунс, экспериментировали со стилем. Другие художники, связанные с движением скульптуры в стиле поп-арт, включают Джаспера Джонса, Кусье ван Брюггена, Марисоль Эскобар, Пола Ван Хойдонка, Эдуардо Паолоцци, Алекса Каца и Аллена Джонса.

Поп-скульптура — Поп-культура — — Выставки

Я хочу, чтобы люди привыкли осознавать силу предметов, а не сосредотачиваться на их использовании.

— Клас Ольденбург

Нью-Йорк, Нью-Йорк ++ Leila Heller Gallery с гордостью представляет выставку «Поп-скульптура / поп-культура», состоящая из трех избранных работ лидеров движения поп-скульптуры. на просмотре с 18 сентября по 15 ноября по адресу: 43 West 57th Street. На выставке представлены культовые скульптуры от самых выдающихся скульпторов поп-музыки 1960-х годов до современных художников, на которых они оказали влияние.

Поп-скульптура / Поп-культура отмечает 100-летие «реди-мейдов» Марселя Дюшана 1914 года, которые повлияли на всю поп-школу и впоследствии вдохновили художников на дальнейшее развитие инициированных им тем. Но поп-музыка также является свидетельством своего времени, 1950-х и 60-х годов, а также современности. В обеих эпохах произошел радикальный сдвиг в сторону все более массового производства, коммерциализации и упакованного образа жизни. Без морали и метафор, Pop документирует ту историческую эпоху, когда объект переоценивается за его эстетику и повсеместность выше его функции.К 1960-м годам поп-арт превратился в суперзвезду. Движение представило пересечение высокой и низкой культуры, создав одни из самых незабываемых и остроумных образов двадцатого века. Художники со всей Европы, Франции, Англии, Италии, Швеции и Соединенных Штатов произвели революцию в живописи и скульптуре, изображая повседневные, массовые предметы, которые никогда раньше не рассматривались всерьез в качестве материала или содержания для искусства. Как Ричард Гамильтон определил движение в 1957 году: «Поп-арт — это популярное (рассчитанное на массовую аудиторию), временное (краткосрочное решение), расходное (легко забываемое), низкое, массовое производство, молодое, остроумное, сексуальное, бесподобное, гламурное. , Большой бизнес… Это только начало… »

Из быстрой смены художественных движений, которые претерпели метаморфозы в двадцатом веке, поп-арт был единственным движением, которое пыталось заставить зрителей смотреть на все в мире с удовольствием как на эстетический объект.С приходом Попа «сила предметов», как объяснил Клаас Ольденбург, высвободилась. Художники заново открывали повседневный объект, освобождая его от банального окружения и передавая его без художественных претензий или путем преобразования метафор. Эта новая форма искусства стимулировала свежий эстетический опыт нейтрального универсального языка объекта. Поп-арт превращает обычное в необычное, обычное — в необычное.

Поп-скульптура / Поп-культура воспевает дух общего объекта и эволюцию его представления в трехмерной форме за последние 50 лет.1964 год знаменует собой год, когда скульптурные коробки для томатного сока Энди Уорхола и Брилло и Кэмпбелла так сильно потрясли мир искусства и раздвинули границы того, что составляет искусство, а также время, когда Роберт Индиана впервые использовал слово ЛЮБОВЬ в своем знаковом текстовом изображении. Эта выставка также включает работы пионеров поп-музыки в первом поколении, таких как Ричард Аршвагер, Клас Ольденбург и Том Вессельманн, и прослеживает движение художников этого века, которые расширили видение Попа, таких как Яёи Кусама, Джек Пирсон, Трейси Эмин, Паола. Пиви и другие.В этом захватывающем шоу очевидно заявление Уорхола о том, что Папа изменил восприятие мира: !! «Как только у вас появится поп, вы больше никогда не сможете увидеть такой же знак. И как только вы подумали о папе, вы больше никогда не сможете увидеть Америку такой же. В тот момент, когда вы навешиваете на что-то ярлык, вы делаете шаг — я имею в виду, вы больше никогда не сможете вернуться к тому, чтобы увидеть это без ярлыка. Мы видели будущее и знали его наверняка…… тайна исчезла, но удивление только начиналось ». Действительно, эпоха поп-арта предвидела направление, в котором двигалось общество, давая возможность художникам полвека искать окружающие нас предметы в поисках удовольствия и силы.

Работы:

Шива Ахмади

Ричард Арчвагер

Бертоцци и Касони

Кэрол Бов

Брюс Высококачественный фонд

Трейн Колен и Нейт Лоумен

Дэн Колен и Нейт Лоумен

Сильви Флери

Кит Харинг

Рэйчел Ли Овнанян

Ричард Хадсон

Роберт Индиана

Ричард Джексон

KAWS

Майк Келли

Джефф Кунсайо

Янталь

Джефф Кунсайо

Джоэл Моррисон

Тим Нобл и Сью Вебстер

Клас Ольденбург

Ричард Петтибоун

Джек Пирсон

Паола Пиви

Марк Куинн

Том Сачс

0002

Тэн Саксон

Тэн Саксон Tasset

Энди Уор ol

Tom Wesselmann

Aaron Young

Скачать Pop Sculpture — Pop Culture Press Release

Поп-арт скульптура на продажу

Металлическая скульптура (24 х 16 см)

Смешанная техника (60 х 60 см)

Скульптура coquillage pop

693 долл. США

Смешанная техника (18 х 39 см)

Металлическая скульптура (18 х 20 см)

Скульптура из Смолы (34 х 33 см)

Смешанная техника (34 х 45 см)

Смешанная техника (65 х 25 см)

Глобус fauvet argent rouge

-20% в специальных предложениях

Скульптура из Смолы (30 х 60 см)

Смешанная техника (60 х 25 см)

Смешанная техника (45 х 78 см)

Смешанная техника (60 х 60 см)

Флексографская печать «Подари свою любовь»

176 долл. США

Смешанная техника (16 х 41 см)

Скульптура из дерева (30 х 32 см)

Les chroniques d’Anna d30 (11)

928 долл. США

Скульптура из Смолы (38 х 27 см)

Au cœur de la nuit

4 520 долл. США

Смешанная техника (75 х 70 см)

Смешанная техника (100 х 20 см)

Les chroniques d’Anna d30 (26)

928 долл. США

Скульптура из Смолы (40 х 27 см)

Viva la vida

-20% в специальных предложениях

Бронзовая скульптура (7 х 27 см)

Скульптура из дерева (24 х 18 см)

Поп-кошка Hermès

-10% в специальных предложениях

Терракотовая скульптура (12 х 24 см)

Металлическая скульптура (43 х 74 см)

Смешанная техника (60 х 38 см)

Карта ГантаАртикул

-20% в специальных предложениях

Скульптура из Смолы (12 х 25 см)

Un context de fée

-10% в специальных предложениях

Смешанная техника (20 х 18 см)

Эдгар собака

-10% в специальных предложениях

Скульптура из Смолы (48 х 85 см)

Гипсовая скульптура (15 х 25 см)

Смешанная техника (20 х 21 см)

Все, что нам нужно, это любовь

-20% в специальных предложениях

Бронзовая скульптура (6 х 27 см)

Flexo scène de vie «Вместе»

3992 долл. США

Металлическая скульптура (120 х 50 см)

Смешанная техника (15 х 41 см)

Скульптура из Смолы (46 х 14 см)

Поп тигресс

-10% в специальных предложениях

Смешанная техника (33 х 20 см)

Смешанная техника (64 х 20 см)

Металлическая скульптура (41 х 23 см)

Керамическая скульптура (14 х 30 см)

Для лучшей мировой поп-музыки

1 057 долл. США

Смешанная техника (36 х 65 см)

D’après man ray (инсталляция)

1 761 долл. США

Смешанная техника (12 х 9 см)

Скульптура из Смолы (20 х 33 см)

Смешанная техника (64 х 64 см)

Mais où est passé milou?

