Пабло Пикассо. Гениальный художник и его знаменитые картины
Пабло Пикассо — известнейший, самый «дорогой» и на редкость гениальный художник, чья деятельность значительно повлияла на развитие искусства 20-го века. Благодаря смелым и инновационным художественным начинаниям, этот испанец достиг мировой известности в возрасте до 50 лет, став самым почитаемым художником в западном полушарии.
Уникальный стиль и божественная одаренность позволили Пикассо влиять на эволюцию современного искусства и на весь художественный мир.
Пабло Пикассо родился в 1881 году в испанском городе Малага. Он в раннем возрасте обнаружил свой талант и поступил в школу изящных искусств, когда ему было 15 лет.
Большую часть жизни художник провел в любимой Франции. В 1904 г. он переехал в Париж, а в 1947 г. переместился на солнечный юг страны.
Творчество Пикассо подразделяют на уникальные и интересные периоды.
Его ранний «голубой период» начался в 1901 году и продлился около трех лет. Большая часть художественных работ, созданных в это время, характеризуется человеческими страданиями, нищетой и оттенками голубого цвета.
«Розовый период» продлился примерно в течение года, начавшись в 1905 году. Для этой фазы характерна более легкая розово-золотистая и розово-серая палитра, а в качестве персонажей выступают в основном бродячие артисты.
Картина, которую Пикассо нарисовал в 1907 году, обозначила собой переход к новому стилю. Художник в одиночку изменил ход современного искусства. Это были «Авиньонские девицы», вызвавшие много потрясений в тогдашнем обществе. Изображение обнаженных проституток в стиле кубизма стало настоящим скандалом, но послужило основой для последующего концептуального и сюрреалистического искусства.
В преддверии Второй мировой войны, во время конфликта в Испании Пикассо создал еще одно блестящее произведение — картину «Герника». Непосредственным источником вдохновения послужила бомбардировка Герники, полотно олицетворяет протест художника, осуждавшего фашизм.
В своем творчестве Пикассо посвятил много времени исследованию комедии и фантазии. Он также реализовался как график, скульптур, декоратор и керамист. Мастер постоянно работал, создавая огромное количество иллюстраций, рисунков и конструкций причудливого содержания. На заключительном этапе своей карьеры он писал вариации знаменитых картин Веласкеса и Делакруа.
Пабло Пикассо умер в 1973 году во Франции в возрасте 91 года, успев создать 22 000 произведений искусства.
Картины Пабло Пикассо:
Мальчик с трубкой, 1905 год
Эта картина раннего Пикассо относится к «розовому периоду», он написал её вскоре после приезда в Париж. Здесь изображен мальчик с трубкой в руке и венком из цветов на голове.
Старый гитарист, 1903 год
Картина относится к «голубому периоду» творчества Пикассо. На ней изображен старый, слепой и нищий уличный музыкант с гитарой. Работа выполнена в голубых оттенках и опирается на экспрессионизм.
Авиньонские девицы, 1907 год
Пожалуй, самая революционная живопись в современном искусстве и первая картина в стиле кубизма.
Мастер игнорировал общепринятые эстетические правила, шокировал пуристов и единолично изменил ход искусства. Он своеобразно изобразил пять обнаженных проституток из борделя в Барселоне.
Бутылка рома, 1911 год
Пикассо закончил эту картину во французских Пиренеях, излюбленном месте музыкантов, поэтов и художников, кубисты облюбовали его до Первой мировой войны. Работа выполнена в сложном кубистском стиле.
Голова, 1913 год
Это знаменитое произведение стало одним из самых абстрактных кубистских коллажей. Профиль головы можно проследить в полукруге, очерченном древесным углем, но все элементы лица значительно сводятся к геометрическим фигурам.
Натюрморт с компотом и бокалом, 1914-15гг.
Формы чистого цвета и граненые объекты сопоставляются и накладываются друг на друга, создавая гармоничную композицию. Пикассо в этой картине демонстрирует практику коллажа, которую часто использует в своем творчестве.
Девушка перед зеркалом, 1932 год
Это портрет молодой любовницы Пикассо — Марии-Терезы Вальтер.
Натурщица и ее отражение символизируют переход от девушки к соблазнительной женщине.
Герника, 1937 год
Эта картина изображает трагическую природу войны и страдания невинных жертв. Работа монументальна по своим масштабам и значению, во всем мире ее воспринимают в качестве антивоенного символа и плаката за мир.
Плачущая женщина, 1937 год
Пикассо интересовала тема страданий. Эта детализированная картина с искаженным в гримасе, деформированным лицом считается продолжением «Герники».
Голая женщина на пляже и лопата, 1960 год
Сцена в значительной степени уменьшена за счет отказа от третьего измерения. Это стиль позднего кубизма с четкими веяниями сюрреализма в теме и манере написания.
Похищение сабинянок, 1962 год
Художник написал эту картину на пике Карибского кризиса, изобразив тень с угрозой войны между Востоком и Западом.
Телеграм
Пабло Пикассо.
Искусство, жизнь и мир модерна — Художники, фотографы и скульпторы со всего светаПабло Пикассо (1881-1973), испанский художник, который повсеместно признан самым востребованным художником 20-го века. Будучи долгожителем и очень плодовитым художником, он экспериментировал с широким спектром стилей и тем на протяжении всей своей карьеры. Среди многочисленных вкладов Пикассо в историю искусства наиболее важными являются его новаторство в современном художественном движении под названием кубизм, изобретение коллажа как художественной техники и разработка ассамбляжа (конструкций из различных материалов) в скульптуре.
Домик в саду (Дом и деревья) / House in a Garden (House and Trees). 1908г. Пабло Пикассо
Пикассо родился Пабло Руисом в Малаге, Испания. Позже он принял более известную девичью фамилию своей матери — Пикассо — как свою собственную. Хотя Пикассо был испанцем по происхождению, большую часть своей жизни он прожил во Франции.
Период формирования (1893-1900)
Отец Пикассо, который был учителем рисования, быстро понял, что его ребенок Пабло был вундеркиндом.
Пикассо изучал искусство сначала в частном порядке у своего отца, а затем в Академии изящных искусств в Ла-Корунье, Испания, где преподавал его отец. Ранние рисунки Пикассо, такие как Исследование туловища после гипсового слепка (1894-1895), демонстрируют высокий уровень технического мастерства, которого он достиг к 14 годам. В 1895 году его семья переехала в Барселону, Испания, после того, как его отец получил преподавательскую должность в Академии изящных искусств этого города. Пикассо был принят в продвинутые классы академии после того, как он за один день сдал вступительные экзамены, на которые абитуриентам традиционно давался месяц. В 1897 году Пикассо покинул Барселону, чтобы учиться в Мадридской академии в испанской столице. Недовольный учёбой, он бросил академию и вернулся в Барселону.
После того как Пикассо посетил Париж в октябре 1900 года, он переезжал из Франции в Испанию и обратно до 1904 года, когда поселился во французской столице. В Париже он столкнулся и экспериментировал с рядом современных художественных стилей.
Картина Пикассо «Мулен де ла Галет» (1900) выявила его интерес к предмету парижской ночной жизни и стилю французского художника Анри де Тулуз-Лотрека, стилю, граничащему с карикатурой. Помимо сцен в кафе, Пикассо писал пейзажи, натюрморты и портреты друзей и исполнителей.
Голубой период (1901-1903)
Голова мертвой женщины / Head of a Dead Woman. 1903г. Пабло Пикассо
С 1901 по 1903 год Пикассо разработал свой первый по-настоящему оригинальный стиль, который известен как синий период. Ограничив свою цветовую гамму синим цветом, Пикассо изображал изможденные и несчастные фигуры, язык тела и одежда которых свидетельствуют о низком социальном статусе. В «Старом гитаристе» (1903) Пикассо подчеркнул бедность гитариста и его положение социального изгоя, которое он усилил, окружив фигуру черным контуром, как бы отрезав его от окружения.
