Самые знаменитые работы Пабло Пикассо: описание
Символом мира считается голубь с оливковой ветвью от Пикассо. Этот человек был не только гениальным художником, импрессионистом и основателем кубизма, он был гуманистом, общественным деятелем и борцом за мир. Сейчас рассмотрим самые знаменитые работы Пикассо.
Самые известные картины Пабло Пикассо:
1
Наука и благотворительность (1897)
Внушительная работа юного шестнадцатилетнего Пикассо удивляет своим размахом и смыслом. Картина написана в стиле реализма. У постели больной женщины сидит доктор. Рядом стоит монахиня — она взяла заботу о ребёнке больной женщины.
Работа блестяще выполнена в классической манере академической живописи. Эта работа была отмечена почётной наградой и золотой медалью на разных выставках. Несмотря на грандиозный успех, Пикассо больше никогда не возвращался к академизму.
2
Автопортрет в голубой период (1901)
Портрет написан художником в начале своего творческого пути и искания. В начале «голубого периода» он натыкается на непонимание со стороны зрителей. К тому же он погряз в безденежье, и его не отпускала чёрная полоса жизни. Автопортрет Пикассо — образ полного отчаяния и одиночества, душевного холода.
3
Ребёнок с голубем (1901)
Картина французского или «голубого периода», когда молодой Пикассо проживал в Париже, показывает яркую индивидуальность начинающего импрессиониста.
Маленькая девочка в белом платье трогательно прижимает к себе голубя. Её коротко остриженные рыжие волосы контрастируют с холодным и безликим фоном картины. У ног девочки лежит ярко раскрашенный мяч. Вероятно, Пикассо изобразил на картине свою умершую в детстве младшую сестру.
Эта картина очень печальна. В тот период в жизни художника происходили различные трагические события, которые повлияли на стиль написания картин. В них преобладали оттенки голубого цвета, что дало соответствующее название периоду творчества Пикассо.
4
Трагедия (1903)
Картина «Трагедия» — очередное полотно «голубого периода» в жизни Пикассо.
Картина изображает трёх людей: женщину, мужчину и ребёнка в самый тяжёлый момент их жизни. Люди отчаялись, лишения и бедность подкосили их. Они стоят босыми на берегу моря, им холодно, они кутаются в свои жалкие одежды.
Мужчина не знает, что делать, чтобы спасти семью. Ребёнок ищет поддержки у отца, но тот погружен в свои мысли. Синий цвет картины подчёркивает невыносимую тоску и бедность низших слоёв общества, их трагическую судьбу.
5
Старый гитарист (1903)
Это полотно также написано в знаменитый «голубой период» творчества Пикассо. Трагическая составляющая картины подчёркнута холодной цветовой гаммой. Старый, слепой, истощённый музыкант сжимает свою единственную подругу — старую гитару. Его физические и духовные страдания очень быстро передаются зрителю. Возле этой картины начинаешь ощущать неизбежность смерти и невыносимое одиночество.
6
Жизнь (1903)
Эта картина также написана в «Голубой период» творчества и признана мировым шедевром, хотя Пикассо не любил эту работу и считал её незавершённой.
Сюжет картины описывает четыре основных периода в жизни человека: рождение, любовь, одиночество и смерть.
На фоне голубого, плавно переходящего в зелёный, изображены статичные и абсолютно без эмоций человеческие фигуры. Слева — влюблённая пара, справа — одинокая мать с новорождённым ребёнком, в центре вверху — прощание и внизу в центре смерть.
7
Девочка на шаре (1905)
Одним из самых известных и монументальных полотен Пикассо является «Девочка на шаре». Сочетание статичности и движения, большого и маленького, основательного и хрупкого создаёт удивительный контраст.
Мощная, застывшая глыба сидящей мужской фигуры акробата на абсолютно устойчивом кубе и хрупкая фигурка девочки, балансирующей на шаре, занимают всё пространство полотна. На заднем плане изображены маленькие фигурки женщины и ребёнка, собаки и белой лошади. Они уравновешивают композицию и делают её целостной.
8
Семейство комедиантов (1905)
На смену «Голубому периоду» в жизни Пикассо пришёл «Розовый период» одиночества и бедности.
«Семейство комедиантов» — картина, предвещающая смену живописного стиля Пикассо. Тональность и цветовая гамма его полотен сменилась. В них появились тёплые розовые, серые и жёлтые оттенки.
В те годы его увлёк мир циркового и театрального искусства. Персонажами таких картин стали жонглёры, акробаты, клоуны, наездницы. На картине изображена группа цирковых бродячих артистов. Акробаты, шуты, Арлекин, держащий за руку дочь, девушка на переднем плане — группа глубоко одиноких и обездоленных персонажей.
9
Авиньонские девицы (1907)
Картина была написана в начале века, а выставлена только через тридцать лет. Авангардное полотно не было оценено его современником — А. Матиссом. Предполагают, что критика с его стороны была явной ревностью, ибо картина была настолько хороша, что впоследствии приобрела огромную популярность.
Видимо, Пикассо опережал своё время на шаг вперёд. Эта картина стала очередной ступенькой в творчестве художника, как кубиста. На этом полотне уже видны зарождающие черты этого стиля.
Анре Сальмонт, друг художника, предложил назвать полотно «Авиньонские девицы».
Кстати, если вы хотите узнать нашу версию рейтинга самых красивых женщин в истории, переходите по ссылке.
10
Сидящая женщина (1909)
Портрет Фернанды, своей постоянной натурщицы, Пикассо выполнил необычной манере. Кубизм только зарождался, и художник искал всевозможные способы изображения. Весь портрет разделён на мелкие детали. Картина написана в светло-коричневых и зеленоватых тонах. Маленькая голова контрастирует с крупным телом. Изображение одновременно и объёмное, и плоское. В отдельных сегментах присутствует градация тона — от светлого к тёмному, что даёт эффект объёма общего вида.
11
Три танцора (1925)
Пикассо в конце своей жизни назвал своё первое сюрреалистичное полотно «Пляской смерти». Картина изображала любовный треугольник двух своих друзей и роковой женщины, любовь к которой привела к их трагической гибели.
12
Сон (1932)
Картина написана в стиле сюрреализма.
На картине художник изобразил Марию-Терезу Вальтер свою прекрасную возлюбленную. Ни одну женщину он не писал с большей любовью, и этому доказательство — картина «Сон».