-10% в специальных предложениях

Смешанная техника (20 х 30 см)

Скульптура из Смолы (14 х 33 см)

Скульптура из Смолы (20 х 18 см)

Жираф поп

-10% в специальных предложениях

Металлическая скульптура (15 х 67 см)

Скульптура из Смолы (20 х 40 см)

Яблочная артентация pop

798 долл. США

Скульптура из Смолы (16 х 19 см)

Les chroniques d’anna d30 (8)

2 207 долл. США

Скульптура из Смолы (30 х 30 см)

Глобус fauvet scuderia

-20% в специальных предложениях

Смешанная техника (180 х 60 см)

Les chroniques d’anna d30 (28)

1 292 долл. США

Скульптура из Смолы (38 х 40 см)

Les chroniques d’Anna d13 (20)

458 долл. США

Скульптура из Смолы (18 х 12 см)

Les chroniques d’Anna d13 (17)

458 долл. США

Скульптура из Смолы (18 х 12 см)

Смешанная техника (15 х 20 см)

Скульптура из Смолы (17 х 31 см)

Роскошный шанель № 5, лагерфельд

2 231 долл. США

Смешанная техника (15 х 30 см)

Поп-рок Ренар

-10% в специальных предложениях

Смешанная техника (14 х 27 см)

Металлическая скульптура (31 х 22 см)

Caractère de cochon!

587 долл. США

Скульптура из Смолы (23 х 18 см)

L’amour est dans l’air

1 045 долл. США

Скульптура из Смолы (34 х 46 см)

Смешанная техника (64 х 64 см)

L’Étoile incandescente

881 долл. США

Металлическая скульптура (36 х 27 см)

Плодородие

-20% в специальных предложениях

Бронзовая скульптура (7 х 27 см)

Поп-арт | Характеристики, факты и художники

Поп-арт , искусство, в котором обычные предметы (такие как комиксы, консервные банки, дорожные знаки и гамбургеры) использовались в качестве предметов и часто были физически включены в работу.

Британская викторина

Викторина по художественным стилям и техникам

Вы знаете, как работает травление? Что использовалось в древнем Китае для рисования и надписей? Узнайте об этом и многом другом в этой викторине о художественных стилях и техниках.

Движение поп-арта было в значительной степени британским и американским культурным феноменом конца 1950-х и 1960-х годов и было названо искусствоведом Лоуренсом Аллоуэем в связи с прозаической иконографией его живописи и скульптуры.Работы таких поп-исполнителей, как американцы Рой Лихтенштейн, Энди Уорхол, Клас Ольденбург, Том Вессельман, Джеймс Розенквист и Роберт Индиана, а также британцы Дэвид Хокни и Питер Блейк, среди прочих, характеризовались изображением всех без исключения аспектов популярного искусства. культура, оказавшая мощное влияние на современную жизнь. Их иконография — взятая из телевидения, комиксов, киножурналов и всех форм рекламы — была представлена решительно и объективно, без похвалы или осуждения, но с подавляющей непосредственностью и с помощью точных коммерческих методов, используемых средствами массовой информации, из которых иконография сам был заимствован.Поп-арт представлял собой попытку вернуться к более объективной, универсально приемлемой форме искусства после доминирования как в Соединенных Штатах, так и в Европе сугубо личного абстрактного экспрессионизма. Он также был иконоборцем, отвергая как превосходство «высокого искусства» прошлого, так и претензии другого современного авангардного искусства. Поп-арт стал культурным событием из-за того, что он точно отражает определенную социальную ситуацию, а также потому, что его легко воспринимаемые образы немедленно использовались средствами массовой информации.Хотя критики поп-арта называли его вульгарным, сенсационным, неэстетичным и шуткой, его сторонники (меньшинство в мире искусства) считали его искусством, которое было демократичным и недискриминационным, объединяющим как знатоков, так и неподготовленных зрителей.

Поп-арт был потомком дадаизма, нигилистического движения, существовавшего в 1920-х годах, которое высмеивало серьезность современного парижского искусства и, в более широком смысле, политическую и культурную ситуацию, которая привела к войне в Европе. Марсель Дюшан, поборник дадаизма в Соединенных Штатах, который пытался сократить расстояние между искусством и жизнью, прославляя объекты массового производства своего времени, был самой влиятельной фигурой в эволюции поп-арта.Другими художниками 20-го века, оказавшими влияние на поп-арт, были Стюарт Дэвис, Жерар Мерфи и Фернан Леже, все из которых изображали в своих картинах точность, массовое производство и коммерческие материалы машинно-индустриальной эпохи. Непосредственными предшественниками художников-поп-художников были Джаспер Джонс, Ларри Риверс и Роберт Раушенберг, американские художники, которые в 1950-х годах рисовали флаги, пивные банки и другие подобные предметы, хотя и с живописной выразительной техникой.

Одними из наиболее ярких форм, которые принял поп-арт, были стилизованные репродукции комиксов Роя Лихтенштейна с использованием цветных точек и плоских тонов коммерческой печати; Скрупулезные буквальные рисунки Энди Уорхола и шелкотрафаретные репродукции этикеток для консервных банок, картонных коробок из-под мыла и рядов бутылок из-под прохладительных напитков; Мягкие пластмассовые скульптуры Класа Ольденбурга таких предметов, как сантехника, пишущие машинки и гигантские гамбургеры; «Великие американские обнаженные девушки» Тома Вессельмана, плоские прямые изображения безликих секс-символов; а также построенные картины Джорджа Сигала с гипсовыми фигурами в натуральную величину, помещенными в реальную среду (например,г., обеденные стойки и автобусы) извлечены со свалок.

Рой Лихтенштейн: Вау!
Whaam! , акрил и масло на двух холстовых панно, Рой Лихтенштейн, 1963; в галерее Тейт Модерн, Лондон. 174 × 408 см.
Предоставлено попечителями галереи Тейт, Лондон Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишись сейчас
Большинство художников поп-музыки стремились к безличному, вежливому отношению в своих работах. Некоторые примеры поп-арта, однако, тонко выражали социальную критику — например, поникшие предметы Ольденбурга и монотонное повторение одного и того же банального образа Уорхолом, несомненно, вызывают тревогу, — а некоторые, такие как таинственные, одинокие картины Сигала, являются откровенно экспрессионистскими. .
Джордж Сигал
Джордж Сигал с одной из своих работ, фотография Арнольда Ньюмана, 1964.
© Арнольд Ньюман
Американский поп-арт имел тенденцию быть символичным, анонимным и агрессивным; Английский поп, более субъективный и референциальный, выражал несколько романтический взгляд на поп-культуру, которому способствовала относительная удаленность Англии от нее. Английские исполнители поп-музыки имели тенденцию иметь дело с технологиями и поп-культурой в первую очередь как с темами, даже как с метафорами; некоторые американские исполнители поп-музыки, казалось, действительно жили этими идеями.Девиз Уорхола, например, был: «Я думаю, что каждый должен быть машиной», и он пытался в своем искусстве создавать произведения, которые могла бы создать машина.

Поп-арт получил признание критиков как вид искусства, подходящий для высокотехнологичного, ориентированного на СМИ общества западных стран. Хотя поначалу публика не воспринимала это всерьез, к концу 20 века он стал одним из самых признанных течений в искусстве.