Гитарист сжат внутри холста (на картине не остается места для гитариста, чтобы поднять опущенную голову), что говорит о его беспомощности: гитарист пойман в ловушку внутри рамы точно так же, как он пойман в ловушку своей бедностью.
Хотя Пикассо подчеркивал убожество своих фигур в этот период, ни их одежда, ни окружение не передают конкретного времени или места. Это отсутствие конкретики наводит на мысль, что Пикассо намеревался сделать общее заявление об отчуждении человека, а не конкретное заявление о низшем классе в Париже.
Почему синий цвет доминировал в картинах Пикассо в этот период, остается необъяснимым. Возможные влияния включают фотографии с голубоватым оттенком, популярные в то время, поэзию, которая подчеркивала синий цвет в своих образах, или картины французских художников, таких как Эжен Карьер или Моне, которые основывали многие свои работы примерно в это время на вариациях одного цвета. Другое объяснение заключается в том, что Пикассо нашел синий цвет особенно подходящим для своего предмета, потому что это цвет, ассоциирующийся с меланхолией.
Период розы (1904-1905)
Трапеза слепого / The Blind Man’s Meal. 1903г. Пабло Пикассо
С 1904 Стиль Пикассо изменился, открыв период розы, иногда называемый периодом цирка.
Хотя Пикассо по-прежнему уделял особое внимание социальным изгоям — особенно цирковым артистам, — его цветовая гамма стала светлее, с более теплыми красноватыми оттенками, а плотные очертания синего периода исчезли. Однако Пикассо сохранил интерес к теме отчуждения. В «Двух акробатах и собаке» (1905) он изобразил двух молодых акробатов перед неопределенным, бесплодным пейзажем. Хотя акробаты физически близки, они смотрят в разные стороны и не взаимодействуют, и причина их присутствия не ясна. Различия в росте акробатов также преувеличивают их оторванность друг от друга и от пустого пейзажа. Собака часто присутствовала в работах Пикассо и, возможно, была отсылкой к смерти, поскольку собаки появляются у ног фигур во многих испанских погребальных памятниках.
Пикассо, возможно, испытывал особенно глубокую симпатию к цирковым артистам. Как и художникам, им платили за то, чтобы они развлекали общество, но их странствующий образ жизни и статус аутсайдеров не позволяли им стать неотъемлемой частью социальной структуры.
Именно эта ситуация сделала печального клоуна важной фигурой в народном воображении: платя за то, чтобы заставить людей смеяться, он должен скрывать свое реальное существование и истинные чувства. Сам живя в условиях финансовой нестабильности, Пикассо, без сомнения, сочувствовал этим исполнителям. В этот период Пикассо познакомился с Фернандой Оливье, первой из нескольких женщин, которые разделили его жизнь и вдохновили его на творчество. Черты Оливье появляются во многих женских фигурах на его картинах в течение следующих нескольких лет.
Классический период (1905) и Иберийский период (1906)
Сам / Self. 1906г. Пабло Пикассо
Эксперименты и быстрые изменения стиля отмечают годы, начиная с конца 1905 года. Картины Пикассо конца 1905 года более эмоционально отстранены, чем картины голубого или розового периодов. Цветовая гамма становится светлее — преобладают бежевые и светло-коричневые тона, — а меланхолия и отчуждение уступают место более разумному подходу. Растущий интерес Пикассо к форме проявляется в его ссылках на классическую скульптуру.
Например, фигура сидящего мальчика в двух юношах (1905, Национальная галерея, Вашингтон, округ Колумбия) напоминает древнегреческую скульптуру мальчика, вынимающего шип из ноги.
К 1906 году Пикассо заинтересовался скульптурами с Пиренейского полуострова, датируемыми примерно с 6-го по 3-й век до нашей эры. Пикассо, должно быть, нашел их особенно интересными как потому, что они родом из Испании, так и потому, что они демонстрируют замечательное упрощение формы. Иберийское влияние сразу видно в Автопортрете (1906), в котором Пикассо уменьшил изображение своей головы до овала, а глаза до миндалевидных форм, тем самым обнаружив свое растущее увлечение геометрическим упрощением формы.
Африканский период (1907)
Пристрастие Пабло Пикассо к экспериментам и черпанию вдохновения вне общепринятых художественных источников привело к его самой радикальной и революционной картине 1907 года: «Авиньонские девицы» (1907). Тема картины — женская обнаженная натура — не может быть более традиционной, но трактовка Пикассо ее революционна.
Пикассо позволил себе здесь еще большую вольность с анатомией человека, чем в своем Автопортрете 1906 года . Фигуры слева на картине выглядят плоскими, как будто у них нет скелетной или мышечной структуры. Лица, видимые спереди, имеют носы в профиль. Глаза асимметричны и радикально упрощены. Контурные линии являются неполными. Цветовые сопоставления-например, между синим и оранжевым — намеренно резкие и негармоничные. Представление пространства фрагментировано и прерывисто.
Авиньонские девицы / Les Demoiselles d’Avignon .1907г. Пабло Пикассо
В то время как левая сторона холста в значительной степени подвержена иберийскому влиянию, правая сторона вдохновлена африканскими масками, особенно в ее полосатых узорах и овальных формах. Такие заимствования, которые привели к большому упрощению, искажению и визуальным несоответствиям, считались чрезвычайно смелыми в 1907 году. Например, голова фигуры в правом нижнем углу поворачивается анатомически невозможным образом. Эти расхождения оказались настолько шокирующими, что даже коллеги Пикассо негативно отреагировали на «авиньонских девиц».
Французский художник Матисс якобы сказал Пикассо, что он пытается высмеять современное движение.
Кубизм (1908-1917)
Королева Изабо / Queen Isabeau. 1909г. Пабло Пикассо
Для многих ученых, «Les Demoiselles d’Avignon» — с её фрагментированными плоскостями, сплющенными фигурами и заимствованиями из африканских масок — знаменует начало нового визуального языка, известного как кубизм. Другие ученые считают, что французский художник Сезанн стал основным катализатором этого изменения стиля. Работы Сезанна 1890-х и начала 1900-х годов были отмечены как упрощением и уплощением формы, так и введением того, что историки искусства называют прохождением, взаимопроникновением одного физического объекта другим.
Например, в «Мон-Сент-Виктуар» (1902-1906) Сезанн оставил внешний край горы открытым, позволив голубой области неба и серой области горы слиться воедино. Это новшество — взаимопроникновение воздуха и камня — стало решающим прецедентом для изобретения Пикассо кубизма.
Во-первых, это бросало вызов законам нашего физического опыта, а во-вторых, указывало на то, что художники рассматривали картины как имеющие собственную логику, которая функционировала независимо или даже вопреки логике повседневного опыта.
Ученые обычно делят кубистические инновации Пикассо и французского художника Жоржа Брака на два этапа. На первом этапе, в аналитическом кубизме, художники фрагментировали трехмерные формы на множество геометрических плоскостей. На втором этапе, синтетическом кубизме, они обратили процесс вспять, собрав абстрактные плоскости вместе, чтобы представить человеческие фигуры, натюрморты и другие узнаваемые формы.
Аналитический кубизм (1908-1912)
Под сильным влиянием поздних работ Сезанна Пикассо и Брак в 1908 году начали серию пейзажных картин. Эти картины приближались к картинам Сезанна как по цветовой гамме (темно-зеленые и светло-коричневые цвета), так и по радикальному упрощению природы до геометрических форм. Увидев эти картины, французский критик Луи Воксель ввел термин «кубизм».
В «Домах на холме» Пикассо, Орта де Эбро (1909), он придал архитектурным сооружениям трехмерное, кубическое качество, но отказался от традиционной трехмерной перспективы: вместо того, чтобы изображаться одно за другим, здания появляются одно над другим.
