Испанские художники. 5 мастеров, опередивших своё время
Испания может похвастаться гениальными художниками. Но если бы их не было, никто бы не удивился.
Ведь эта страна почти всегда была консервативной. А где чрезмерная моральная косность и уж тем более инквизиция, там новаторы не выживают или просто не рождаются.
Поэтому я всегда поражалась, как эти художники умудрились предьявить миру свои новаторства!
Как Эль Греко обогнал своё время на 300 лет, работая в стиле экспрессионизма. А Веласкес на 200 лет раньше Мане и Моне начал творить в стиле импрессионизма!
Предлагаю пристальнее посмотреть на этих талантливых и гениальных испанцев.
Эль Греко. Портрет старика (предположительно автопортрет). 1600 г. Музей Метрополитен, Нью-ЙоркГреческий испанец или испанский грек Доминикос Теотокопулос почти в одиночку провернул испанское Возрождение. Если у итальянцев это была целая плеяда мастеров. То испанцы могут выдохнуть: ренессанс у них тоже был. Благодаря Эль Греко.
Создавая по большей мере религиозные картины, он смело разрушал предложенные каноны.
Достаточно взглянуть на полотно «Снятие одежд с Христа».
Эль Греко. Снятие одежд с Христа (Эсполио). 1579 г. Толедский собор в ИспанииВместо нескольких фигур – целая толпа. Вместо перспективы – непроницаемая стена из персонажей.
Вместо легко читаемых эмоций – сложные чувства. Взгляните хотя бы на непонимающий взгляд Святой Марии. Она как будто не осознала, что сейчас произойдет. Психологи бы это назвали защитной реакцией на сильнейший стресс.
Но Эль Греко этого мало. Через несколько лет он создал ещё более поразительное произведение. Не картина – а вселенная. От мельчайших вышивок-историй в одеянии святых. До четкого разделения мира на две половины: мирскую и небесную.
Это я, конечно, о «Погребении графа Оргаса».
Эль Греко. Погребение графа Оргаса. 1588 г. Церковь Сан-Томе в ТоледоА ещё сразу мы замечаем вытянутые тела. Скорее, такое искажение форм Эль Греко подсмотрел у маньеристов.
Хотя бы у того же Пармиджанино. Возможно, ещё наложился опыт создания византийских икон (ведь родом он был с греческого Крита).
Эту особенность со временем он ещё более гипертрофировал. Это четко заметно в его поздней работе «Лаокоон».
Эль Греко. Лаокоон. 1614 г. Национальная галерея ВашингтонаХудожник интуитивно понимал, что через изменение формы его герои могут рассказать нам о своих чувствах и переживаниях. Ведь они лишены движения.
Заметили, что городской пейзаж на заднем фоне тоже очень необычный? Он скоре близок к Ван Гогу и Сезанну, нежели к эстетике Ренессанса.
Никто до Эль Греко в западной живописи так не искажал формы. И после него художники стремились к реалистичности пропорций. Поэтому-то и считали его 300 лет чудаком и неумехой.
Его забыли и не вспоминали. И только в конце 19 века до всех дошло, насколько он опередил своё время. Теперь вновь обретённый Эль Греко в истории искусства навсегда.
Диего Веласкес. Менины (фрагмент с автопортретом).
1656 г. Музей Прадо, МадридНоваторства Веласкеса поражают до глубины души. Мало того, что он жил в очень консервативном обществе, так он ещё был придворным художником!
А это значит, что у него были придирчивые заказчики, которым нет дела до новаторств. Лишь бы было «красиво и похоже». В таких условиях любое новаторство легко чахнет.
Но не у Веласкеса. Каким-то чудом заказчики ему все прощали, видимо, интуитивно понимая, что благодаря этому художнику о них будут помнить и через 500 лет. И они не ошиблись.
Однако даже Веласкесу жестокая инквизиция не собиралась идти на уступки во всем. Писать обнаженную натуру считалось серьезным преступлением.
Все же Веласкесу удалось создать шедевр с прекрасным обнаженным телом даже в таких условиях.
Диего Веласкес. Венера перед зеркалом. 1647-1651 гг. Национальная галерея ЛондонаПравда свою прекрасную «Венеру» он написал, будучи в Италии. Потом тайно привёз в Испанию и передал на хранение влиятельному министру. А к нему инквизиция в дом просто так не вламывалась в поисках обнаженки.