Её красивое лицо изыскано, поза женщины расслаблена, голова слегка запрокинута и имеет форму разбитого сердца, её округлые изгибы полные неги. Руки, сложенные на животе подчёркивают будущее материнство натурщицы. Она в ожидание младенца — дочери художника.
Советуем посмотреть на картины знаменитого сюрреалиста Сальвадора Дали, опубликованные на нашем сайте most-beauty.ru.
13
Девушка перед зеркалом (1932)
Очередной портрет Марии Терезии Вольтер написан в необычной манере. Художник ищет новые формы. На картине изображена молодая женщина перед зеркалом. Её округлый живот привлекает внимание, как и отражение в зеркале. Необычное цветовое решение, формы делают эту картину загадочной и таинственной. Это полотно в 2015 году было продано за рекордную сумму — 115 млн долларов.
14
Герника (1937)
Открыть картину в высоком разрешении.
Бомбардировка нацистами города Герники в 1937 г. вызвала у Пикассо протест и возмущение. Под воздействием этого события он изобразил экспрессионистскую картину, полную ужаса, слёз и страданий. Размер картины потрясает — 3,4 на 7,8 метров — во всю стену мастерской художника. В Правой части изображены пылающие здания, из которых в ужасе бегут люди, в основном женщины.
Одна женская фигура охвачена огнём в проёме окна, в левом углу картины кричащая от горя мать с мёртвым ребёнком на руках. Растерзанная женщина с раскинутыми руками — символ смерти. Лампа и фонарь — символ внезапного нападения среди ночи. Эта картина напоминает коллаж из фигур, будто вырезанных из утренних газет. Наполненная эмоциями картина производит неизгладимое впечатление.
15
Бюст Женщины (1937)
Один из немногих изображений Доры Маар, которое передаёт её красоту. На сложном зелёном фоне с распущенными волосами изображена кареглазая Дора. Её персиковое румяное лицо излучает нежность.
Ранее Пикассо писал свою любимую натурщицу в сценах плача или неистового горя. По прошествии трагедии в Гернике, этот портрет немного поднимает настроение художника.
16
Плачущая женщина / Дора Маар с платком (1937)
Образ женщины в творчестве Пикассо обыгрывался множество раз. Ему терпеливо позировали самые красивые женщины. Одной из них была его близкая подруга — красавица Дора Маар. Серия «Плачущая женщина» довольно большая и затрагивает различные эмоциональные переживания: от глубокого горя и отчаяния до слёз радости.
Картина «Плачущая женщина», для которой позировала Дора Маар, изображает горе и страдание в стиле кубизма. Яркие краски и угловатые формы подчёркивают плоскость изображения. Необычайный эффект достигается путём изображения нижней части лица, просвечивающейся сквозь ткань платка.
Красная шляпка с ярким синим цветком, разноцветные тонкие полосы волос, «вдребезги» разбитые стёкла глаз создают необычайное эмоциональное восприятие картины.
В этом всё волшебство и гений Пикассо — из раздробленных частей создать цельный образ.
17
Голова быка (1942)
Бык — это символ неуправляемой силы и жестокости, неотвратимости беды. Бык Пикассо — символ Второй мировой войны. Необычное скульптурное изображение головы быка выполнено Пикассо из деталей обычного велосипеда. Мордой быка стало кожаное велосипедное сидение, а рогами стал металлический руль. Лаконизм — в этом весь Пикассо.
18
Дон Кихот (1955)
Простой набросок, чернильный эскиз изображает персонажей культового испанского произведения «Дон Кихот». Символичность рисунка блестяще отображает характеры персонажей. Дон Кихот сидит, понурившись, на своём старом и унылом Росинанте. В его руке копьё для сражения с мельницами, которые изображены на горизонте. Рядом на ослике восседает увесистый и основательный Санчо Панса. Этот рисунок стал классическим и бесспорным иллюстративным изображением героев бессмертного романа Сервантеса.
19
Чикагский Пикассо (1967)
В 1967 году в Чикаго на площади возле Daley Center была установлена большая скульптура, автором которой является Пабло Пикассо. Эту скульптуру называют Чикагским Пикассо. Она полюбилась не только жителям города, но его многочисленным гостям.
Художник не давал намёков, что или кого он изобразил, но подозревают, что это образ Лидии Корбет, которая позировала художнику. В скульптуре можно узнать её по высоко поднятому «конскому» хвосту и длинной шее.
20
Поцелуй (1969)
Среди работ Пикассо есть серия полная страсти и романтизма — «Поцелуй». Среди них выделяется картина 1969 года, когда творчество художника достигло наивысшего мастерства. Далёкая от реализма картина изображает целующуюся пару. В картине накал страстей подчёркивается большим количеством всевозможных линий: линии на обоях, линии позади мужской фигуры, завитки волос в виде тех же линий.
Эта картина изображает различие чувств мужчины и женщины, эмоциональную дистанцию между партнёрами.
Женщина изображена более чувственной и трепещущей, а мужчина наоборот — отрешённым и безразличным. Мысли мужчины витают где-то в другом месте, но не рядом с любящей женщиной.
Это одна из самых интересных картин Пикассо по мнению редакции most-beauty.ru. Для усиления драматизма Пикассо использует для написания картины различные технические приёмы и монохромную живопись.
21
Купальщица (1971)
Тема купальщиц поднималась Пабло Пикассо в течение всей его жизни. Это целая серия работ, посвящённая женскому телу и женской красоте. Символические знаки, в основе которых использовались иберийские узоры, символы, сложные формы и таинственные обозначения Пабло Пикассо использовал, чтобы изобразить таинственность и величие женщины. Обнажённые фигуры на фоне моря в различных художественных стилях получали с каждым годом всё новое и новое развитие.
Очередную «Купальщицу» Пикассо написал за два года до смерти. В зелёных волнах бурного моря плещется обнажённая женщина.
Её плавные формы сливаются с волнами, а широко раскрытые миндалевидные глаза сияют радостью от купания.
Послесловие
Автопортрет, Пабло Пикассо, 1907.
Гений Пикассо, его творческая активность, прогрессивность, любовь к жизни подарили миру исключительные шедевры живописи и скульптуры. Пабло Пикассо считается самым популярным и дорогим художником в мире. Каждая его работа оценивается в десятки миллионов долларов. Также его считают лучшим художником последнего столетия.
Редакция most-beauty.ru просит вас написать какие работы Пабло Пикассо производят на вас наибольшее впечатление.