Более того, он упростил каждый аспект картины в соответствии со словарем кубических форм — не только домов, но и неба. Нейтрализуя различия между землей и небом, Пикассо сделал холст более единым, но он также внес двусмысленность, не отличая твердое тело от пустоты. Кроме того, Пикассо часто использовал противоречивые источники света. В некоторых частях картины свет, по-видимому, исходит слева; в других частях он исходит справа, сверху или даже снизу. Пространственные плоскости пересекаются таким образом, что зритель гадает, являются ли углы вогнутыми или выпуклыми. Умение сбивать с толку зрителя — обычная черта кубизма.
К 1910 году стало очевидно, что в кубизме больше не было кубов и что иллюзия трехмерного пространства, или объема, исчезла.
Пикассо, казалось, разрушил саму идею твердой формы, не только фрагментировав человеческую фигуру и другие формы, но и используя концепцию перехода Сезанна, чтобы объединить фигуру и окружающую среду, твердое и пустое, фон и передний план. Таким образом, он создал визуально последовательную картину, но эта последовательность не соответствует физической последовательности природного мира, как мы его воспринимаем. Решение Пикассо ограничить свою цветовую гамму темно-коричневыми и серыми цветами также говорит о том, что его картины инициировали радикальный отход от природы, а не пытались скопировать ее.
1912 год знаменует собой еще одно крупное событие в языке кубизма: изобретение коллажа. В Натюрморте с палкой для стула (1912) Пикассо прикрепил к своей работе кусок клеенки (на которой изображена плетеная палка). Этим действием Пикассо не только нарушил целостность среды — масляной живописи на холсте — но и включил материал, который ранее не имел никакой связи с высоким искусством. Пикассо, по-видимому, подразумевает, что теперь искусство можно создавать с помощью ножниц и клея, а также с помощью красок и холста.
Включив в свою работу кусочки ткани, газеты, обои, рекламу и другие материалы, Пикассо открыл дверь для любого предмета или материала, каким бы обычным он ни был, чтобы быть включенным в произведение искусства (или даже заменить его). Это нововведение имело важные последствия для позднего искусства 20-го века. Еще одним нововведением стало включение в картину букв JOU, возможно, отсылающих к началу слова journal (по-французски «газета») или к французскому слову jouer, означающему «играть», как Пикассо играет с формами. Эти комбинации показывают, что кубизм включает в себя как визуальные, так и вербальные ссылки и объединяет высокое искусство с популярной культурой.
Синтетический кубизм (1912-1917)
Изобретая коллаж и вводя в свои полотна элементы из реального мира, Пикассо избегал доводить кубизм до уровня полной абстракции и оставался в области материальных объектов. Коллаж также положил начало синтетической фазе кубизма. В то время как аналитический кубизм фрагментировал фигуры на геометрические плоскости, синтетический кубизм синтезировал (комбинировал) почти абстрактные формы для создания репрезентативных форм, таких как человеческая фигура или натюрморт.
Синтетический кубизм также тяготел к множественности. Например, в «Гитаре, нотах и бокале для вина» (1912) Пикассо объединил рисунок бокала, несколько цветных пятен, ноты, газету, рисунок обоев и ткань с рисунком из древесных зерен. Синтетический кубизм также может сочетать различные текстуры, такие как древесные зерна, песок и печатные материалы. Иногда Пикассо применял эти текстуры в качестве коллажа, наклеивая текстурированные бумаги на холст. В других случаях художник рисовал область, похожую на дерево или обои, обманывая зрителя с помощью визуальных каламбуров.
Строительство и после (1912-1920)
1912 Пикассо продемонстрировал еще одно важное новшество: строительство, или сборка, в скульптуре. До этого нововведения скульптура, по крайней мере на Западе, в основном создавалась одним из двух способов: вырезанием блока из камня или дерева или моделированием — приданием формы из глины и отливкой этой формы из более прочного материала, такого как бронза. В «Гитаре» (1912) Пикассо использовал новый аддитивный процесс.
Он вырезал различные формы из листового металла и проволоки, а затем собрал эти материалы в кубистическую конструкцию. В других конструкциях Пикассо использовал дерево, картон, веревки и другие предметы быта, не только изобретая новую технику скульптуры, но и расширяя определение искусства, стирая различие между художественными и нехудожественными материалами.
Гитара / Guitar. 1913г. Пабло Пикассо
Начиная с Первой мировой войны (1914-1918) Пикассо переходил от стиля к стилю. Например, в 1915 году Пикассо написал очень абстрактного «Арлекина» и нарисовал очень реалистичный портрет Амбруаза Воллара. Во время и после войны он также работал над сценографией и дизайном костюмов для «Русских балетов», современной русской балетной труппы, созданной импресарио Сергеем Дягилевым. Вдохновленный своим непосредственным опытом работы в театре, Пикассо также создал представления исполнителей, таких как французские клоуны по имени Пьеро и Арлекин, и сцены балерин.
Пикассо расстался с Оливье в 1912 году, после встречи с Евой Гуэль.
Гуэль умерла в 1915 году, а в 1918 году Пикассо женился на Ольге Хохловой, одной из танцовщиц труппы Дягилева. Пикассо создал несколько ее портретов, и их сын Пауло появляется в таких работах, как Пауло в роли Арлекина (1924).
Классический период (1920-1925)
После Первой мировой войны напряжение консерватизма распространилось на ряд видов искусства. Девизом, популярным среди традиционалистов, было «возвращение к порядку». Для Пикассо 1920-1925 годы были отмечены пристальным вниманием к трехмерной форме и классическим темам: купальщицы, кентавры (мифические существа-полулюди и полукони) и женщины в классических драпировках. Он изобразил многие из этих фигур массивными, плотными и весомыми, эффект усиливался сильными контрастами света и тьмы. Но даже двигаясь к большему реализму, Пикассо продолжал играть в игры со зрителем. В классическом и тщательно составленном «Трубах Пана» (1923), например, он нарисовал область архитектурного каркаса на переднем плане (которая должна быть сероватой) тем же цветом, что и море на заднем плане, снова демонстрируя свое удовольствие от двусмысленности.
Кубизм и сюрреализм (1925-1936)
С 1925 по 1936 год Пикассо снова работал в нескольких стилях. Он написал несколько картин с плотно структурированными геометрическими фигурами, ограничив свою цветовую гамму основными цветами (красный, синий, желтый), как в Студии (1928). На других картинах, таких как «Обнаженная в кресле» (1929), он изображал искаженные женские фигуры, чьи открытые рты и угрожающие зубы демонстрируют более эмоциональное, менее аргументированное отношение. В это время брак Пикассо распался, и некоторые из угрожающих женских фигур в его искусстве этого периода могут представлять Хохлову.
Женщина, сидящая в красном кресле / The Red Armchair. 1931г. Пабло Пикассо
Такое же разнообразие в этот период видно и в скульптуре Пикассо. «Купальщик» (Метаморфоза II) (1928) представляет человеческое тело в виде массивной сферической формы с выступающими конечностями, в то время как «Проволочная конструкция» (1928) изображает его как жесткую геометрическую конфигурацию тонких проводов.
Пикассо также экспериментировал со сваркой в скульптуре этого периода и исследовал различные темы, включая женскую голову, спящую женщину и Распятие. Образцом для многих его спящих женщин была Мария Тереза Уолтер, новая любовь, вошедшая в его жизнь. Их дочь Майя родилась в 1935 году.