Уже по этой «Венере» понятно, чем так выделялся Веласкес. Своей жизненностью. Ведь нет сомнений, что это настоящая женщина. Прекрасная, но настоящая. Настолько ее поза расслаблена и естественна.
Предположительно, это итальянская возлюбленная художника. Он предусмотрительно обезопасил ее, повернув к нам спиной. А лицо отразил в мутном зеркале.
О картине также читайте в статье «Венера» Веласкеса. Богиня или земная женщина?»
Там же в Италии Веласкес написал легендарный портрет Папы Римского Инокентия X.
Диего Веласкес. Портрет Папы Иннокентия X. 1650 г. Галерея Дориа-Памфили, РимВеласкесу удалось очень точно передать жесткий и коварный характер Папы.
Казалось бы, 75-летний понтифик предстаёт нам в самом величественном виде. Но колючий волевой взгляд, сжатые губы и ядовитый красный цвет мантии, говорят об истинных ценностях этого человека.
Как же Веласкесу опять удалось добиться жизненности даже в парадном портрете?
Дело в том, что Веласкесу посчастливилось встретить Папу, проходящего по одной из галерей Ватикана.
Он шёл в одиночестве и на его лице не было привычной для приемов «маски». Именно тогда Веласкес понял его характер и перенёс своё впечатление на полотно.
Вернувшись из Италии, Веласкес продолжил выполнять обязанности придворного.
Но не подумайте, что Веласкес был несчастлив. Он сам стремился стать художником короля, так как был тщеславен. Поэтому он безропотно писал бесчисленные портреты аристократов, и даже не брезговал выносить за Его Высочеством ночной горшок.
Но среди этих однотипных работ есть крайне необычный портрет королевской семьи: «Менины».
Диего Веласкес. Менины. 1656 г. Музей Прадо, МадридВ этой картине заложена очень необычная идея.
Веласкес решил показать нам, как выглядит его мир по другую сторону холста. Мы видим происходящее глазами тех, кто … позирует художнику.
Мы видим, как художник работает над портретом Короля и его супруги. А они стоят на нашем месте (или мы стоим на их месте) и смотрят на художника. И тут в мастерскую зашла принцесса, их дочь, со своей свитой навестить родителей.
Чем-то похоже на «случайные кадры» Эдгара Дега. Когда художник предпочитал писать своих героев не на сцене, а в закулисье.
Ещё одну особенность мы замечаем в «Менинах». Это быстрые, вибрирующие мазки. При этом художник не делает различий между фоном и героями. Все соткано как бы из единой материи. Именно так будут писать импрессионисты 200 лет спустя, тот же Ренуар и Моне.
О картине читайте подробнее в статье «Менины» Веласкеса: о картине с двойным дном».
Да, мастерство не знает границ… не боясь ни инквизиции, ни косной морали. Представляете, что Веласкес мог бы сотворить, если бы жил в более свободную эпоху! В Ренессанс, например.
Джузеппе Макферсон. Портрет Хосе де Риберы. 1633-1656 гг. Королевская коллекция, Лондон«Маленький испанец» (как его ещё называли) Хосе де Рибера в 14 лет переехал в Италию. Но его живопись всегда оставалась испанской, мало чем похожей на итальянский академизм.
Здесь, в Италии он был поражён живописью Караваджо. И, конечно, не удержался, чтобы не поработать в технике тенебросо.
Это когда главный герой находится в темноте и только тусклым светом из неё выхватывается.
Очень уж эта техника Караваджо подходила общему стилю Риберы. Он просто обожал остросюжетные библейские и мифологические истории. И именно тенебросо доводит эту остросюжетность до кульминации.
Его главные герои – это те, кто принимает страдания ради высокой цели. Как, например, Прометей.
Хосе де Рибера. Прометей. 1830 г. Частная коллекцияОт натуралистичности Риберы оторопь берет. И дело не только в очень точной передаче реального тела. А ещё в том, как выглядят раны и как эмоционально на свои страдания реагирует герой.
Дело в том, что Рибера посещал тюрьмы и своими глазами наблюдал пытки осуждённых. Вот такой Дега 17 века. Только Дега ходил в театр за балеринами подсматривать. А этот испанец ходил по местам заключения и выискивал правдоподобие для своих мучеников.