Купить Скульптуры в стиле поп-арт | Художественная галерея Buysculpture

В последнее десятилетие, с полным погружением в общество потребления, появились международные художники, такие как Дэмиен Херст , и они также вызвали споры такими работами, как «физическая невозможность смерти в сознании чего-то живого», обложка книги «. Чучело акулы за 12 миллионов долларов », в которой описана самая грубая часть мира искусства, и мы из художественной галереи, рекомендуем ее прочесть.

Что некоторые люди не знают, когда покупает поп-арт , так это то, что это только начало: группа художников, известная как «независимая группа », встретилась в Институте современного искусства в Соединенном Королевстве. в середине 1950-х и позже, в конце 50-х в США.

Поп-арт был воспринят как как художественное движение, которое бросило вызов установленному и приняло его как «повседневное» в контексте искусства той эпохи.Частью его сущности было включение изображений массовой культуры , таких как рекламы и рекламных роликов, таким образом изменяя фокус искусства. Кроме того, люди, которые хотели купить Pop Art , понимали, что далекие от «благородных материалов», таких как дерево или бронза , было заменено менее ценными материалами и в сочетании с предметами повседневного обихода , что открыло новые возможности для поп-арт скульптура , которая эволюционирует до того, что мы знаем сегодня.

В эту группу, помимо художников , входили архитекторы, писатели и искусствоведы, которые хотели бросить вызов модернистскому подходу к культуре, преобладавшему в то время.

В это время художник Роберт Раушенберг, выдающийся художник из США, сыграл важную роль во время перехода от абстрактного экспрессионизма к Поп-арт , будучи одним из основных представителей этого движения в своей стране. .

90-летний шведский скульптор Клас Ольденбург , пионер скульптуры в стиле поп-арт , хорошо известен своими произведениями, расположенными в городских общественных местах, представляя крупномасштабные реплики, поднимаясь на предметы повседневного обихода или представляя твердые предметы, как если бы они были мягкий.

В области живописи, в картин поп-арта , популяризация трафаретной печати , метода, который в настоящее время также используется художником Бэнкси , способствовала успеху поп-арта.

Рой Лихтенштейн , один из пионеров, отдавших предпочтение этим новым методам. Используя эти методы, которые первоначально использовались исключительно в индустриальном мире, он десакрализовал современную картину , вернув ценность каждого произведения искусства , потому что оно не могло быть измерено его редкостью или контекстом.

Японский художник , родившийся в 1929 году, Яёи Кусама , обладает большим разнообразием средств массовой информации, с помощью которых она создает свои работы: живопись , коллаж , скульптура , перформанс арт и инсталляций .Также демонстрирует большое внимание и интерес к психоделии, повторениям и паттернам.

Кейт Харинг общественный деятель и известный художник, прекрасно отражает и сумел передать поп-поколение в уличную культуру. В частности, ему удается быть иконой Нью-Йорка 80-х. Его любимые темы в жизни и творчестве: Рождение, смерть, любовь, секс и война.

Несомненно, одной из самых известных его работ является его собака, представленная в произведении «Иконы II» или «Рыжий пес».

На BuySculpture мы доставляем скульптур в стиле поп-арт прямо от художника к вам домой.

Мы работаем напрямую с каждым художником, чтобы облегчить приобретение его работ, с любым коллекционером , который пожелает. В художественной галерее мы работаем с ограниченными сериями , каждая из которых имеет сертификат оригинальности , подписанный автором.

Купите скульптуру в стиле поп-арт с разной отделкой, которую можно использовать дома или получить в качестве отличного подарка.

Во многих случаях дизайнеров интерьеров приобретают различные предметы современного искусства , чтобы включить в свои украшения домов, отелей, офисов, ресторанов, офисов , а также всех видов развлекательных и / или развлекательных предприятий с нашей Поп Художественная скульптура .

💥35 + Самые известные исполнители поп-арта и их лучшие работы

Поп-арт — это художественное движение с середины 1950-х до 1960-х годов в Соединенном Королевстве и Соединенных Штатах .Художники поп-арта создавали произведения, вдохновленные реалиями повседневной жизни и культурой pop ular. Основные темы поп-арта включают иронию и сатиру, юмор, оптимизм, изобилие, материализм , досуг и потребление послевоенного общества.

Известные художники поп-арта, такие как Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн и Ричард Гамильтон, подвергли сомнению элитарную культуру и традиции изобразительного искусства. Вместо этого они использовали образы и методы, почерпнутые из средств массовой информации и массовой культуры.

Это всего лишь список самых известных художников поп-арта и немного информации об их самых известных работах.

Если вы действительно серьезно относитесь к искусству в целом и, в частности, к поп-арту, существует множество литературы по этой теме. Поп-арт: критическая история , изданная Калифорнийским университетом, вероятно, одна из лучших книг по этой теме. Если вы купите эту книгу, я действительно получу очень небольшую комиссию, но вы также получите самую выгодную цену за эту книгу.

Плюс, New York Times назвала эту книгу «незаменимым компендиумом» для поп-арта, так что я думаю, можно с уверенностью предположить, что это просто необходимо, если вы действительно увлекаетесь поп-артом.

Дизайн, выполненный с использованием шрифта MockoFun Pop Art
Итак, движение Pop art началось в середине 1950-х годов в Великобритании группой художников, скульпторов, писателей и критиков под названием Independent Group .

Независимая группа (Институт современного искусства)

Ричард Хэмилтон

Эдуардо Паолоцци

Питер Блейк

Джон Макхейл

Лоуренс Аллоуэй
907

Вся группа Independent приняла участие в групповой выставке 1956 года в галерее Уайтчепел, This is Tomorrow , представив то, что они назвали «Новым Эдемом.«Новый рай был послевоенной Америкой с ее богатой культурой потребления, где казалось возможным все, от космических путешествий до легкодоступного секса.

Молодые современники (Королевский колледж искусств)

RB Kitaj

Питер Филипс

Билли Эппл (Барри Бейтс)

Дерек Бошир

Патрик Кэнфилд

Дэвид Хокни
750 9000 Аллен Джонс Той

Движение поп-арт вскоре распространилось на Соединенные Штаты Америки .Многие корни движения были вызваны культурной революцией, возглавляемой активистами, мыслителями и художниками, которые стремились реструктурировать социальный порядок, управляемый конформизмом.

Рой Лихтенштейн

Энди Уорхол

Роберт Индиана

Джордж Брехт

Марисол (Эскобар)

Том Вессельманн 64000
Страйдер Оллэндж 9507 950000 Страйдер Оллэндж
Джордж Сигал

Джеймс Розенквист

Розалин Дрекслер

Билли Эл Бенгстон

Эдвард Кинхольц

Уоллес Берман

Джон Уэсли

Джесс Рэм Коллинз

Джесс Рэм Коллинз

Джесс Рэм Коллинз

Джо ГудФон Датч Голландия

Джим Эллер

Энтони Берлант

Виктор Дебрёй

Филип Хеффертон

Роберт О’Дауд

Джеймс Гилл
0
647 Роберт Кунтц в движении 9250

США , он быстро распространился Росси по всему миру и продолжает влиять на изобразительное искусство и популярную культуру сегодня.

Кусама

Takashi Murakami

Yoshitomo Нара

Таданори Йоку

Марио Шифано

Тано Феста

Ренато Мамбор

Франко Анджели

Mimmo Ротелла

Джиосетта Файорони

Марио Сеоли

Энрико Бай

Чезаре Такчи

Движение Поп-арт бросило вызов традициям изобразительного искусства, включив в него образы популярной и массовой культуры, такие как реклама, комиксы и предметы массового производства.

Одна из его целей — использовать в искусстве образы популярной (в отличие от элитарной) культуры, подчеркивая банальные или китчевые элементы любой культуры, чаще всего с помощью иронии. Это лишь некоторые из фактов о поп-арте, которые вам нужно знать, чтобы лучше понять это направление в искусстве.