В начале 1930-х годов Пикассо все чаще контактировал с членами сюрреалистического движения и увлекся классическим мифом о Минотавре. Это существо, имеющее голову человека и тело быка, появляется в исследовании Пикассо для обложки сюрреалистического журнала «Minotaure» (1933). Здесь Пикассо прикрепил классический рисунок Минотавра к коллажу абстрактных форм и обломков. Минотавр имеет множество воплощений в работах Пикассо, как агрессор и жертва, как жестокий и дружелюбный персонаж. Он может представлять самого художника и часто появляется в контексте боя быков, типично испанской сцены, близкой сердцу Пикассо.
Герника (1937)
В 1937 году испанское правительство поручило Пикассо создать фреску для павильона Испании на международной выставке в Париже.
Неуверенный в теме, Пикассо медлил. Но он приступил к работе почти сразу же после того, как услышал, что испанский город Герника был разбомблен нацистскими военными самолетами в поддержку заговора испанского генерала Франсиско Франко с целью свержения испанской республики. Герника (1937, Прадо, Мадрид) была реакцией Пикассо на это событие и осуждением его. Он выполнил картину в черно-белом цвете — в соответствии с серьезностью темы — и преобразил событие в соответствии с его увлечением темой корриды.
Герника / Guernica. 1937г. Пабло Пикассо
В крайнем левом углу изображен бык, который, по словам Пикассо, символизирует жестокость и тьму. В центре лошадь, раненная копьем, скорее всего, представляет испанский народ. В центре вверху взрывающаяся лампочка, возможно, относится к воздушной войне или к злу, исходящему сверху (и гасящему свет разума). Трупы и умирающие фигуры заполняют передний план: женщина с мертвым ребенком слева, мертвый воин со сломанным мечом (из которого прорастает цветок) в центре, плачущая женщина и фигура, падающая через горящее здание справа.
Искажение этих фигур выражает бесчеловечность события. Чтобы представить крики лошади и матери с мертвым ребенком, Пикассо превратил их языки в кинжалы. В верхнем центре измученная женская фигура держит масляную лампу, которая проливает свет на сцену, возможно, символизируя свет истины, раскрывающий жестокость события внешнему миру. В 1936 году Пикассо познакомился с Дорой Маар, художницей, которая сфотографировала Гернику, когда он ее рисовал. Вскоре она стала его спутницей и предметом его картин, хотя он продолжал общаться с Уолтер.
Вторая мировая война (1939-1945)
Пикассо, в отличие от многих художников, остался в Париже во время немецкой оккупации во время Второй мировой войны. Некоторые из его картин этого времени раскрывают тревогу военных лет, как и угрожающий Натюрморт с черепом Быка (1942, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Дюссельдорф, Германия). Другие работы, такие как его скульптурная голова Быка (1943), более игривы и причудливы. В этой скульптуре Пикассо объединил велосипедное сиденье и руль, чтобы изобразить голову быка.
Получив известие о нацистских лагерях смерти, Пикассо также написал, хотя и не закончил, дань памяти жертвам Холокоста (массового убийства европейских евреев во время войны). На этой картине, названной «Склепом» (1945), он ограничил цветовую гамму черно-белым (как в «Гернике») и изобразил скопление искаженных, искалеченных тел. Во время войны Пикассо вступил в Коммунистическую партию, а после войны участвовал в нескольких мирных конференциях.
Поздняя работа (1945-1973)
Фигура Рембрандта и Эрос / Rembrandtesque Figure and Cupid. 1969г. Пабло Пикассо
Пикассо оставался плодовитым художником до конца своей жизни, хотя этот более поздний период не получил всеобщего признания со стороны историков или критиков. Он делал вариации на мотивы, которые очаровывали его на протяжении всей его карьеры, такие как бой быков, художник и его модель, причем последняя тема прославляла творчество. И он продолжал писать портреты и пейзажи. Пикассо также экспериментировал с керамикой, создавая статуэтки, тарелки и кувшины, и тем самым стирал существующее различие между изобразительным искусством и ремеслом.
Эмоциональная жизнь Пикассо усложнилась после того, как он познакомился с французской художницей Франсуазой Жило в 1940-х годах, когда он все еще был связан с Мааро. У них с Жило был сын Клод и дочь Палома, и оба они фигурируют во многих его поздних работах. Пикассо и Жило расстались в 1953 году. Жаклин Рок, на которой Пикассо женился в 1961 году, стала его следующей спутницей. Большую часть времени они проводили на юге Франции.
Еще одним новым направлением в творчестве Пикассо стали вариации на известные работы старых художников, которые он переделал в своем собственном стиле. Среди этих работ — «Женщины на берегах Сены» после Курбе (1950) и «Le Dejeuner sur l’Herbe» после Мане (1960). Что делает эти работы особенно значимыми, так это то, что они противоречат основной предпосылке современного искусства, включая Пикассо, а именно: оригинальности. Хотя многие современные художники находились под влиянием более ранних художников, они редко делали такие прямые и очевидные ссылки на работы друг друга, потому что считали такие ссылки неоригинальными.
В период постмодерна, который начался в 1970-х годах, художники и критики начали сомневаться в том, что модернистская директива должна быть оригинальной. В актах преднамеренного неповиновения многие художники постмодерна присвоили (взяли для собственного использования) хорошо известные образы своих предшественников или современников. В этом контексте поздние вариации Пикассо на картинах более ранних мастеров вряд ли кажутся неуместными; напротив, они предвосхищают ключевой аспект искусства 1980-х годов.
Одна из поздних работ Пикассо, «Голова женщины» (1967), была подарена городу Чикаго. Эта скульптура из сварной стали высотой 15 м (50 футов) стоит перед Гражданским центром Чикаго. Хотя его полуабстратная форма поначалу вызывала споры, скульптура вскоре стала городской достопримечательностью.
Благодаря своим многочисленным инновациям Пикассо считается самым влиятельным художником 20-го века. Кубистическое движение, вдохновленное им и Браком, имело ряд последователей. Его инновации породили множество других художественных течений 20-го века, включая футуризм в Италии, супрематизм и конструктивизм в России, де Штиль в Нидерландах и вортицизм в Англии.
Кубизм также повлиял на немецкий экспрессионизм, дада и другие течения, а также на ранние работы сюрреалистов и абстрактных экспрессионистов. Кроме того, коллаж и конструирование стали ключевыми аспектами искусства 20-го века.
Похожие сообщения:
Обзор движения сюрреализма | TheArtStory
Краткий обзор сюрреализма
Сюрреалисты стремились направить бессознательное как средство раскрытия силы воображения. Презирая рационализм и литературный реализм и находясь под сильным влиянием психоанализа, сюрреалисты считали, что рациональный разум подавляет силу воображения, отягощая его табу. Под влиянием также Карла Маркса они надеялись, что психика способна выявить противоречия в повседневном мире и подстегнуть революцию. Акцент на силе личного воображения относит их к традициям романтизма, но, в отличие от своих предшественников, они верили, что откровения можно найти на улице и в повседневной жизни. Импульс сюрреалистов к бессознательному и их интерес к мифам и примитивизму сформировал многие более поздние движения, и этот стиль остается влиятельным и сегодня.
Удалить рекламу
Ключевые идеи и достижения
- Андре Бретон определял сюрреализм как «психический автоматизм в его чистом виде, с помощью которого предполагается выразить — словесно, с помощью письменного слова или любым другим способом — действительное функционирование мысли». Что предлагает Бретон, так это то, что художники обходят разум и рациональность, обращаясь к своему бессознательному. На практике эти методы стали известны как автоматизм или автоматическое письмо, что позволило художникам отказаться от сознательного мышления и использовать случайность при создании искусства.
- Работы Зигмунда Фрейда оказали глубокое влияние на сюрреалистов, особенно его книга «Толкование сновидений » (1899). Фрейд узаконил важность снов и бессознательного как достоверных проявлений человеческих эмоций и желаний; его разоблачение сложных и подавленных внутренних миров сексуальности, желания и насилия послужило теоретической основой для большей части сюрреализма.