Пикассо: картины, биография
Фото: UGCПикассо, картины которого считаются одними из самых дорогих произведений искусства, наиболее успешный художник в истории живописи. Он опроверг утверждение о том, что деятель искусства должен быть нищим, голодным и умереть непризнанным. На момент смерти состояние Пикассо оценивалось в $1,5 млрд.
Он самый популярный художник среди похитителей произведений искусства. Согласно статистике, в разное время было похищено более 1100 его полотен. Расскажем подробнее о Пикассо и его творчестве.
Пикассо: картины, фото
Кисти художника принадлежат тысячи произведений. Вот самые известные картины Пикассо:
«Старый гитарист» (1903)
Фото: kulturologia.ru: UGCКартина написана в так называемый голубой период творчества художника. Ему было 22 года. Он в Париже без денег, потерял лучшего друга и страдал от одиночества и депрессии. В его творчестве преобладали холодные голубые тона, которые отражали мироощущение творца.
На картине изображен слепой старый музыкант. Он одет в лохмотья, а его угловатая фигура как бы помещена в тесное пространство в неудобной позе. Это передает леденящее сердце чувство одиночества и депрессию, которую переживал художник.
Единственное, что есть у героя, — гитара, вокруг которой и построена композиция полотна. Инструмент — это метафора, передающая идею, что художник может полагаться только на свой талант и инструмент, чтобы выжить в бездушном мире.
«Девочка на шаре» (1905)
Фото: vokrugsveta.ru: UGCКартина «розового» этапа творчества художника. Его жизнь начала налаживаться, и в живописи появились теплые цвета и темы веселья. Героями работ Пикассо стали бродячие артисты. «Девочка на шаре» изображает репетицию труппы передвижного цирка.
На картине две фигуры — хрупкой девочки и атлетически сложенного гимнаста. Ее молодость и свежесть противопоставлены его зрелости и опыту. Неустойчивый по форме шар контрастирует с тяжеловесностью куба. Жизнь труппы противопоставлена почти безжизненному пустынному пейзажу.
«Авиньонские девицы» (1907)
Фото: picasso-picasso.ru: UGCОдна из самых знаковых картин в творчестве художника. В Барселоне на улице Авиньон находился бордель, женщин из которого нарисовал художник. Он переживал разрыв с любимой и искал утешения у жриц любви.
Картина нарушает все классические каноны живописи относительно света и тени, перспективы и многого другого.
Нарисовав бордель, который находится за гранью общественной морали, художник хотел сказать, что пришло время для иного искусства, выходящего за пределы классических представлений.
Полотно называли «дверью в авангард». Долгое время оно было доступно только для круга посвященных. Художник считал, что публика еще не готова к восприятию картины. Коллеги мастера, видевшие «Авиньонских девиц», разделились на два лагеря: тех, кто считал работу революционной, и тех, кто осуждал ее.
«Голубка Пикассо» (1949)
Фото: liveinternet.ru: UGCОдно из самых известных изображений, созданных Пикассо, которое стало политическим символом. Во время Второй мировой войны художник сблизился с левыми. Поэтому, когда коммунист Луи Арагон обратился к художнику с предложением разработать символ Конгресса борьбы за мир, Пикассо охотно принял его и предложил голубя в качестве эмблемы.
Известно, что художник не раз в своем творчестве обращался к изображению этой птицы. В 20 лет Пикассо нарисовал «Ребенка с голубем», которого некоторые исследователи считают автопортретом. Установлено, что отец Пабло разводил птиц и, возможно, картина стала своеобразным воспоминанием о детстве.
Спустя 36 лет Пикассо нарисовал «Птиц в клетке», на которой, как предполагают искусствоведы, изобразил конфликт двух любовниц в своей парижской мастерской, использовав метафоры черной и белой голубки.
Возможно, в картине присутствуют и религиозные мотивы. Художник родился в католической семье. А в христианстве голубь — символизирует Святой Дух.
Изображение стало символом борьбы за мир.
«Алжирские женщины» (1954)
Фото: artchive.ru: UGC«Алжирские женщины» — это знаменитые картины, нарисованные в период, когда Пикассо пытался переосмыслить наследие великих живописцев. Художник создал порядка 15 картин, которые объединены в восемь серий, обозначенные буквами от «А» до «О». В 2015 году серия «О» была продана на аукционе за рекордные для арт-рынка $180 млн.
«Алжирские женщины» вдохновлены одноименной картиной Делакруа (1834). Картина великого французского художника проникнута духом ориентализма — течения в искусстве, которое конструировало условный Восток, изображаемый глазами западного человека.
Поэтому женщины у Делакруа — объект желаний, доступные и с соблазнительными фигурами. Пикассо переосмысливает образ, изображая женщин в стиле кубизма.
Читайте также: Самые известные картины мира
Пабло Пикассо: краткая биография
Биография Пабло Пикассо полна историй, которые показывают художника как неординарную личность. Так, например, при рождении его спасла сигара дяди. Пабло появился на свет в октябре 1881 года. Роды прошли тяжело, и младенец не подавал признаков жизни. Акушерка уже готова была сообщить матери о том, что ребенок не выжил, но дядя выдохнул в сторону племянника клубок сигарного дыма. Младенец неожиданно отреагировал и заплакал.
Будущий художник появился на свет в семье испанских католиков. Поэтому при крещении он получил имя, состоящее из 23 слов. Пикассо родился в семье художника, и, по семейному преданию, первым его словом было «карандаш». Оно определило всю дальнейшую судьбу Пабло.
Пикассо был трудным ребенком.
Ему нравилась школьная комната для наказаний, куда отправляли провинившихся учеников. Поэтому, по его личным признаниям, он часто специально нарушал дисциплину, чтобы попасть туда.
Первые картины Пикассо начал рисовать еще в детстве. Существует история, что его отец, увидев произведения маленького Пабло, был так впечатлен, что оставил живопись, но при этом всю оставшуюся жизнь не забывал повторять, что талант живописца сын унаследовал от него.
Биографы делят жизнь художника на следующие периоды:
Испанский (1881–1900)
Фото: picasso-picasso.ru: UGCПервые 19 лет своей жизни Пабло прожил в Испании. Здесь он постиг основы художественного ремесла.
Первые шаги в искусстве Пабло делал в школе искусств города Ла-Корунья, где его отец преподавал живопись. Затем была школа изящных искусств в Барселоне и мадридская Королевская академия изящных искусств Сан-Фернандо.