Ниже приведены некоторые из определяющих характеристик поп-арта:

Узнаваемые образы : Художники поп-арта использовали изображения и значки из популярных медиа и товаров. Эти графические изображения включают фотографий знаменитостей , частей тела, повседневных предметов, таких как банок для супа ( банок для супа Кэмпбелла от Энди Уорхола), бутылок с водой, маркировки продуктов, мобильных телефонов, сигарет, мебели, дорожных знаков и других предметов, популярных в коммерческий мир.

Яркие цвета: Для поп-арта характерны живые, яркие и насыщенные цвета. Используя эти яркие цвета и смелые очертания, произведения поп-арта мгновенно привлекают внимание аудитории.

Ирония и сатира: Это были некоторые из основных компонентов поп-арта. Художники поп-арта используют юмор и иронию, чтобы заявить о текущих событиях.

Инновационные методы: Чтобы быстро воспроизводить изображения в больших количествах, многие художники поп-арта использовали процессы гравюры. Энди Уорхол использовал процесс шелкографии (краска переносится на бумагу или холст через сетку с трафаретом). Рой Лихтенштейн использовал технику литографии (печать с камня или металлической пластины с гладкой поверхностью).

Смешанная техника и коллаж: Художники поп-арта часто комбинируют разные материалы и используют различные типы медиа. Некоторые из поп-художников, которые использовали коллаж в своих работах, — это Роберт Раушенберг, Ричард Гамильтон, и Питер Блейк.Они объединили разрозненные изображения, газетные отпечатки и вырезки из бумаги на одном холсте, чтобы создать новое целое. Для создания коллажей в стиле поп-арт были добавлены даже названия брендов и логотипы.

Среди известных произведений поп-арта: «Банки супа Кэмпбелла» (1962) Энди Уорхола, Whaam! (1963) Роя Лихтенштейна, Мэрилин Диптих (1962) Энди Уорхола, Я был игрушкой для богатых (1947) Эдуардо Паолоцци, Флаг (1955) Джаспера Джонса, Что именно делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными (1956) Ричард Гамильтон.

Чтобы увидеть больше примеров поп-арта, прочтите каждый раздел, посвященный лучшим художникам поп-арта со всего мира.

История поп-арта началась с первых художников, которые сформировали движение поп-арта. Среди этих первых художников поп-арта были Эдуардо Паолоцци и Ричард Гамильтон в Великобритании, а также Ларри Риверс, Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс в Соединенных Штатах.

В американском искусстве среди известных представителей Pop Art были Роберт Раушенберг (1925–2008), Джаспер Джонс (род.1930), Рой Лихтенштейн (1923–97) и Энди Уорхол (1928–87).

Среди лучших британских художников поп-арта были сэр Питер Блейк (род. 1932), Патрик Колфилд (1936–2005), Ричард Гамильтон (р. 1922), Дэвид Хокни (р. 1937) и Аллен Джонс (р. 1937).
Веб-сайт Энди Уорхола 🚀
Представляя поп-арт, необходимо обязательно процитировать Энди Уорхола как, вероятно, наиболее влиятельного и полного представителя этой культуры и движения. Обладая характерным и очень индивидуальным стилем, Уорхол как никто другой озвучил звездную систему .Его субъекты были возведены в роли икон современного поп-арт-сообщества, а его студия, также известная как Factory, стала ульем, где многие другие влиятельные личности реализовали свой язык.

Энди Уорхол Мэрилин Диптих , 1962

Для этой картины использовалась техника шелкографии. Работа содержит 50 изображений Мэрилин Монро, половина из которых окрашены в цвет, а другая половина — в черно-белые. Работа была завершена через несколько недель после смерти актрисы.
Веб-сайт Роя Лихтенштейна 🚀
Роя Фокса Лихтенштейна также можно рассматривать как одного из отцов современного движения поп-арт, стиль которого находился под влиянием высших уровней художественного выражения прошлого века, таких как пуантилизм, кубизм и т. Д. экспрессионизм. В его работах мы можем увидеть, как воображаемое, принадлежавшее рекламе и комиксам, переносится в другой масштаб и используется для создания значков, тесно связанных с массой.

Роя Лихтенштейна Whaam! , 1963

Роя Лихтенштейна Whaam! — это большая картина на двух холстах, напоминающая полосу комиксов о взрыве ракеты в небе.Лихтенштейн был заинтересован в изображении крайне напряженных ситуаций в этой особенно отстраненной, расчетливой манере.
Веб-сайт Кейта Харинга 🚀
Уличный художник, сначала стиль Кита Харинга тесно связан с его детством и теми простыми карикатурными фигурками, которые его отец делал для него. Как он сказал: «Мой отец делал для меня героев мультфильмов, и они были очень похожи на то, как я начал рисовать — с одной линией и контуром мультфильма». Его художественный отпечаток позже проявился в Питтсбурге, а затем освоен, когда он поехал в Нью-Йорк и встретил Жана-Мишеля Баския, с которым он стал близким другом.

Кейт Харинг Сияющий младенец , 1982

Кит Харинг, серия картин. Музей Альбертина, Вена

В Нью-Йорке 1980-х Кейт Харинг превратил метро в свою студию. Мелом он нанес свой фирменный рисунок на стены. Одним из них был его Radiant Baby , который для него был одним из самых чистых и положительных человеческих опытов. На протяжении многих лет он стал повторяющейся визуальной идиомой Харинга и теперь считается визитной карточкой художника.
Сайт Ричарда Гамильтона 🚀
Родившийся в 1922 году в Пимлико, Лондон, Гамильтон был частью очень сильного британского поколения художников поп-арта. Его коллаж «Что именно делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956), гарантировал ему попадание в категорию известных художников поп-арта и считается некоторыми критиками первым произведением поп-арта, когда-либо созданным.

Ричард Гамильтон Что именно делает современные дома такими разными, такими привлекательными? , 1956

Коллаж Ричарда Гамильтона представляет собой пространство гостиной, наполненное объектами и идеями, которые, по словам Гамильтона, теснились в послевоенном сознании.Внимание зрителя привлекает фигура культуриста, держащего гигантский леденец с нацарапанным на нем словом «ПОП». Неудивительно, что этот коллаж часто называют первым образцом поп-арта.
Веб-сайт Роберта Индианы 🚀
Роберт Индиана, крупная фигура в американском искусстве с 1960-х годов, сыграл центральную роль в развитии искусства сборки, живописи резких краев и поп-арта. Индиана, самопровозглашенный «американский художник знаков», создал весьма оригинальную коллекцию работ, исследующих американскую идентичность, личную историю и силу абстракции и языка.

1966 год стал поворотным в карьере Индианы с созданием его первой скульптуры LOVE, ставшей иконой искусства 20 века. Монументальные образцы были установлены и выставлены по всему миру.

ЛЮБОВЬ Роберта Индианы, 1967.

Роберт Эрл Кларк родился в Ньюкасле, штат Индиана. Роберт Индиана получил название своего штата в 1958 году во время пребывания в Нью-Йорке на Coenties Slip. Революционный образ Индианы LOVE стал одним из самых известных образов, связанных с движением поп-арта.Изображение было выбрано Музеем современного искусства для своей ежегодной рождественской открытки и быстро проникло в более широкую популярную культуру.
Эдуардо Паолоцци Веб-сайт 🚀
Эдуардо Паолоцци родился 7 марта 1924 года в Лейте на севере Эдинбурга, Шотландия, и был старшим сыном итальянских иммигрантов.