- Сюрреалистические образы, вероятно, являются наиболее узнаваемым элементом движения, но их также трудно классифицировать и определить. Каждый художник полагался на свои повторяющиеся мотивы, возникающие в его снах и/или бессознательном. По своей сути образ диковинный, сбивающий с толку и даже сверхъестественный, поскольку он предназначен для того, чтобы выбить зрителя из его утешительных предположений. Природа, однако, является наиболее частым образным образом: Макс Эрнст был одержим птицами и имел птичье альтер-эго, работы Сальвадора Дали часто включают муравьев или яйца, а Жоан Миро сильно полагался на расплывчатые биоморфные образы.
Удалить рекламу
Обзор сюрреализма
Основываясь на антирационализме Дадаизма, сюрреалисты создали мощное искусство и предложили новое направление для исследования, как сказал Макс Эрнст: «Творчество — это чудесная способность схватывать взаиморазличные реальности. и вытянуть искру из их сопоставления».
Начало и развитие
Концепции, тенденции и смежные темы
Дальнейшее развитие и наследие
Произведения и художники сюрреализма
Карнавал Арлекина (1924-25)
Художник: Жоан Миро
Миро создал сложные фантастические пространства в своих картинах, которые являются прекрасным примером сюрреализма в их опоре на сказочные образы и использовании биоморфизма.
Биоморфные формы — это те, которые напоминают органические существа, но их трудно идентифицировать как какую-то конкретную вещь; формы, кажется, самогенерируются, трансформируются и танцуют на холсте. Хотя есть предположение о правдоподобном трехмерном пространстве в Carnaval d’Arlequin , игривые формы организованы со всем качеством, которое характерно для многих работ Миро в период его сюрреалистического периода, и что в конечном итоге привело его к дальнейшей абстракции. Миро был особенно известен тем, что использовал технику автоматического письма при создании своих работ, особенно рисование или автоматическое рисование, с чего он начинал многие свои полотна. Он наиболее известен своими работами, такими как эта, в которых изображены хаотичные, но беззаботные внутренние сцены, на которые его влияние оказал голландский 17 9.0041-й -интерьеры века.
Холст, масло. Художественная галерея Олбрайт-Нокс, Буффало, Нью-Йорк
Состояние человека (1933)
Художник: Рене Магритт отношение между изображением чего-либо и самой вещью.
В Человеческое состояние холст сидит на мольберте перед занавешенным окном и точно воспроизводит сцену за окном, которая была бы за холстом, таким образом, изображение на мольберте в некотором смысле становится сценой, а не просто репродукцией картины. пейзаж. По сути, между ними нет никакой разницы, поскольку оба являются выдумками художника. Гиперреалистический стиль живописи, часто используемый сюрреалистами, делает странную установку похожей на сон.
Холст, масло. Художественный музей округа Лос-Анджелес
Мама, папа ранен! (1927)
Художник: Ив Танги
Самым поворотным моментом для Танги в его решении стать художником было то, что он увидел холст Джорджио де Кирико в витрине магазина в 1923 году. В следующем году Танги, поэт Жак Превер, актер и сценарист Марсель Дюамель переехали в дом, который должен был стать местом сбора сюрреалистов, движением, которым он заинтересовался после прочтения журнала 9.0014 Сюрреалистическая революция . Андре Бретон приветствовал его в группе в 1925 году.
Танги был вдохновлен биоморфными формами Жана Арпа, Эрнста и Миро, быстро разработав свой собственный словарь амебоподобных форм, населяющих засушливые, таинственные места, несомненно, под влиянием его юношеских путешествий. в Аргентину, Бразилию и Тунис. Несмотря на отсутствие у него формального образования, к 1927 году сформировался зрелый стиль Танги, характеризующийся пустынными пейзажами, усеянными фантастическими скалоподобными объектами, нарисованными с точным иллюзионизмом. На работах обычно пасмурное небо с видом, который, кажется, простирается бесконечно.
Мама, папа ранен изображает наиболее распространенный предмет войны Танги. Работа написана в гиперреалистическом стиле с его характерной ограниченной цветовой палитрой, которые создают ощущение сказочной реальности. Танги часто находил названия работ, просматривая истории болезни психиатров в поисках убедительных утверждений пациентов. Учитывая это, трудно понять, имеет ли эта работа отношение к истории его собственной семьи, поскольку он утверждал, что представил себе картину целиком, прежде чем начал ее.
Его брат был убит во время Первой мировой войны, и безрадостность пейзажа может в целом относиться к потерям, понесенным на войне тысячами французских семей. Влияние де Кирико на творчество Танги здесь очевидно в его использовании падающих теней и классического торса в пейзаже.
Холст, масло. Музей современного искусства, Нью-Йорк
Artwork Images
Приспособления желания (1929)
Художник: Сальвадор Дали
Написано летом 1929 года сразу после того, как Дали впервые приехал в Париж Сюрреалистическая выставка, «Приспособления желания » — яркий пример способности Дали передавать свои яркие и причудливые сны с, казалось бы, журналистской точностью. Он разработал параноидально-критический метод, который включал в себя систематическое иррациональное мышление и вызываемую им самим паранойю как способ получить доступ к своему бессознательному. Он назвал получившиеся работы «нарисованными от руки фотографиями сновидений» из-за их реализма в сочетании с их жутковатым качеством сна.
Повествование этой работы проистекает из беспокойства Дали по поводу его романа с Галой Элюар, женой художника Поля Элюара. Неуклюжие белые «камешки» изображают его неуверенность в будущем с Галой, вращаясь вокруг понятий ужаса и разложения. Пока Приспособления желания — это разоблачение самых глубоких страхов Дали, сочетающее в себе его типичный гиперреалистичный стиль живописи с более экспериментальными техниками коллажа. Головы львов наклеены на холст и, как полагают, вырезаны из детской книги.
Бумага, напечатанная маслом и наклеенная на холсте. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.0004 Джакометти был одним из немногих сюрреалистов, сосредоточившихся на скульптуре. Дворец в 4 часа утра — изящная конструкция, вдохновленная его одержимостью любовницей по имени Дениз в прошлом году. Об этом романе он сказал: «Шесть месяцев прошли в присутствии женщины, которая, сосредоточив всю жизнь в себе, приводила каждое мое мгновение в состояние очарования. Ночью мы построили фантастический дворец — очень хрупкий дворец.
спичек. При малейшем ложном движении рушилась целая секция. Мы всегда начинали сначала». В 1933, он сказал Бретону, что не способен сделать ничего, что не имело бы к ней никакого отношения.
Работа включает изображения или символы его любовного интереса, а также, возможно, его матери. Другие образы, такие как птица, труднее интерпретировать. Таким образом, работа характеризуется причудливым сопоставлением объектов и названием, которое, казалось бы, не связано с построенной сценой, придавая произведению скрытый оттенок тайны и напряжения, как будто вот-вот произойдет что-то пугающее. Работа в своей детской простоте захватывает хрупкость памяти и желания. Послевоенный интерес Джакометти к экзистенциализму очевиден уже здесь, в том, как он изображает изоляцию различных фигур.
Дерево, стекло, проволока и веревка – Музей современного искусства, Нью-Йорк
Художественные изображения
Битва рыб (1926)
Художник: Андре Массон
Массон был одним из самых восторженных последователей автоматического Бретона писательство, начав собственные независимые эксперименты в начале 1920-х гг.
Он часто создавал искусство в строгих условиях, используя наркотики, обходясь без сна или средств к существованию, чтобы ослабить сознательный контроль над своим искусством, чтобы он мог получить доступ к своему бессознательному. Массон вместе со своими соседями Жоаном Миро, Антонином Артуадом и другими иногда экспериментировал вместе. Он наиболее известен тем, что использует песок. Стремясь привнести в свои работы случайность, он набрасывал на холст клей или левкас, а затем шлифовал. Его картины маслом были созданы на основе полученных форм.