Сам художник говорил, что уже в детстве научился рисовать так, как Рафаэль. В юности Пикассо внимательно изучал творчество великих художников, чтобы в последующие годы совершить революцию в живописи.
«Цветные» парижские периоды (1900–1906)
Фото: ArtContext.info: UGCВ 19 лет Пабло переехал в Париж — Мекку для художников рубежа ХІХ–ХХ веков. Благодаря длительному пребыванию во Франции фамилия Пикассо имеет два ударения — на испанский манер на втором слоге и на французский — на последнем.
«Цветными» периоды в творчестве художника называются по преобладанию одного из цветов в произведениях. Так, до 1904 года картины Пикассо отражали тоску. Он был беден, потерял близкого друга и находился далеко от родины и близких. На полотнах преобладал голубой цвет. Художник рисовал представителей маргинальных слоев общества — проституток, алкоголиков и нищих.
Главными темами «голубого» периода становятся смерть, старость, печаль и меланхолия. Герои его произведений не интересуются окружающим миром и поглощены своими проблемами. Одной из ярких работ периода считается «Нищий старик с мальчиком» (1903).
С 1904 года жизнь Пикассо налаживается. Он перебирается в район Монмартра, где жила парижская богема.
С этого момента в творчестве художника начинается «розовый» период.
Темы романтики странствий, одиночества и веселья становятся основными в его произведениях. Главные персонажи периода — странствующие артисты, циркачи и танцовщицы. Яркой картиной, характеризующей период, можно назвать «Акробат и молодой Арлекин» (1905).
Африканский (1907–1909)
Фото: picasso-picasso.ru: UGCДва года осмысления художественного искусства, результатом которых стало полное отрицание существующих канонов, прошли под влиянием африканского искусства, которое поразило творца простотой и изяществом форм. В этот период появляются «Авиньонские девицы» (1907) — переходная работа на грани реальности и кубизма.
Кубизм (1909–1917)
Фото: wikiart.org: UGCПикассо произвел революцию в изобразительном искусстве, пытаясь при помощи простых геометрических фигур передать объемные предметы на полотне. Критики придумали название «кубизм» для нового направления.
Публика восприняла его неоднозначно.
Одни говорили о кубизме как о кризисе, другие — как о новом этапе развития живописи. Так или иначе, художник становится богатым, покупает роскошную квартиру и перебирается в просторную мастерскую. Среди ярких работ периода — «Скрипка и гитара» (1913).
Неоклассицизм (1918–1925)
Фото: snegurg.ru: UGCПикассо переключается с живописи на другие виды творчества. Он делал декорации для скандальных постановок Дягилева, женился, у них с супругой родился ребенок.
Дух бунтарства и реформаторства ненадолго затихает в художнике, и он возвращается к классическим техникам живописи. «Детский портрет Поля Пикассо» (1923) — одна из самых ярких работ периода.
Сюрреализм (1925–1936)
Фото: picasso-picasso.ru: UGCУ Пикассо начались проблемы в семье, несколько коротких романов. Он увлекался греческой трагедией и скульптурой. Поэтому темы абсурда и бессознательного, освобождения сознания посредством искусства, характерные для сюрреализма, появляются в творчестве Пикассо.
Показательной работой периода является «Женщина с цветком» (1932).
Военный период (1937–1945)
Фото: YouTube: UGCЕвропа второй половины 1930-х жила предчувствием войны, и в творчестве художника появляется образ Минотавра — символа смерти и разрушения. На родине художника полыхала гражданская война, на стороне противников республики сражались итальянские фашисты и немецкие нацисты.
Затем война пришла во Францию. Художнику пришлось пережить нацистскую оккупацию. Он сотрудничал с Сопротивлением и пробовал себя в поэзии. Главной работой периода считается «Герника» (1937).
Послевоенные годы (1945–1960-е)
Фото: picasso-pablo.ru: UGCХудожник получал большие заказы, заработал немало денег, у него появилась новая семья, дети. Он наслаждался жизнью, заводя многочисленные романы с девушками, которые были намного моложе его. Пикассо увлекался керамикой.
В творчестве появились жизнеутверждающие мотивы. Художник рисует знаменитого «Голубя мира» (1949) и вариации на тему известных мастеров прошлого.
Поздний период (до 1973-го)
Фото: picasso-picasso.ru: UGCПикассо заканчивал жизнь богатым и знаменитым. Им восхищались, его работы продавались за баснословные деньги, о нем снимали документальные фильмы. Еще при его жизни в 1970-м в Барселоне появился Музей Пикассо.
Поздний период творчества характеризуется увлечением скульптурой. Последней из картин, которые создал художник, считается «Лежащая обнаженная голова» (1973). Умер художник в 91 год во Франции.
Пикассо прожил яркую и насыщенную жизнь. Он попробовал себя в различных направлениях искусства, стал одним из наиболее влиятельных художников ХХ века, реформатором изобразительного искусства, символом успешного художника. Его картины ценятся любителями искусства и занимают почетные места в лучших музеях мира.
Читайте также: Самые дорогие картины в мире: топ-10
Оригинал статьи: https://www.
12 самых известных произведений Пикассо и где их найти
Надеетесь понять искусство Пикассо, но не знаете, с чего начать? Не бойся! Мы эксперты по Пикассо, поэтому мы здесь, чтобы помочь! В этой статье я расскажу вам о нескольких самых известных работах Пикассо, почему они важны и где их увидеть!
Когда я рассказываю студентам о Пикассо или провожу экскурсии с его работами, они иногда путаются в отношении художника. Почему? Поскольку они знают, что Пабло Пикассо имеет большое значение, они просто не знают, почему. Когда вы посмотрите и узнаете больше об этих знаменитых работах Пикассо, я думаю, вы начнете видеть более широкую картину.
Хотите верьте, хотите нет, но Пикассо очень хорошо рисовал. По словам биографа Пикассо Роланда Пенроуза, Пикассо проявил настоящий дар к искусству еще в детстве. Свое раннее обучение он получил от своего отца, который был художником, получившим образование в академии, что вполне традиционно.
В Барселоне артист получил свое первое настоящее обучение. Позже родители отправили его в Мадрид для серьезного художественного обучения.
Существует множество историй о бунтарстве Пикассо в студенческие годы, в качестве художника-стажера и в молодости. Хотя многие из них верны, дело в том, что он, как говорится, просто мыслил нестандартно. «Коробка» — это традиционное искусство, в котором представлены объекты, которые выглядят более или менее реальными. Достаточно сказать, что это никогда не было миссией Пикассо.