Паолоцци учился в Эдинбургском художественном колледже в 1943 году, непродолжительное время в Художественной школе Святого Мартина в 1944 году, а затем в Школе изящных искусств Слейда при Университетском колледже Лондона с 1944 по 1947 год, после чего работал в Париже.Находясь в Париже с 1947 по 1949 год, Паолоцци познакомился с Альберто Джакометти, Жаном Арпом, Константином Бранкузи, Жоржем Браком и Фернаном Леже.

Паолоцци привлек внимание общественности в 1950-х годах, создав ряд ярких трафаретов и скульптур Art brut. Он был основателем Independent Group в 1952 году, которая считается предшественницей британского поп-арта середины 1950-х и американского поп-арта конца 1950-х.

Паолоцци «Я был игрушкой для богатых» (1947) считается первым знаменосцем поп-арта и первым, в котором появилось слово «поп».

Другие известные работы: мозаичные стены станции метро Tottenham Court Road, обложка альбома Пола Маккартни Red Rose Speedway , потолочные панели и оконные гобелены в Cleish Castle, скульптура Piscator за пределами Euston Station, London Relief алюминиевые двери для Хантерской галереи Университета Глазго, бронзовая скульптура Ньютон после Блейка , 1995, на площади Британской библиотеки и т. д.
Веб-сайт Роберта Раушенберга 🚀
Роберт Раушенберг был американским фотографом и художником, который был очень близок к поп-арту, но никогда не зацикливался на движении.Его также часто называли неодадаистом, и он разделял этот ярлык с Джаспером Джонсом. Его работа стала очень своеобразной в 1960-х, когда он начал вводить найденные изображения в свои картины, используя шелкографию, чтобы перенести их на холст; процесс, который приблизил его к работе Энди Уорхола.

Роберт Раушенберг, Estate (1963), холст, масло, шелкография.
Веб-сайт Джаспера Джонса 🚀
Родился в Южной Каролине, в Аллендейле, Джаспер Джонс переехал в Нью-Йорк в 1949 году, когда решил проучиться несколько семестров в школе дизайна Парсона.Но ему не потребовалось много времени, чтобы выйти на арт-сцену с некоторыми работами, которые выявили неотредактированную связь между реальными изображениями и нарисованными изображениями. Из-за его близости к бытовым потребительским символам его можно определить как художника поп-арта, что мы видим по его работе «Три флага» (1958).

Джаспер Джонс, Три флага (1958), холст, масло. Музей американского искусства Уитни
Веб-сайт Джима Дайна
фунтов стерлингов Еще один невероятно известный художник современного поп-арта — Джим Дайн , один из самых активных художников поп-арта Америки, за плечами у которого 60 лет карьеры и очень мало важные ярмарки, такие как DOCUMENTA Kassel и Венецианская биеннале.Так же, как Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, он был частью нового дадаистского движения, а также сценаристом, фотографом и скульптором.

Джим Дайн, Признак его бледного цвета, нежности (2015)
Веб-сайт Рэя Джонсона 🚀
Раймонд Эдвард «Рэй» Джонсон был американским художником. Известный прежде всего как коллажист и художник-корреспондент, он был важной фигурой в истории нео-дада и раннего поп-арта и был назван «самым известным неизвестным художником Нью-Йорка». Джонсон также организовывал и принимал участие в ранних мероприятиях по искусству перформанса в качестве основателя обширной сети мэйл-арта — Нью-Йоркской заочной школы, которая набрала обороты в 1960-х годах и действует до сих пор.Иногда он связан с членами движения Fluxus, но никогда не был его членом. Он жил в Нью-Йорке с 1949 по 1968 год, когда он переехал в небольшой городок на Лонг-Айленде и оставался там до своего самоубийства.

Рэй Джонсон, История видеоарта (1960)
Веб-сайт Алекса Каца 🚀
Невероятный художник. Одна из тех личностей, которых сложно обозначить и категоризировать. Алекс Кац , который все еще жив и рисует в возрасте 92 лет, разработал стиль, в котором мы можем найти связь как с абстрактным экспрессионизмом, так и с поп-артом.Несмотря на свою известность, он не переставал создавать свежие и влиятельные картины, которые сегодня можно увидеть на самых престижных выставках и в музеях.

Алекс Кац, Black Hat
Веб-сайт Класа Ольденбурга 🚀
Клас Ольденбург — американский скульптор, наиболее известный своими инсталляциями в стиле паблик-арт, в которых обычно представлены большие копии повседневных предметов. Еще одна тема в его творчестве — мягкие скульптурные версии повседневных предметов. Многие из его работ были созданы в сотрудничестве с его женой Кусье ван Брюгген, которая умерла в 2009 году; они были женаты 32 года.Ольденбург живет и работает в Нью-Йорке.

Spoonbridge and Cherry , скульптура Класа Ольденбурга и Кусье ван Брюггена, 1985–88; в Саду скульптур Миннеаполиса Центра искусств Уокера, Миннеаполис, Миннесота.
Эдвард Руша Веб-сайт 🚀
Эдвард Руша — американский художник в стиле поп-арт, чьей средой была фотография, и на него больше всего повлияли Джаспер Джонс, Марсель Дюшан и Эдвард Хоппер. Его карьера привела его к сотрудничеству со многими различными реальностями, но вершиной его творчества является участие во всемирно известной выставке «Новая картина общих предметов» в 1962 году, в которой участвовали Уорхол, Лихтенштейн и другие известные художники поп-арта.

Эдвард Руша, товарный знак № 7, (20th Century Fox), 1962 год
Веб-сайт Джеймса Розенквиста 🚀
Еще одним чрезвычайно важным и известным художником поп-арта, без сомнения, является Джеймс Розенквист , которого можно рассматривать, как и Уорхол и Лихтенштейн, как одни из самых сильных и влиятельных художников современного поп-арта. Его работа глубоко погружается в кинематографию и рекламу и создает фрагментированный образ этих линий и их значков.

Джеймс Розенквист, избранный президент, 1960–61 / 1964, холст, масло.Центр Помпиду, Париж
Веб-сайт Тома Вессельмана 🚀
Очень близок к исследованиям Джима Дайна, Том Вессельманн дал сильный поэтический поворот темам, которые в основном использовались другими известными художниками поп-арта. В его работах реалистичные объекты сочетаются с сюрреалистическими, мечтательными и иллюзионистскими пространствами, сделанными с использованием сильных хроматических поверхностей.

Том Вессельманн, «Синица в спальне» (1968–1970). Предоставлено Almine Rech Gallery
Веб-сайт сэра Питера Блейка 🚀
Сэр Питер Томас Блейк — английский поп-исполнитель, наиболее известный как соавтор дизайна обложки для альбома Sgt.Группа Pepper’s Lonely Hearts Club и для двух альбомов Who’s. Среди других его самых известных работ — кавер сингла Band Aid «Do They Know It’s Christmas?» И афиша концерта Live Aid. Блейк также разработал статуэтку британской премии 2012 года.

Один из самых известных британских поп-исполнителей, Блейк считается заметной фигурой в движении поп-арта. Центральное место в его картинах занимает его интерес к изображениям из популярной культуры, которые вошли в его коллажи. В 2002 году он был посвящен в рыцари Букингемского дворца за заслуги перед искусством.

Питер Блейк, «Источники поп-арта» 7
Веб-сайт Мела Рамоса 🚀
Мелвин Джон Рамос был американским художником-фигуратором, чаще всего специализирующимся на картинах обнаженных женщин, в чьих работах присутствуют элементы реалистического и абстрактного искусства. Он родился в Сакраменто, Калифорния, в семье португальско-азорских иммигрантов в первом поколении. Он приобрел популярность как часть движения поп-арта 1960-х годов. Рамос «наиболее известен своими картинами супергероев и роскошных обнаженных женщин, появляющихся из стеблей кукурузы или бананов Chiquita, выскакивающих из фантиков или развалившихся в бокалах для мартини».