Битва рыб , возможно, отсылает к его опыту в Первой мировой войне. Он подписался на бой и через три года был серьезно ранен, ему потребовались месяцы, чтобы выздороветь в армейском госпитале и провести время в психиатрической больнице. В течение многих лет он не мог говорить о вещах, свидетелем которых он был, будучи солдатом, но его искусство последовательно изображает массовые убийства, причудливые столкновения, изнасилования и расчленения.
Сам Массон заметил, что мужские фигуры в его искусстве редко остаются невредимыми. «Битва рыб» приглушила цвет, но рыбы, кажется, вовлечены в жестокую битву насмерть с их острыми, как бритва, зубами и пролитой кровью. Массон считал, что использование случайности в искусстве раскроет садизм всех существ — идея, которую он мог раскрыть только в своем искусстве.
Холст, масло. Музей современного искусства, Нью-Йорк
Объект (1936 г.)
Художник: Мерет Оппенгейм
Оппенгейм была одной из немногих женщин-сюрреалистов, чьи работы выставлялись вместе с группой. Как и Джакометти, она работала в основном с предметами. Эта работа, также известная под названием «Завтрак в мехах» , с ее тревожным сопоставлением домашнего объекта и животного мира, является типичным примером сюрреалистических идей. Художница делает странными чайную чашку, блюдце и ложку, купленные в обычном универмаге — знакомые предметы сделаны тревожно отталкивающими, поскольку зритель должен представить, как пьет чай из чашечки, обтянутой мехом.
Чашка, блюдце и ложка, покрытые мехом. Музей современного искусства, Нью-Йорк. , граттаж и коллаж. Здесь он использует граттаж, для чего нужно взять раскрашенный холст, поместить его на текстурированную поверхность и соскоблить краску. Этот метод привносит в работу элементы случайности и непредсказуемости, поскольку художник вынужден отказаться от некоторого контроля над творческим процессом. Затем Эрнст использовал натертый холст в качестве вдохновения для дальнейших образов. Варвары типично сюрреалистичны, поскольку полны причудливых сопоставлений, таинственных фигур и символов, вдохновленных сновидениями. Образы птиц являются одним из основных элементов творчества Эрнста: в детстве он пережил травму, связанную со смертью его домашней птицы, и во взрослом возрасте у него появилось альтер-эго птицы по имени Лоплоп.
Масло на дереве с расписными деревянными элементами — Музей современного искусства, Нью-Йорк
Artwork Images
Манекен (1938)
Художник: Man Ray
Манекен изображает манекен Андре Массона на Международной выставке сюрреализма в Галерее изящных искусств в Париже, 1938 год.
Жоан Миро, Сальвадор Дали, Морис Анри и другие также разработали эти странные манекены, чтобы заполнить комнату сверхъестественными женскими формами. это выглядело одновременно чудовищно и сексуально соблазнительно. Ман Рэй сфотографировал их всех как сдержанных персонажей, и это один из примеров. Он неоднократно фотографировал свою помощницу, художницу Ли Миллер, и многих других женщин, как живых, так и неживых. Как и Ганс Беллмер, художник, периферийно связанный с группой, Рэй был одержим женскими формами как идеальным воплощением мужского желания и стремился зафиксировать их формально фантастическими способами. Ман Рэй также был пионером многих фотографических техник, в том числе рентгенограммы , названные в его честь, которые включают в себя элементы случайности и на которых предметы кажутся светящимися серебряными аурами, похожими на сон.
Сборка из дерева, масла, металла, доски на доске, с рамой художника — Национальная галерея Австралии Таннинг нарисована в честь ее 30-летия.
При ближайшем рассмотрении можно заметить бесконечные комнаты, уходящие на задний план, символизирующие бессознательное Таннинга. Многие сюрреалисты считали, что архитектурные образы хорошо подходят для выражения представлений о лабиринте «я», которое со временем меняется и расширяется; 9День рождения 0014 — один из лучших примеров этого. Также примечательна горгулья у ног субъекта. Таннинг сказала, что это ее изображение лемура, которого связывают с духами смерти. Таннинг сопоставил естественные образы, такие как юбка из корней, с предметами, представляющими высокую культуру, такими как модная одежда и дизайн интерьера, чтобы отдать дань уважения культуре, а также выразить природу и дикую природу как женскую конструкцию.
Холст, масло — Художественный музей Филадельфии
Удалить рекламу
Начало сюрреализма
Сюрреализм вырос из движения Дада, которое также восстало против самодовольства среднего класса. Однако художественные влияния исходили из самых разных источников.
Непосредственное влияние на некоторых сюрреалистов оказал Джорджио де Кирико, их современник, который, как и они, использовал причудливые образы с тревожными сопоставлениями (и его движение метафизической живописи). Их также привлекали художники недавнего прошлого, которые интересовались примитивизмом, наивными или фантастическими образами, такие как Гюстав Моро, Арнольд Беклин, Одилон Редон и Анри Руссо. Даже художники эпохи Возрождения, такие как Джузеппе Арчимбольдо и Иероним Босх, служили источником вдохновения, поскольку эти художники не слишком интересовались эстетическими проблемами, связанными с линией и цветом, а вместо этого чувствовали себя обязанными создавать то, что сюрреалисты считали «настоящий.»
Сюрреалистическое движение зародилось как литературная группа, тесно связанная с дадаизмом, возникшая после краха дадаизма в Париже, когда стремление Андре Бретона привнести цель в дадаизм столкнулось с антиавторитаризмом Тристана Цара. Бретон, которого иногда называют «папой» сюрреализма, официально основал движение в 1924 году, написав «Манифест сюрреализма».
Однако термин «сюрреализм» впервые был введен в употребление в 1917 году Гийомом Аполлинером, когда он использовал его в программных примечаниях к балету 9.0014 Parade , написанный Пабло Пикассо, Леонидом Мясином, Жаном Кокто и Эриком Сати.
Примерно в то же время, когда Бретон опубликовал свой инаугурационный манифест, группа начала издавать журнал La Révolution surréaliste , который в основном был посвящен писательству, но также включал репродукции картин таких художников, как де Кирико, Эрнст, Андре Массон и Ман Рэй. Публикация продолжалась до 1929 года.
Бюро сюрреалистических исследований или Centrale Surréaliste также было основано в Париже в 1919 году.24. Это была свободно связанная группа писателей и художников, которые встречались и брали интервью, чтобы «собрать всю возможную информацию, связанную с формами, которые могут выражать бессознательную деятельность разума». Бюро, возглавляемое Бретоном, создало двойной архив: в одном собраны образы сновидений, а в другом собраны материалы, связанные с общественной жизнью.
Ежедневно в офисе работало не менее двух человек: один для приветствия посетителей, а другой для записи наблюдений и комментариев посетителей, которые затем стали частью архива. В январе 1925 ноября Бюро официально опубликовало свое революционное намерение, которое подписали 27 человек, включая Бретона, Эрнста и Массона.
Сюрреализм: концепции, стили и тенденции
Сюрреализм во многом разделял антирационализм дадаизма, из которого он вырос. Первоначальные парижские сюрреалисты использовали искусство как передышку от насильственных политических ситуаций и для устранения беспокойства, которое они испытывали по поводу неопределенности мира. Используя фантазии и образы сновидений, художники создавали творческие работы в различных средствах массовой информации, которые эксцентричным, символическим образом раскрывали их внутренний мир, раскрывая тревоги и анализируя их аналитически с помощью визуальных средств.
Удалить рекламу
Сюрреалистические картины
Сюрреалистическую живопись отличали два стиля или метода.
Такие художники, как Сальвадор Дали, Ив Танги и Рене Магритт, рисовали в гиперреалистичном стиле, в котором объекты изображались с четкими деталями и с иллюзией трехмерности, подчеркивая их сказочность. Цвет в этих работах часто был либо насыщенным (Дали), либо монохромным (Танги), оба варианта передавали состояние сна.