Вундеркинд Пикассо
Какова была его миссия? Мигель Утрилло, художник, знавший Пикассо, когда он впервые приехал в Париж в 1900 году, сказал это лучше всех. Он писал: «Искусство Пикассо очень молодо; дитя его наблюдательного духа, который не прощает слабости молодежи нашего времени и раскрывает даже красоту ужасного…»
Утрилло знал, что Пикассо другой и что быть хорошим художником значит больше, чем хорошо рисовать. Он также назвал молодого художника «тот, кто рисует, потому что видит, а не потому, что может нарисовать нос по памяти».
Думаю, это все говорит о Пикассо и о том, почему его считают одним из революционеров современного искусства.
Он думал, что искусство может и должно делать больше, чем просто отражать то, что мы видим в реальном мире. Имея это в виду, давайте теперь посмотрим на некоторые из самых известных работ Пикассо и на то, где их можно увидеть.
12. Портрет матери художника
Общественное достояние , Пабло Пикассо1896 | Пастель на бумаге | Музей Пикассо (Барселона)
Этот трогательный портрет матери Пикассо был недавно отреставрирован — и почти с такой же любовью, как и сделан. Стиль художника в то время был тем, что мы могли бы назвать «академическим натурализмом». Он научился рисовать очень традиционным способом. Этот пастельный портрет также демонстрирует, насколько хорошо он это сделал. Тем не менее, он понимал ограничения этого стиля и вскоре начал экспериментальный стиль и карьеру, которая растянется на десятилетия.
А пока оцените мастерство этого портрета.
Эксперт Пикассо Мэрилин Маккалли отмечает, что художник сделал много портретов членов своей семьи. Ведь они были свободными моделями. Но также они были любимы семьей и художником. В этот момент, запечатленный ее 15-летним сыном, Мария как бы отдыхает. В мазке платья и фона чувствуется влияние импрессионизма.
Не готовы забронировать тур? Ознакомьтесь с нашими лучшими турами по Барселоне и почему.
11. Мулен де ла Галетт
Общественное достояние , Пабло Пикассо1900 | Масло на холсте | Музей Гуггенхайма (Нью-Йорк)
В те ранние дни между Барселоной и Парижем искусство Пикассо отражало вихрь художественных влияний, которые повлияли на его стиль. Он примерял такие стили, как шляпы. Ему не потребовалось много времени, чтобы уйти от этого постимпрессионистского стиля, поскольку он решил остаться в Париже, где богемная жизнь подходила ему, а художественная сцена была непревзойденной.
Сцены парижской ночной жизни были обычным явлением..jpg?mode=max)
Помните известную картину Ренуара «Бал в Мулен де ла Галетт »? Считайте картину Пикассо современным обновлением. Эта картина не похожа на стиль Ренуара, а передает волнение богемной ночной жизни, отмечает искусствовед Джон Ричардсон.
Подобные работы привлекали внимание критиков и коллекционеров. К 1901 году, в возрасте 20 лет, Пикассо провел свою первую парижскую выставку. Он выставлялся в галерее Амбруаза Воллара, влиятельного дилера, который представлял успешных постимпрессионистов и новых художников. По словам Ричардсона, критик по имени Фелисьен Фагюс назвал Пикассо «блестящим новичком».
10. 1901 Автопортрет
Общественное достояние , Пабло Пикассо1901 | Масло на холсте | Национальный музей Пикассо (Париж)
Далее: эпоха нежелательных. Между 1901 и 1904 годами Пикассо рисовал нищих жителей Парижа и Барселоны. Бродяги, немощные, проститутки и прочие несчастные населяют его картины тех лет.
Позже, как объяснил Ричардсон, искусствоведы и критики назвали его «голубым периодом».
Это потому, что цвета, которые он выбрал для этих работ, были в основном синими и серыми. Для него эти цвета были символом меланхолии.
Сам Пикассо не был застрахован от печали и трагедии. Он потерял своего близкого друга из-за самоубийства и своего художественного вдохновения примерно в 1901 году. После этого он вступил в мрачный период, и именно так мы закончили с автопортретом выше. Он выглядит как мрачный, голодный художник, каким он был в то время. Он изо всех сил пытался свести концы с концами, что объясняет изможденное лицо.
Эль Греко, общественное достояние, через Wikimedia CommonsПикассо и Эль Греко
Люди в его искусстве этого периода, как правило, стройные. Маккалли указывает, что это связано с влиянием Эль Греко. Эль Греко был крупной фигурой испанского Возрождения, выставленной в музее Прадо.
Он рисовал странные продолговатые человеческие фигуры. Кроме того, его фоны часто были темно-синими и наполнены суматохой. Мне легко увидеть сходство между его искусством и искусством Пикассо, особенно в картинах Голубого периода, если вы знаете, что ищете.
Еще не готовы забронировать тур? Узнайте, как посетить музей Прадо.
. 9. Старый гитарист.04 | Масло на холсте | Художественный институт Чикаго
Ученые Пикассо датируют его работы месяцами, что не всегда легко сделать в искусстве. Но Ричардсон отметил, что историки хотели проследить быстрое развитие его искусства в первые годы, поскольку его стиль менялся относительно быстро. Изменения отражали его неудовлетворенность и многое другое впереди.
На этой картине Голубого периода художник изобразил еще одного социального изгоя. Пожилой мужчина из Барселоны сидит на земле в дверном проеме. Возможно, он играет для людей, проходящих по улице. Мы не видим ни шляпы, ни банки для монет, но можем представить, что он предлагает свои песни за небольшое пожертвование.
Обратите внимание, каким странно плоским кажется фон и как части тела старика выглядят как вырезки. Вы можете подумать, что они не имеют значения, но в целом эти детали важны. Также художник использует в основном синий и другие приглушенные цвета.
Мы читаем эти цвета как мрачные, что точно описывает эту картину. Картины Голубого периода были самыми эмоционально выразительными в его карьере.
8. Семья Saltimbankes
Общественное достояние, Пабло Пикассо , и любезно предоставлено Национальной художественной галереей DC1906 | Масло на холсте | Национальная художественная галерея (Вашингтон, округ Колумбия)
Как будто тучи рассеялись и светит солнце! Такое ощущение возникает, когда смотришь на одну из картин Пикассо Розового периода. Почему? Потому что цвета имеют символическое значение и психологическое воздействие на нас. Розовый и другие теплые цвета рассказывают совершенно разные истории, не так ли?