Рамос изначально начинал с абстрактного экспрессионизма, но отказался от него, взяв на себя задачу изображать американских супергероев, таких как Супермен и Бэтмен. Это ознаменовало его дебют на пути к тому, чтобы стать одной из важных фигур движения поп-арт.

Мел Рамос, Банана Чикита (1969), полихромная эмаль

Как известно, Мела Рамоса можно рассматривать как одного из последних художников поп-арта, хотя ирония, которую можно найти в его работах, считается дистанцировать его от этого конкретного движения.Его символы и предметы на самом деле отличаются по значению от тех, которые аналогичным образом приняты другими известными художниками поп-арта, что делает его работы более тонкими.

Патрик Джозеф Колфилд был английским художником и гравером, известным своими смелыми полотнами, которые часто включали элементы фотореализма в урезанную сцену. Примеры его работ — керамика и ингредиенты для натюрморта.
Веб-сайт Патрика Колфилда 🚀
Патрик Колфилд, Pottery
Веб-сайт Дэвида Хокни 🚀
Оставаясь в панораме британских художников поп-арта, мы легко можем встретить работы Дэвида Хокни.Художник, рисовальщик, гравер, сценограф и фотограф, Хокни, вероятно, является самым влиятельным среди британских художников поп-арта, а также самым ценным живым художником после его недавней продажи картины «Двойной портрет» за 90 миллионов долларов на Christie’s. Его стиль живописи сочетает образную идею с популярной цветовой палитрой, создавая чрезвычайно выразительные декорации, которые остаются легко узнаваемыми.

Дэвид Хокни, Портрет художника (бассейн с двумя фигурами), 1972 год
Веб-сайт Марджори Страйдер 🚀
Марджори Вирджиния Страйдер (26 января 1931 — 27 августа 2014) была американским художником, скульптором и перформансом Наиболее известна своими трехмерными картинами и инсталляциями мягкой скульптуры для конкретных мест.

Страйдер изучал искусство в Художественном институте Канзас-Сити, прежде чем переехать в Нью-Йорк в начале 1960-х годов. Трехмерные картины Страйдера с пляжными девушками с «выстроенными» формами были заметно представлены в «Международном девичьем шоу» Pace Gallery 1964 года наряду с другими вдохновленными «пин-ап» поп-артами Розалин Дрекслер, Роя Лихтенштейна, Энди Уорхола и Тома. Вессельманн.

Марджори Ездового 1963 Девушка с редькой

Ее комически порнографический Женщина с редькой была сделана в баннер для шоу, один из первых успешных выставок тогдашнего новой галереи.Ее смелые образные работы этой эпохи были направлены на то, чтобы ниспровергнуть сексистские образы женщин в массовой культуре, превратив объективированные женские тела в угрожающие формы, которые буквально попали «вам в лицо».
Веб-сайт Аллена Джонса 🚀
Аллен Джонс — британский поп-художник, наиболее известный своими картинами, скульптурами и литографией. На Парижской биеннале 1963 года он был награжден премией «Prix des Jeunes Artistes». Он старший академик Королевской академии художеств.

В 2017 году он вернулся в свой родной город, чтобы получить награду Почетного доктора искусств Саутгемптонского университета Солент.

Джонс преподавал в Hochschule für bildende Künste Hamburg, Университете Южной Флориды, Калифорнийском университете, Школе изящных искусств Banff Center в Канаде и Берлинском университете искусств.

Его работы находятся в нескольких коллекциях; включая Тейт, Музей Людвига, Центр искусств Уорика и Музей Хиршхорна.

Стол и стул с манекенами «фетиш» из стекловолокна, 1970
Веб-сайт Джорджа Кондо 🚀 & Works
Джордж Кондо — современный американский художник-визуалист.Он занимается живописью, рисунком, скульптурой и гравюрой, а также живет и работает в Нью-Йорке.

Как только что было сказано, « Factory » Уорхола была местом, где многие другие интересные поп-художники разработали свой подход к живописи и современным символам поп-арта. Так было и с Джорджем Кондо, очень уважаемым художником, который использовал поп-нарратив для создания собственного стиля, который позже был обозначен как искусственный реализм . Картины Condo дают ошеломляющую интерпретацию того, как реализм ощущается и переживается в киберсообществе, и до сих пор доминируют на сцене современного искусства, в чем мы можем убедиться сами, посетив одни из самых влиятельных художественных ярмарок и музеев.

Джордж Кондо, Треснувший кардинал (2001), холст, масло
Веб-сайт Розалин Дрекслер 🚀
Розалин Дрекслер (родилась 25 ноября 1926 года) — американская художница, писательница, драматург, удостоенный премии Оби и обладатель премии Эмми. Сценарист-победитель, бывший профессиональный рестлер. Несмотря на то, что у нее была эрудитическая карьера, Дрекслер, пожалуй, наиболее известна своими картинами в стиле поп-арт и как автор новеллизации фильма «Рокки» под псевдонимом Джулия Сорел.В настоящее время Дрекслер живет и работает в Нью-Йорке, штат Нью-Йорк.

К 1961 году Дрекслер начала менять свои работы с ассамбляжа на поп-арт. Она просматривала старые журналы, плакаты и газеты в поисках изображений для своих картин. Ее самоучка заключалась в том, чтобы взорвать изображения из журналов и газет, собрать их на холсте, а затем закрасить их яркими, насыщенными цветами.

Дрекслер подписала контракт с Kornblee Gallery, где в 1964–1966 годах проводила персональные выставки.В январе 1964 года ее работы были включены в «Первую международную выставку девушек» в галерее Pace, Нью-Йорк. Она и Марджори Страйдер были единственными женщинами-поп-артистами, включенными в эту выставку, в которой также участвовали Уорхол, Лихтенштейн и Том Вессельманн. Дрекслер выставлял коллажи, вырезанные и наклеенные из журналов для девочек. Кого-то эта работа возмутила, но ее картины в основном были хорошо приняты.

Защитники, 1963, Художественный музей Колби Колби, Уотервилл, Мэн

Картины Дрекслера продолжали пользоваться положительными отзывами и выставлялись на крупных выставках поп-арта на протяжении 1960-х годов.Она не достигла уровня признания многих своих сверстников-мужчин; Основные темы ее картин — насилие над женщинами, расизм, социальное отчуждение — были спорными темами в жанре, известном своей «крутой» и отстраненной.
Веб-сайт Джеймса Гилла 🚀
Джеймс Фрэнсис Гилл — американский художник и один из главных героев движения поп-арт. В 1962 году Музей современного искусства включил его Триптих Мэрилин в свою постоянную коллекцию. На пике карьеры Гилл ушел на пенсию. Он вернулся на художественную сцену примерно через 30 лет.

В качестве доказательства важности и повторяемости сюжетов в большинстве работ известных художников поп-арта мы можем взглянуть на постановку Джеймса Фрэнсиса Гилла; американский художник, известность которого возросла с тех пор, как его «Триптих Мэрилин» был включен в коллекцию MOMA в 1962 году. Его впечатляющая карьера достигла пика, когда он решил уйти на пенсию в 1972 году из-за своего недоверия к социальной и политической ситуации. Но его изгнание было прервано примерно через 30 лет, когда он решил вернуться на сцену искусства с выставкой в Музее изящных искусств Сан-Анджело.

Джеймс Фрэнсис Гилл, Три лица Мэрилин (2014), холст, акрил. Galerie Urs Reichlin
Марисоль (Эскобар) Веб-сайт 🚀
Марисоль Эскобар , иначе известная просто как Марисоль, была французским скульптором венесуэльского происхождения, работавшим в Нью-Йорке.