Некоторые сюрреалисты также в значительной степени полагались на автоматизм или автоматическое письмо как на способ задействовать бессознательное. Такие художники, как Жоан Миро и Макс Эрнст, использовали различные техники для создания маловероятных и часто диковинных образов, включая коллаж, рисование, фроттаж, декалькоманию и граттаж. Такие художники, как Ханс Арп, также создавали коллажи как отдельные работы.
Гиперреализм и автоматизм не исключали друг друга. Миро, например, часто использовал оба метода в одном произведении. В любом случае, какой бы предмет ни был раскрыт или изображен, он всегда был причудливым — должен был беспокоить и сбивать с толку.
Сюрреалистические предметы и скульптуры
Бретон чувствовал, что объект находился в состоянии кризиса с начала 19-го -го -го века, и полагал, что этот тупик можно было бы преодолеть, если бы объект во всей его странности можно было увидеть как бы для первый раз. Стратегия заключалась не в том, чтобы создавать сюрреалистические объекты для того, чтобы шокировать средний класс а-ля Дада, а в том, чтобы делать объекты «сюрреалистичными» посредством того, что он называл dépayesment или отчуждением. Целью было смещение объекта, удаление его из ожидаемого контекста, «остранение» его. Как только объект был удален из своих обычных условий, его можно было увидеть без маски его культурного контекста. Считалось также, что эти нелепые комбинации объектов раскрывают полные сексуальности и психологические силы, скрытые под поверхностью реальности.
Ограниченное число сюрреалистов известны своими трехмерными работами. Арп, начавший как часть движения Дада, был известен своими биоморфными объектами.
Произведения Оппенгейма представляли собой причудливые комбинации, которые удаляли знакомые предметы из их повседневного контекста, в то время как произведения Джакометти представляли собой более традиционные скульптурные формы, многие из которых представляли собой гибридные фигуры человека и насекомого. Дали, менее известный своими 3D-работами, создал несколько интересных инсталляций, в частности, Rainy Taxi (1938), который представлял собой автомобиль с манекенами и рядом труб, которые создавали «дождь» в салоне автомобиля.
Сюрреалистическая скульптура — Движение Страница
Сюрреалистическая фотография
Фотография, из-за легкости, с которой она позволяла художникам создавать сверхъестественные образы, занимала центральную роль в сюрреализме. Такие художники, как Ман Рэй и Морис Табард, использовали эту среду для изучения автоматического письма, используя такие методы, как двойная экспозиция, комбинированная печать, монтаж и соляризация, последняя из которых полностью избегала камеры.
Другие фотографы использовали вращение или искажение для создания причудливых изображений.
Удалить рекламу
Сюрреалисты также оценили прозаическую фотографию, вырванную из обыденного контекста и увиденную через призму сюрреалистической чувствительности. Народные снимки, полицейские фотографии, кадры из кинофильмов и документальные фотографии публиковались в сюрреалистических журналах, таких как La Révolution surréaliste и Minotaure , совершенно не связанных с их первоначальными целями. Сюрреалисты, например, были в восторге от фотографий Парижа Эжена Атже. Опубликовано в 1926 в La Révolution surréaliste по наущению своего соседа Ман Рэя образы Атже быстро исчезающего Парижа были поняты как импульсивные видения. Фотографии пустых улиц и витрин Атже напоминали о собственном видении сюрреалистом Парижа как «столицы мечты».
Дадаизм и сюрреалистическая фотография — движение Стр.
Сюрреалистический фильм
Сюрреализм был первым художественным движением, которое экспериментировало с кино отчасти потому, что оно предлагало больше возможностей, чем театр, для создания причудливого или нереального.
Первый фильм, охарактеризованный как сюрреалистический, был снят в 1924 Entr’acte , 22-минутный немой фильм по сценарию Рене Клера и Фрэнсиса Пикабиа, режиссер Клер. Но самым известным режиссером-сюрреалистом был, конечно же, Луис Бунюэль. Работая с Дали, Бунюэль снял классические фильмы Un Chien Andalou (1929) и L’Age d’Or (1930), оба из которых характеризовались повествовательной разобщенностью и своеобразными, иногда тревожными образами. В 1930-х годах Джозеф Корнелл снимал в США сюрреалистические фильмы, такие как «9».0014 Роуз Хобарт (1936). Сальвадор Дали создал сцену сна для фильма Альфреда Хичкока « Зачарованные » (1945).
Сюрреалистический фильм — Движение Стр.
Взлет и закат сюрреализма
Хотя сюрреализм зародился во Франции, его разновидности можно обнаружить в искусстве по всему миру. В частности, в 1930-х и 1940-х годах многие художники были вовлечены в его орбиту, поскольку нарастающие политические потрясения и вторая глобальная война породили опасения, что человеческая цивилизация находится в состоянии кризиса и краха.
Эмиграция многих сюрреалистов в Америку во время Второй мировой войны еще больше распространила их идеи. Однако после войны идеям группы был брошен вызов из-за подъема экзистенциализма, который, хотя и прославлял индивидуализм, был более рационально обоснован, чем сюрреализм. В искусстве абстрактные экспрессионисты включили сюрреалистические идеи и узурпировали их господство, разработав новые методы представления бессознательного. Бретон все больше интересовался революционной политической активностью как основной целью движения. Результатом стало рассредоточение первоначального движения на более мелкие группы художников. Бретонцы, такие как Роберто Матта, считали, что искусство по своей сути политическое. Другие, такие как Ив Танги, Макс Эрнст и Доротея Таннинг, остались в Америке, чтобы отделиться от Бретона. Сальвадор Дали также уехал в Испанию, веря в центральное место личности в искусстве.
Удалить рекламу
Последующие разработки — после сюрреализма
Абстрактный экспрессионизм
В 1936 году в Музее современного искусства в Нью-Йорке прошла выставка под названием Фантастическое искусство, дадаизм, сюрреализм , и она произвела сильное впечатление на многих американских художников .
Некоторые, такие как Джексон Поллок, начали экспериментировать с автоматизмом и образами, которые, казалось, исходили из бессознательного — эксперименты, которые позже привели к его «капельным» картинам. Точно так же говорят, что Роберт Мазервелл «застрял между двумя мирами» абстракции и автоматизма.
Во многом из-за политических потрясений в Европе Нью-Йорк, а не Париж, стал зарождающимся центром нового авангарда, который предпочитал обращаться к бессознательному через абстракцию, а не к «нарисованным от руки мечтам» Сальвадора Дали. Выставка Пегги Гуггенхайм 1942 года художников, находившихся под влиянием сюрреалистов (Ротко, Готлиб, Мазервелл, Базиотес, Хоффман, Стилл и Поллок) вместе с европейскими художниками Миро, Клее и Массоном, подчеркивает скорость, с которой сюрреалистические концепции распространились в нью-йоркском художественном сообществе.
Движение абстрактного экспрессионизма Стр.
Феминизм и женщины-сюрреалисты
Сюрреалистов часто изображали как сплоченную группу мужчин, и их искусство часто представляло женщин как диких «других» в культурном, рациональном мире.
С тех пор работа искусствоведов-феминисток исправила это впечатление, не только выделив количество женщин-сюрреалистов, которые были активны в группе, особенно в 1930-х годах, но и проанализировав гендерные стереотипы, действующие во многих сюрреалистических искусствах. Искусствоведы-феминистки, такие как Дон Адес, Мэри Энн Коуз и Уитни Чедвик, посвятили этой теме несколько книг и выставок.