Розовая эпоха Пикассо, которая также получила это название впоследствии, началась в 1904 году. У него было достаточно денег, чтобы позволить себе художественную студию, которую он назвал Бато-Лавуар. Это было на холме Монмартра. Там он создал некоторые из своих самых известных ранних картин.
Люди на его картинах Розового периода по-прежнему остаются маргинальными социальными фигурами. Тем не менее, они не в минусе. Это клоуны, актеры и акробаты. Эта группа странствующих артистов цирка или saltimbanques стоит в пустынном ландшафте, которому они приносят хорошее настроение.
Пикассо отождествлял себя с такими творческими типами. Обратите внимание, что их тела, как и у фигурок Голубого периода, все еще странно вытянуты и искажены. Помните, что это выбор художника для достижения желаемого эффекта.
7. Портрет Гертруды Стайн
1905-6 | Масло на холсте | Метрополитен-музей (Нью-Йорк )
Мечтой всех голодающих художников было найти богатого благотворителя, и именно это и произошло с Пикассо. Гертруда Стайн — американская писательница, жившая в Париже. Она и ее брат Лео также были влиятельными коллекционерами произведений искусства. Еженедельные салоны — культурные собрания — у нее дома были возможностью увидеть и быть увиденной.
Стейн подружилась и поддерживала Пикассо, и он закончил ее портрет в 1906.
Этот портрет — одно из самых известных его произведений Розового периода. Почему? Ну, во-первых, это важный переход от отчаяния, отраженного в картинах Голубого периода. Во-вторых, исследователь Пикассо Роланд Пенроуз говорит нам, что это доказательство того, что Пикассо начал разрабатывать идеи кубизма.
Какие черты кубизма присущи этой картине? Во-первых, хотя Штейн и не обладала стройной фигурой, она была отнюдь не такой громоздкой, как ее здесь изображают. Итак, на данном этапе стилистической эволюции Пикассо удлиненные люди ушли в прошлое.
Во-вторых, их заменили такие фигуры, которые, кажется, состоят из простых геометрических фигур: цилиндры, треугольники, овалы и так далее. Художник их, конечно, сгладил, но видно, что предметы и фигуры этого периода выглядят как вылепленные из глины.
Не готовы забронировать тур? Узнайте, стоит ли тур по Метрополитену.
6. Les Demoiselles d’Avignon
Общественное достояние , Пабло Пикассо , и предоставлено Музеем современного искусства Нью-Йорка1907 | Масло на холсте | Музей современного искусства (Нью-Йорк )
Эта полускандальная картина произвела фурор, когда увидела свет.
Он большой: 8 футов на 7,6 фута. И это действительно напоминает предыдущие картины Розового периода только по цвету. Здесь прочные геометрические формы Гертруды Стайн теперь представляют собой зазубренные куски или осколки разбитой керамики, сросшиеся вместе. Эти обнаженные женщины в натуральную величину, и они смотрят на вас так, как будто вы грубо смотрите.
Кто эти так называемые «Авиньонские девицы»? Что ж, слово «девицы», которое обычно означает «барышни», используется в уничижительном смысле по отношению к проституткам. Это проститутки из квартала красных фонарей Барселоны, достаточно сказать, что Пикассо знал довольно хорошо. Эпатажные лица этих непривлекательных женщин созданы на основе африканских масок и древних иберийских (испанских) скульптур. Почему? Это был способ художника отождествить сексуальность с первобытным состоянием.
Надо ли говорить, что публика и критики, не являющиеся поклонниками современного искусства, совершенно не поняли эту картину. Однако сейчас искусствоведы считают его важным поворотным моментом в развитии кубизма и современного искусства в целом.
И вы увидите еще одно серьезное изменение, которое вы можете сравнить ниже.
5. Девушка с мандолиной (Фанни Телье)
Общественное достояние , Пабло Пикассо , и предоставлено Музеем современного искусства Нью-Йорка1910 | Масло на холсте | Музей современного искусства (Нью-Йорк)
Вы, наверное, этого не ожидали! Разница между этим и предыдущим изображением обнаженных женщин разительна, что соответствует стилю Пикассо. Ученый Уильям Рубин описывает быстрые изменения кубизма, которые произошли здесь.
Он объясняет, что Жорж Брак, еще один молодой художник, работающий в Париже, посетил Пикассо в его мастерской в 1907 году, чтобы поговорить об искусстве. Брак рисовал, как их герой Сезанна. То есть он делил свои картины на секции, напоминающие маленькие кубики, как это делал Сезанн.
Брак и Пикассо стали динамичным дуэтом, создавшим одни из самых известных произведений искусства в стиле кубизма. Первая фаза кубизма позже была названа «аналитическим кубизмом», потому что вам нужно было как бы анализировать то, что вы видите.
Художники смотрели на людей и предметы, которые хотели нарисовать, разрезали их на части, переворачивали и собирали обратно — как ни странно.
Почему странно? Они хотели создать ощущение, что такой объект, как девушка или мандолина на этой картине, отображается сразу с нескольких сторон. Обратите внимание, что неровные фрагменты Les Demoiselles выше менее резкие. Также обратите внимание на цвета: коричневый и серый. Они действительно не передают особых чувств, не так ли? Еще одна интересная вещь заключается в том, что эти кубы, кажется, лежат в очень мелком пространстве, а это означает, что глубина не так глубока, как вы могли бы ожидать.
Причина этого в том, что художники хотели бросить вызов идее о том, что искусство должно заставлять зрителя чувствовать, что он смотрит в окно на что-то реальное. Пикассо и Брак считали, что искусство должно делать другие вещи, новые вещи, и это было определенно ново.
4. Натюрморт с плетеным стулом
Общественное достояние , Пабло Пикассо1912 | Масло и клеенка на холсте, каркас из веревки | Musée National Picasso (Paris )
Итак, спросите вы, что может заинтересовать художника в старом стуле? Ну, ученый Пенроуз говорит нам, что к лету 1912 Брак и Пикассо закрепили свой новый стиль и были готовы снова экспериментировать.
Именно тогда Браку пришла в голову идея использовать в своих работах нетрадиционные материалы, то есть вещи, которые обычно не подходят.
Имейте в виду, что, хотя их кубистические картины, рисунки и скульптуры были радикальными, они все же были сделаны из традиционных материалов. Ведь что может быть более традиционным, чем холст, масло?