В следующем десятилетии 1960-х на Марисоль начали оказывать влияние такие поп-исполнители, как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн. Она снялась в двух фильмах Уорхола: «Поцелуй» и «13 самых красивых девушек».

Одна из ее самых известных работ этого периода — «Партия», групповая инсталляция фигур в натуральную величину из Художественного музея Толедо. Ее предрасположенность к формам поп-арта частично проистекает из ее самого раннего художественного образования, восходящего к временам ее правления Говарда Уоршоу в Институте искусств Джепсона.

Автор Альберт Боймс отмечает глубокое влияние, которое Искусство комиксов оказало на поп-артистов, в том числе и на саму Марисоль. Он пишет, что комиксы и комиксы, а также мультфильмы были особенно привлекательны для целого поколения художников, родившихся около 1930 года, включая Класа Ольденбурга, Мэла Рамоса, Энди Уорхола, Тома Вессельмана, Джеймса Розенквиста и, конечно же, Роя Лихтенштейна. , самый старый из этой группы.

Марисоль, «Женщины и собака» (1963–64), на выставке Музея Уитни «Америка трудно увидеть»
Веб-сайт Джеффа Кунса 🚀
Джеффри Л. Кунс — американский художник, известный своими работа, посвященная массовой культуре, и его скульптуры, изображающие предметы повседневного обихода, в том числе животных-воздушных шаров, — сделанные из нержавеющей стали с зеркальной поверхностью. Он живет и работает как в Нью-Йорке, так и в своем родном городе Йорк, штат Пенсильвания. Его работы были проданы за солидные суммы, включая как минимум две рекордные аукционные цены за работу живого художника, в том числе 91 доллар.1 миллион с комиссией в мае 2019 года за своего Кролика, купленного Робертом Э. Мнучиным, согласно статье New York Times.

Говоря о массовом потреблении и коллективной культовой эстетике, мы не можем забыть о Джеффе Кунсе. Его китчевые и красочные скульптуры уникальным образом соприкасаются с полным позитивным обществом, для которого они были созданы, делая его неопопские формы близкими родственниками культового поп-арта Энди Уорхола не только из-за их красочности, но и из-за их монументальности и монументальности. влиятельная власть.

Джефф Кунс, Попай (2009–2011), нержавеющая сталь с зеркальной полировкой и прозрачным цветным покрытием. Галерея Соннабенд, Нью-Йорк
Веб-сайт Бэнкси 🚀
Бэнкси — анонимный уличный художник из Англии, политический активист и кинорежиссер, работающий с 1990-х годов. Его сатирическое уличное искусство и подрывные эпиграммы сочетают в себе мрачный юмор с граффити, выполненными в самобытной технике трафарета. Его произведения, содержащие политические и социальные комментарии, украшали улицы, стены и мосты по всему миру.Творчество Бэнкси выросло из бристольского андеграунда, который предполагал сотрудничество художников и музыкантов. Бэнкси говорит, что его вдохновил 3D, художник граффити и один из основателей музыкальной группы Massive Attack.

Бэнкси, Девушка с воздушным шаром (2006)

Анонимный уличный художник «Бэнкси», наверное, самый известный художник поп-арта в наши дни. Его всемирная известность обусловлена его публичным вмешательством и провокационным подходом, из-за которого его часто называли преступником и разыскивал Интерпол.Его стиль имеет сильное происхождение от уличного искусства, и его среда — это в основном трафарет с распыляемой краской, в то время как его символы в основном связаны с совпадающей политической ситуацией и медиатической целью; как всемирно известный случай «Растрепанная картина».
Stik Website 🚀
Stik — британский художник-граффити из Лондона. Он известен рисованием больших фигурок из палочек. Его работа была продана на аукционе более чем 150 000 фунтов стерлингов.

Сегодня, гуляя по Лондону, мы встречаем серию чрезвычайно выразительных, но упрощенных фигур, нарисованных на стенах улиц.Это работы британского художника-граффити Стика, художника, который приезжал из квартала в лучшие галереи мира и видел, как его работы выставлены на аукционе Christie’s за внушительную сумму в 150 000 фунтов стерлингов. Его стиль уникален по цвету и форме и показывает очень современное происхождение от лучших современных художников поп-арта.

Граффити Стика на ставне витрины магазина в Шордич, Лондон.
Веб-сайт Дэмиена Херста 🚀
Дэмиен Стивен Херст — английский художник, предприниматель и коллекционер произведений искусства.Он один из молодых британских художников (YBA), доминировавших на арт-сцене Великобритании в 1990-е годы. Сообщается, что он самый богатый из ныне живущих художников Соединенного Королевства, его состояние оценивается в 215 миллионов фунтов стерлингов в списке богатых людей Sunday Times за 2010 год.

Смерть — центральная тема в творчестве Херста. Он прославился серией произведений искусства, в которых мертвые животные (в том числе акула, овца и корова) сохранены — иногда после вскрытия — в формальдегиде. Самым известным из них была книга «Физическая невозможность смерти в сознании живущего», 14-футовый (4.3 м) тигровая акула погружена в формальдегид в прозрачной витрине. Он также создал «вращающиеся рисунки», созданные на вращающейся круговой поверхности, и «точечные рисунки», которые представляют собой ряды случайно окрашенных кругов, созданных его помощниками.

Дэмиен Херст, Череп с часами в глазах (2008), холст, бытовой глянец.
Damien Hirst and Science Ltd.

Переходя к европейскому пейзажу, важно понять, насколько великими были британские художники поп-арта за последние несколько десятилетий.Одним из этих титанов, безусловно, является Дэмиен Херст, чья карьера в концептуальном искусстве и путь, пройденный коллективом YBA, не лишили его времени также поговорить с массой. Его работы часто перенимали эстетику поп-арта и использовали ее для создания символов немедленного потребления, таких как его всемирно известные картины в виде черепа и картины вращения .
Веб-сайт Яёи Кусамы 🚀
Яёи Кусама — современный японский художник, который работает в основном в области скульптуры и инсталляции, но также активно занимается живописью, перформансом, кино, модой, поэзией, художественной литературой и другими видами искусства.Ее работы основаны на концептуальном искусстве и демонстрируют некоторые атрибуты феминизма, минимализма, сюрреализма, Art Brut, поп-арта и абстрактного экспрессионизма, а также наполнены автобиографическим, психологическим и сексуальным содержанием. Она была признана одним из самых важных ныне живущих художников Японии.

Яёи Кусама, художница со своей работой «Щупальца» (2012–2015)

Яёи Кусама переезжает в Нью-Йорк, имея другой фон, например, очень формальный метод рисования под названием « нихонга ». Город в 1958 году, в возрасте 29 лет.Ее привлекла мощная и яркая сцена американского поп-арта, и она идеально вписалась в нее своими перформансами и картинами Infinity Net . С тех пор, как она вернулась в Японию как известный художник поп-арта, она реализовала свои исследования бесконечности с помощью своих универсальных скульптур, которые создают обстановку усиленной реальности.
Сайт Такаши Мураками №
Такаши Мураками — современный японский художник. Он работает в средствах массовой информации изобразительного искусства (таких как живопись и скульптура), а также в коммерческих средствах массовой информации (таких как мода, товары и анимация) и известен тем, что стирает грань между высоким и низким искусством.Он ввел термин «суперплоскость», который описывает как эстетические характеристики японской художественной традиции, так и характер послевоенной японской культуры и общества, а также используется для художественного стиля Мураками и других японских художников, на которых он оказал влияние.