Удалить рекламу
В то время как большинство сюрреалистов-мужчин, особенно Ман Рэй, Магритт и Дали, постоянно сосредотачивались на женских формах и/или искажали их и изображали женщин как муз, во многом так, как на протяжении веков художники-мужчины изображали женщин. Сюрреалисты, такие как Клод Кахун, Ли Миллер, Леонора Кэррингтон и Доротея Таннинг, стремились решить проблему принятия фрейдистского психоанализа, который часто изображал женщин чудовищными и низшими. Так, многие женщины-сюрреалисты экспериментировали с переодеванием и изображали себя животными или мифическими существами.
Британский сюрреализм
Интересно, что многие известные женщины-сюрреалисты были британками. Примеры включают Эйлин Агар, Ителл Колкухун, Эдит Риммингтон и Эмми Бриджуотер. Особенностью британской интерпретации сюрреалистической идеологии было постоянное исследование человеческих отношений с окружающей их природной средой и, что наиболее заметно, с морем. Наряду с Агаром, Пол Нэш проявил интерес к предметам trouvé , обычно в виде предметов, собранных на пляже. Акцент на границе, где земля встречается с морем, и где скалы антропоморфно напоминают людей, натолкнулся на британскую идентичность и, в более общем плане, на сюрреалистические принципы примирения и объединения противоположностей.
Международная выставка сюрреалистов (1936) в Лондоне стала особым катализатором для многих британских художников. Движение, возглавляемое Роландом Пенроузом и Гербертом Ридом, процветало в Британии, создавая всемирно известных Леонору Кэррингтон и Ли Миллер, а также поощряя практику другого важного круга художников, окружавших Бена Николсона, Барбару Хепворт и Генри Мура.
В целом привилегия эксцентричного воображения и существенный отказ от стандартизированных и рациональных способов ведения дел с самого начала находили отклик. Этот золотой период для искусства в Великобритании в целом и, в частности, наследие британского сюрреализма продолжают влиять на художественную практику страны и сегодня.
Useful Resources on Surrealism
videos
Special Features
Books
articles
video clips
More
videos
-
329k views
Artist Specific Videos:
-
659k views
-
1,1 млн просмотров
-
57 тыс. просмотров
-
0 просмотров
-
51 тыс. просмотров
-
0 Просмотры
Лекции:
-
107K Просмотр
-
11K Просмотр
Популярная культура:
-
141K VIEW
Особые материалы
статьи
видеоклипы
Похожие произведения
Глаз как странный воздушный шар устремляется в бесконечность (1882)
Odilon Redon
Symbolism
Read more
Vision After the Sermon (1888)
Paul Gauguin
Post-Impressionism
Read more
Fountain (1917)
Marcel Duchamp
Dada
Read more
Bidibidobidiboo (1996)
Маурицио Каттелан
Подробнее
Результаты для картин «Стиль Пикассо»
ПОКУПКА;-адаптированная картина с оригинальной скульптуры;
Картины, 15,9 Ш x 19,9 В x 0,6 Г,
Масло в глубинах реки
Картины, 16 Ш x 20 В x 0,1 Г,
Женский портрет
Картины, 23,5 Ш x 21.
D в $ 1 410
Отпечатки от 95 долл. США
СДЕЛКА ЖЕНЩИНА В ОКОНАМИ ОБЛАСТИ. Картины, 51,2 Ш x 35,4 В x 0,8 Д в
Song of my Soul
Картины, 31,5 Ш x 27,6 В x 0,6 Г в
2220 долларов США
Репродукции от 40 долларов США
Пара #17
Картины, конструкция 16 Ш x 905-903 дюйма; Стиль Пикассо Модифицирован
картин, 11,8 Вт X 15,8 ч x 0,6 D в
Зеленый бирюзовый человек
картины, 11 Вт x 14 H x 0,1 D в
$ 290
Припечатки от 40
Subtle Distraction 9000
. 18 Ш x 24 В x 0,5 Г в
Мужчина и женщина на расстоянии
картин, 32 Вт x 40 H x 2 D в
$ 4 850
Красота внутри и выхода
, 39,4 Вт.
, Une Petal Et Un Poeme Картины, 24 Ш x 24 В x 1,5 Г в
Сны
Картины, 29,1 Ш x 33,1 В x 0,6 Г в
2470 долл. США
3Отпечатки от 4 долл. США Сад
Картины, 16,5 Ш x 23,2 В x 0,4 Г в
$ 540
Отпечатки от 40
долл. СШАДжина на вечеринке
, 48 Вт x 60 ч x 1,5 дня в
$ 7 200
под Stormy Skies
, 12 W x 160393 D —
555555555 года.Натюрморт с рисунком;- стиль Пикассо;-
Картины, 11,8 Ш x 8 В x 0,6 Г в
Оригинальная картина сомелье в стиле кубизма «Дегустация вина»
Картины, 16 Ш x 20 В x 0,7 Г в
‘ Генриетта в стиле Пабло Пикассо от Millrace Hecks / C.Mickle
картин, 19,7 Вт x 27,6 H x 0,8 D в
$ 6550
Отпечатки от 135
— Гитарист и его муза, часть 2
, 19,7 Вт.
X 23,6 ч. 0 D. Картины, 11,7 Ш x 8,1 В x 0 Г, Джосс Стоун
Картины, 8,5 Ш x 11 В x 0,1 Г,
471 $
Репродукции от 40 $
Кубистский портрет длинноволосой женщины 9,4 Ш x 13 В x 0 Г в
$ 190
Отпечатки от 40
за счет
картины, 8,5 Вт x 11 H x 0,1 D в
$ 980
Отпечатки от 40
Стиль пикассо. H x 0,7 D в
$ 980
Отпечатки от 40 долларов
Защита
картин, 15,7 Вт X 19,7 ч x 0,6 D в
$ 745
Припечатки $ 400005
Tiger Frame Clown 5
WIREST 400005
TIGER. В x 0,5 Д в
$ 445
Отпечатки от 40
$«Книга для ее»
картин, 62 W x 91 H x 0,2 D в
$ 8 810
PICSSISM.
, 60 W x 60 H x 60 D в $ 3550
Гитарист
картины, 23,6 Вт X 35,4 H x 0,8 D в
$ 4550
Гитарный игрок
, 23,6 W x 35,4 H. 8 D.
4 950 долл. США
Отпечатки от $ 40
Love Story
картин, 19,7 Вт x 27,6 H x 0,8 D в
$ 3 410
Труд и вуяйер
, 35,4 W x 47,2 H x 1,6 D.
, 35,4 W x 47,2 H x 1,6 D. В линии Gold
картин, 8,5 Вт x 11 H x 0,1 D в
$ 215
Отпечатки от 40
Tamara
Картин, 31,5 Вт x 47,2 H x 0,8 D в
долл. Переместить
картин, 12 Вт x 12 H x 0,5 D в
$ 395
Отпечатки от 85
Невиновность
, 23,6 Вт X 31,5 H x 0,8 D в
$ 4,300
Man
9$ 4,300
Man
9$ 4,300
Man 9 9000 9000
$ 4,300
.
20 H x 0,7 D в Picasso Horse
картин, 11,7 Вт x 15,6 H x 0,1 D в
Pending
, 11 Вт x 15 H x 0 D в
$ 340
PRINTS PRINTS $ 400009
$ 34055
PRINTS $ 400009
$ 34059
$ 40000
$ 34059
$ 40000
$ 3409 PERSONALITY #2
Картины, 31,1 Ш x 31,1 В x 0,6 Г в
2120 долларов США
Отпечатки от 40 долларов США
Blue Jedi Turn
Картины, 11 Ш x 8,5 В x 0,1 Г в
435 долларов США
Отпечатки от 40 долларов США
3
5 Кто смотрит насквозь?картин, 15,7 W x 19,9 H x 1,2 D в
$ 630
Отпечатки от 45 $
Помощь от Sarah
Картин, 8,5 Вт x 11 H x 0,1 D в
$ 420
.