Итак, они начали добавлять новые элементы, которые были определенно нетрадиционными. Веревка работает как рамка, которая должна быть забавной. Клеенка заменяет холст.
Пикассо искусно смоделировал текстуру плетеного стула. В результате кажется, что в этом произведении вещи происходят на разных уровнях. Некоторые элементы картины приближены к жизни или даже реальны. Напротив, некоторые из них просто иллюзии. Показательный пример: вы смотрите на столик в кафе с разбросанными предметами, а не на тростниковый стул!
Два художника назвали эту фазу кубизма «синтетической», поскольку, по их словам, они синтезировали или объединяли различные предметы и материалы.
Эта картина также затрагивает темы, которые были общими для кубизма, такие как музыка и еда, особенно задержка в кафе и чтение газеты или прослушивание живой музыки. Просто обычные жизненные мелочи.
Не готовы забронировать тур? Узнайте, стоят ли туры в Париж того.
3. Бутылка Anis del Mono
Общественное достояние , Пабло Пикассо и любезно предоставлено Детройтским институтом искусств1915 | Масло на холсте | Детройтский институт искусств (Мичиган, США)
Спустя несколько лет синтетический кубизм Пикассо стал красочным! Ушли коричневые и серые. Буйство красок возвращается! Хотя это еще один натюрморт с обычными предметами, расставленными на столике в кафе, за кулисами, так сказать, происходит гораздо больше.
Во-первых, обратите внимание на бутылку ликера Anis del Mono. Он напоминает арлекина (один из любимых сюжетов художника), которого он часто рисовал в эпоху роз. Здесь бутылка оформлена как клетчатый костюм арлекина.
Во-вторых, помните, что я говорил выше о разных уровнях представительства? Что ж, в этом случае бутылка-арлекин, вероятно, является автопортретом художника, по данным Художественного института Детройта.
Какие еще предметы вы можете найти на этой загадочной картинке? Стакан или два? Игральная карта? Может гитара или мандолина? Обратите внимание, как Пикассо создал объекты, используя сплошные цветные поля с вкраплениями ярких точек. Также обратите внимание, что все выглядит довольно плоско, хотя у вас все еще есть несколько точек зрения кубистского произведения искусства.
2. Портрет Доры Маар
Добросовестное использование WikiArt, Пикассо1937 | Масло на холсте | Musée National Picasso (Париж)
Я уверен, что любовнице Пикассо понравилось, когда его нарисовали с двойным лицом… или ей? Ее и Пикассо познакомил их общий друг Поль Элюар в 1936 году, хотя, по словам искусствоведа Мишеля Рутена, они встречались ранее на съемочной площадке. Оба были художниками и оба вращались в гламурном кругу художников, писателей и других деятелей культуры той эпохи.
Пикассо и Маар были вместе девять бурных лет. Честно говоря, все его интимные отношения были заведомо бурными. Он создал этот странный, красочный ее портрет всего через год после их знакомства.
Стиль — сюрреализм, в котором, как известно, представлены сверхъестественные комбинации предметов и тем, отсюда и странное двуличие Доры. С одной стороны, кажется, что она смотрит прямо на художника. Опять же, может быть, она отводит взгляд. Что это может сказать об их бурных отношениях?
Писатель Андре Мальро приводит красноречивую цитату Пикассо о женщинах: «Женщины — это страдающие машины. Когда я рисую женщину в кресле, кресло — это старость и смерть, верно? Слишком плохо для нее. Или чтобы защитить ее…» Цитата совсем не лестная в адрес артистки. На самом деле, он был известен своей крайней жестокостью по отношению к своим партнершам, если не сказать больше.
1. Герника
Добросовестное использование WikiArt, Пикассо1937 | Масло на холсте | Музей королевы Софии (Мадрид)
Познакомьтесь с «Герникой», которую критики и ученые считают одним из величайших антивоенных произведений искусства всех времен.
Это конечно субъективное мнение, но судите сами. По крайней мере, это вызывает ошеломляющий эмоциональный отклик у зрителя, особенно при личном общении.
Эта огромная черно-белая (и немного серая) картина имеет размеры 25,6 футов в ширину и более 11 футов в высоту. « Герника », также выполненная в сюрреалистическом стиле Пикассо, считается многими авторитетами в области современного искусства шедевром Пикассо.
Но что это вообще такое? Ну, Герника была городом в баскском регионе Испании. В разгар гражданской войны в Испании легион боевых самолетов «Кондор» нацистской Германии бомбил Гернику. Этот безжалостный поступок испанского антиреспубликанского генерала Франсиско Франко и его нацистских пособников возмутил международное сообщество.
Так как Испания находилась в состоянии войны, многие мужчины Герники были в отъезде сражаться. Таким образом, основными жертвами бомбардировок стали женщины и дети, что вызвало бурю негодования по поводу актов ненужного насилия.
Пикассо, коренной испанец, нарисовал Гернику наполненную символикой. Сцена представляет собой комнату, пылающую от бомбежки. Мать кричит, держа тело своего мертвого ребенка. Солдат лежит побежденный со сломанным мечом. Пламя поднимается отовсюду.
Историк искусства Патрисия Фейлинг отмечает, что бык и лошадь являются важными символами испанского искусства. Изображения в черно-бело-серых тонах вызывают в памяти газетные статьи, повествующие об ужасе разрушения Герники. Когда вы посетите эту выставку в Королеве Софии, почувствуйте эмоции, которые Пикассо точно изобразил здесь.
Пять известных произведений Пабло Пикассо, которые вы должны знать
Главная » Художники » Пять известных произведений Пабло Пикассо, которые вы должны знать
Художник Пабло Руис Пикассо родился в Испании, но большую часть взрослой жизни провел во Франции. Испанец начал рисовать в возрасте семи лет и продолжал рисовать и творить, пока не умер в возрасте 91 года.
Пикассо также был невероятно плодовит при жизни. Он создал около 50 000 произведений искусства. Среди них более 1 800 картин, более 4 000 скульптур и керамики, около 12 000 рисунков и тысячи гравюр. Кроме того, Пикассо создавал гобелены и ковры.
Уникальный художественный стиль Пабло Пикассо продолжал меняться на протяжении всей его карьеры. В разные периоды своей жизни испанец продолжал раздвигать творческие границы, создавая уникальные произведения искусства. Сегодня Пикассо признан одним из самых влиятельных и значимых художников 20 века.