Такеши Мураками, Мистер Даб и Банни, цифровое искусство (2019)

В то время как самых известных художников поп-арта часто считают американцами, в последнее время Япония также была признана родиной некоторых великих современных поп-артов. художников, таких как Такеши Мураками, который считался наиболее влиятельной фигурой современной японской культуры.Живописец и скульптор, Мураками создал произведения искусства, вдохновленные иконографией его страны, которые оказали огромное влияние на современную сцену.
Nara Yoshimoto Website 🚀
Yoshitomo Nara — японский художник. Он живет и работает в Насусиобара, префектура Тотиги, хотя его работы выставлялись по всему миру. С 1984 года у Нары было около 40 персональных выставок. Его работы размещены в MoMA и Музее современного искусства в Лос-Анджелесе (MOCA). Его самый известный и часто повторяемый объект — молодая девушка с проницательными глазами.

Нара Ёсимото, «Нож за спиной» (2000), холст, масло

Его работа представляет собой несколько простых фигур, которые часто выглядят безобидно, как дети или домашние животные, с мультяшными чертами, но которые при определенном внимании проявляют враждебность. такие предметы, как оружие, которые держат эти «милые» субъекты, и очень резкие выражения лиц, которые наполняют наблюдателя чувствами ненависти.
Mimmo Rotella Website 🚀
Доменико «Mimmo» Rotella был итальянским художником, который считался важной фигурой в послевоенном европейском искусстве.Наиболее известен своими работами в области декора и психогеографии, сделанными из разорванных рекламных плакатов. Он был связан с ультра-леттристами, ответвлением леттризма, а позже был членом «Реалистического модерна», основанного в 1960 году искусствоведом Пьером Рестани.

Mimmo Rotella, Semper lei Marilyn (2002), деколлаж на холсте

Доменико Ротелла, также известный как Mimmo Rotella, был невероятно активным художником второй половины 20-го века, близким как к модернизму, так и к поп-арту движения.Этот невероятно тонкий художник в стиле поп-арт использовал технику серидеколлажа, чтобы создать серию сорванных картин с плакатов и сборок невероятной выразительной силы и эстетической изысканности.
Веб-сайт Харитон Пушвагнер 🚀
Терье Брофос, имя художника Харитон Пушвагнер , был норвежским графиком и художником, который много лет пытался найти свой личный стиль, прежде чем прославиться своими яркими повествовательными и карикатурными изображениями, частично заимствованными его привязанность к Акселю Дженсену.

Харитон Пушвагнер, Re Traversa (Мягкий город) (1969), печать на бумаге
Веб-сайт Уэйна Тибо 🚀
Уэйн Тибо — американский художник, известный своими красочными работами, изображающими обычные предметы — пироги, губные помады, банки с красками и т. Д. рожки для мороженого, пирожные и хот-доги, а также для его пейзажей и фигурных картин. Тибо связан с движением поп-арта из-за его интереса к объектам массовой культуры, хотя его ранние работы, выполненные в пятидесятые и шестидесятые годы, немного предшествуют работам классических поп-художников.Тибо использует тяжелый пигмент и преувеличенные цвета для изображения своих предметов, а четко определенные тени, характерные для рекламы, почти всегда присутствуют в его работах.

Десертный поднос, 1963, холст, масло

Уэйн Тибо — широко признанный художник поп-арта. Его работы действительно соответствуют высочайшим стандартам живописи благодаря качеству цвета и техники. В своем исследовании он изучает предметы повседневного обихода, которые, по его мнению, художники оставили особняком, возможно, потому, что они выглядели отталкивающе, например, сладости, такие как леденцы, которые, возможно, рассматривались как поверхностные предметы.Хотя его часто называют известным художником поп-арта, иногда говорят, что он отличается от поп-культуры из-за другой техники рисования, которую он перенял.
Веб-сайт Питера Макса 🚀
Питер Макс (урожденный Питер Макс Финкельштейн) — немецко-американский художник, известный тем, что использует яркие цвета в своих работах. Работы Макса связаны с изобразительным искусством и культурой 1960-х годов, особенно с психоделическим искусством и поп-артом.

Почтовая марка США с изображением Макса, посвященного выставке 74

Питер Макс, Мэрилин, из ретроспективы «Собрание сочинений 1960–2017»

Работы Питера Макса узнаваемы по галлюцинационному эффекту, создаваемому его цветами.Его сюжеты связаны с арт-сценой 1960-х годов и реализованы с помощью особого и расчетливого подхода художника к пространству.
Никлас Кастелло Веб-сайт 🚀
Никлас Кастелло (настоящее имя Норберт Зербс) — немецкий современный художник, на которого повлияли поп-арт, неоэкспрессионизм и уличное искусство. Он хорошо известен своими скульптурами, такими как «Поцелуй», но также занимается живописью.

Никлас Кастелло, Поцелуй (блестящий красный) (2013–2015). Предоставлено Гаем Хепнером

Никлас Кастелло , безусловно, очень талантливый художник нашего поколения.Он прославился благодаря таким работам, как «Поцелуй», в которых мы можем найти нео-поп-вариации на темы других известных художников поп-арта, а также некоторые влияния неоэкспрессионизма и стрит-арта.

Это направление в искусстве дало нам столько талантливых художников поп-арта, каждый со своим неповторимым стилем. Типы поп-арта и техники варьируются от скрупулезно буквальных картин до шелкографии, коллажей и трехмерных произведений искусства.

«Поп-культура — это не глубина. Речь идет о маркетинге, спросе и предложении, консьюмеризме.«- Тревор Данн

Если вам нравится стиль поп-арт, вот несколько полезных ресурсов, которые помогут вам создать идеальный дизайн в стиле поп-арт. Также не забывайте, что Интернет — огромный источник идей поп-арта.

Если вам нравится поп-арт, вы можете легко создать цифровой эффект в стиле поп-арт , используя Photoshop или другое программное обеспечение для графического дизайна, например MockoFun .

Стиль живописи Поп-арт: развитие, мастера, произведения

История развития Поп-арта

Художники

Присущие особенности стилю поп-арт

Критика и значение стиля в искусстве

Поп-Арт

Голова Барселоны — поп-арт скульптура в Port Vell

Cap de Barcelona как украшение Старого порта

Что символизирует скульптура Голова Барселоны

Другие работы архитектора Роя Лихтенштейн

Местоположение скульптуры Cap de Barcelona

Художник Джефф Кунс: скульптуры трансцендентного стиля

Творческая биография художника Джеффа Кунса

Эпатажный период творчества художника Джеффа Кунса

Современный период творчества Джеффа Кунса

Художник Джефф Кунс: работы, скульптуры и картины

Молодежный стиль поп-арт в дизайне

Что такое поп-арт?

История развития поп-арта

Американский или Английский поп-арт

Что характерно для поп-арта?

Поп-арт и современность

Популярное искусство поп-арт – LukasGallery

Популярный, временный, расходный, массовый, молодой, остроумный, сексуальный, причудливый, гламурный, коммерческий

the Pop Art Manifesto by Richard Hamilton

Покупка поп-арта

Ведущие художники поп-арта

Интерьерная стилистика для произведений поп-арта

Где повесить картины в стиле поп-арт

Скульптура LOVE, Нью-Йорк — где находится, фото, отели рядом на карте, как добраться

История

Как добраться

5 Что нужно знать о поп-арте

Скульптуры в стиле поп-арт на продажу

Поп-скульптура — Поп-культура — — Выставки

Поп-арт скульптура на продажу

Поп-арт | Характеристики, факты и художники

Купить Скульптуры в стиле поп-арт | Художественная галерея Buysculpture

💥35 + Самые известные исполнители поп-арта и их лучшие работы

647 Роберт Кунтц в движении 9250

Добавить комментарий Отменить ответ