Ниже приведен список из пяти известных работ Пикассо, которые показывают, как он расширял творческие границы и творил, как никто другой!
1. Трагедия (1903)
Картина Пабло Пикассо Трагедия во время его Голубого Периода. В этот период на большинстве картин Пикассо изображены мрачные сцены страданий и отчаяния. Он также рисовал преимущественно в оттенках синего.
Пикассо Голубой период – Трагедия Во время Голубого периода сам Пикассо переживал тяжелые эмоциональные времена.
Он направил свои личные страдания в революционную форму художественного выражения. Трагедия — прекрасный тому пример.
Трагедия изображает три фигуры, сбившиеся в кучу на пляже. Нет никакого намека на саму трагедию, а скорее чувство печали, которое испытывают эти фигуры. В этой картине Пикассо мастерски представил человеческий опыт трагедии и страдания. Эмоция, изображенная на этом полотне, универсальна и находит отклик у каждого, кто его просматривает.
Вы можете посмотреть эту картину в Национальной художественной галерее в Вашингтоне.
2. Les Demoiselles d’Avignon (1907) – Авиньонские барышни
Пикассо закончил рисовать Авиньонских девиц в 1907 году. Первоначальным намерением испанца было изобразить типичную сцену публичного дома с проститутками и их клиентами-мужчинами. Однако с течением времени (а на самом деле Пикассо потребовалось два года, чтобы закончить эту картину) Пикассо отошел от своей первоначальной идеи.
Конечным результатом стала новаторская картина пяти женщин в кубистическом, абстрактном и почти коллажном стиле.
Эта картина фактически считается отправной точкой революционного художественного движения кубизма.
Когда Пикассо выставил эту картину, сюжет и уникальный стиль вызвали огромное количество споров и споров. Мир искусства и его друзья ненавидели эту картину.
Les Demoiselles d’AvignonЖорж Брак, сам художник и близкий друг Пикассо, утверждал, что Пикассо, должно быть, пил бензин, чтобы плюнуть огнём на холст. Коллекционер современного искусства Сергей Иванович Щукин сказал: «Какая потеря для французского искусства!» когда он увидел эту картину!
Однако на протяжении всей истории искусства мы видим, что иногда миру искусства требуется время, чтобы оценить революционные произведения искусства. Это определенно имело место с Авиньонские девицы .
Сегодня картина « Авиньонские девицы » считается важной картиной в истории искусства. Он по-прежнему вызывает горячие споры, но также демонстрирует, как искусство развивается с течением времени, раздвигая границы того, что приемлемо в мире искусства.
Подобно импрессионистам до него, видение искусства Пикассо и использование им совершенно новых стилей и техник проложили путь для самовыражения других художников.
Ле-Демуазель д’Авиньон висит на стенах Музея современного искусства в Нью-Йорке.
3. Ma Jolie (1912)
Знаменитая картина Пикассо под названием Ma Jolie (по-английски: Моя красивая девушка) была вдохновлена припевом популярной песни, которую Пикассо любил слушать, живя в Париже. На картине также изображена красивая молодая любовница Пикассо Ева Гуэль, которую он называл маджоли.
Пикассо начал эту картину зимой 1911 года, но завершил ее в 1912 году. Он написал это произведение в стиле аналитического кубизма. Аналитический кубизм был первой фазой эволюции искусства кубизма. Этот стиль характеризуется сведением форм к основным геометрическим элементам и использованием монохромных цветов .
Ма Джоли (1812 г.) — одна из известных работ Пабло Пикассо Мир искусства считает эту картину революционной.
Пикассо объединил язык, используя черные буквы и символику через музыкальные элементы. Он также заложил основу для начала абстрактной формы.
Эта картина совсем не похожа на традиционный портрет. Пикассо предпочитает использовать маленькие, скрытые и символические элементы для изображения своего предмета. Еще раз Пикассо раздвигает свои художественные границы до форм и стилей, еще не встречавшихся в мире искусства.
Картину Ма Джоли можно увидеть в Музее современного искусства в Нью-Йорке.
Как партнер Amazon я буду получать небольшую комиссию без каких-либо дополнительных затрат для вас, если вы совершите покупку по ссылкам ниже.
Герника (1937)
Герника — одна из САМЫХ известных картин Пикассо. Мир искусства считает его одним из самых трогательных и мощных антивоенных шедевров, когда-либо созданных.
Картина Пикассо Герника в ответ на нацистскую бомбардировку и разрушение баскского города Герника во время гражданской войны в Испании.
Когда Пикассо завершил эту картину, она отправилась в мировое турне. Картина имела мгновенный успех и, что более важно, помогла привлечь внимание всего мира к Гражданской войне в Испании.
Даже сегодня картина Пикассо Герника продолжает привлекать миллионы посетителей. К сожалению, темы человеческих страданий Пикассо в трагедиях войны вне времени. Эта картина продолжает сильно резонировать с этими темами для всех, кто ее просматривает.
Сегодня вы можете увидеть Гернику в музее королевы Софии в Мадриде. Для получения дополнительной информации об этой пронзительной и важной картине нажмите здесь.
Les Femmes d’Alger (1955 — версия O) —
Самая известная и дорогая картина Пикассо Между 1954 и 1963 годами Пикассо иногда рисовал собственные версии картин старых мастеров. Одной из картин, наполнявших его благоговением, была картина Эжена Делакруа под названием « Les Femmes d’Alger» («Женщины Алжира») 9.
0004 . На основе этой картины Делакруа Пикассо воссоздал пятнадцать картин маслом зимой 1954-55 годов (от A до O).
Увлечение Пикассо Делакруа началось еще в 1940 году и на протяжении всего этого десятилетия. Находясь в Париже, он регулярно посещал Лувр и всегда тяготел к картине Делакруа « Les Femmes d’Alger ».
Картина Эжена Делакруа под названием: «Женщины Алжира»Испанцы воссоздают картину Делакруа «Женщины Алжира» , были лишь частично основаны на оригинале. В характерном для Пикассо стиле он искажает женские тела, рисует более яркими красками и добавляет элементы кубизма и абстракционизма.
Искусствоведы особенно полюбили версию О, завершающую картину этой серии. Они сказали следующее:
Американский искусствовед Лео Стейнберг писал:
« Все объединяется в Canvas O… синтез на многих уровнях ».Джерри Зальц из журнала New York Magazine под названием Version O
« эпический мастер-класс по способам живописи, истории искусств, цвету, структуре и форме ».