Через какое-то время мастер начинает отходить от караваджизма. Однако борцы за высокие идеалы по-прежнему – главные его герои.
И один из таких шедевров – «Мученичество святого Филиппа».
Мы видим святого за несколько секунд до того, как его вздёрнут на дыбу. Ещё нет самого страшного в физическом плане. Но есть возможность сопереживать из-за надвигающегося неизбежного конца и восхищаться смирением святого.
Рибера усиливает драматизм, изобразив мученика строго по диагонали. Его фигура, сухощавая и длинная, еле вмещается в картину. Как будто Гулливер (в духовном плане) попал в плен на растерзание к мелким, жалким людишкам.
Рибера прославился ещё тем, что рисовал людей с аномалиями. Хромоножки, карлики и женщины с бородой – тоже частые герои его картин.
Но не подумайте, что это было его болезненное стремление. Таковы были нравы при дворе. Аристократия любила держать у себя таких людей в качестве шутов и по сути рабов. А художники их рисовали опять же на потеху гостям.
Одна из самых знаменитых таких работ мастера – «Магдалена с мужем и сыном».
Женщина в 37 лет пережила гормональный сбой, в результате у неё начала расти борода. Заказчик потребовал нарисовать ее с младенцем на руках. Хотя к тому моменту ей было уже за 50. Ее сыновья давно выросли, а грудь явно была не столь пышной. Но младенец и грудь делали эту ошибку природы более красноречивой.
Но в отличие от заказчиков, Рибера лишь сочувствовал таким людям. И глаза несчастной женщины выражают истинное отношение художника к ней.
Об этой картине читайте в статье «Бородатая женщина: аллегория или портрет?»
Такая суровая и правдивая живопись не будет востребована несколько столетий. И вновь станет актуальной лишь в 19 веке: у французских реалистов Курбе и Домье, а также у русских передвижников.
Висенте Лопес Портанья. Портрет Франсиско Гойи. 1819 г. Музей Прадо, Мадрид.Мать Гойи говорила своему сыну «Ты родился не розой, а луком. Луком и помрешь».
Это она о строптивом и драчливом характере сына. Да, Франсиско Гойя был очень темпераментным человеком.
Истории о том, как он оставил свою подпись на … куполе собора святого Петра в Риме, а ещё похитил и соблазнил монашку из монастыря – о многом говорят.
Образование он получил поверхностное и всю жизнь писал с ошибками. Но это не помешало ему стать величайшим художником. Он смог добиться почти невозможного.
Он написал обнаженную женщину, но не попался в лапы инквизиции. Впрочем, Веласкес проделал этот трюк первым.
Он умудрялся почти всю жизнь оставаться придворным художником. Но при этом активно высказывал гражданскую позицию в своих работах. А монархи как будто ничего и не замечали.
Он соблазнял одну красивую аристократку за другой, несмотря на плохое здоровье и глухоту.
Это один из самых смелых художников, чья кисть – как меч, а краски – дерзкие слова. Впрочем, в реальных дуэлях и словесных перепалках Гойя тоже участвовал не раз.
Взглянем же на его самые выдающиеся работы.
Думая о Гойе, мы, конечно, сразу вспоминаем его «Маху обнаженную».
Франсиско Гойя. Маха обнаженная. 1795-1800 гг. Музей Прадо, Мадрид.Впервые обнажённая натура предстала не как у Веласкеса, украдкой и исподтишка, а во всём своём бесстыдном великолепии. Никакой жеманности, а только чувственность и откровенный эротизм.
О картине читайте также в статье «Маха обнаженная» Гойи. Легенды о модели и заказчике».
Гойя долгое время трудился при дворе, однако, не терпел заискивания и вранья. Достаточно взглянуть на его полотно «Семья короля Карла IV».
Франсиско Гойя. Портрет семьи Карла IV. 1800 г. Музей Прадо, Мадрид.Сколько здесь иронии по отношению к монаршим особам! По центру автор изображает королеву Марию, явно намекая, что она, а не Карл правит страной.
Удивительно, как художнику позволили создать такой контраст: между одеянием королевской четы и их лицами! Роскошь и блеск золота не могут скрыть заурядность героев и откровенную «простофильность» короля.
И конечно, нельзя пройти мимо его работы «Расстрел 3 мая».
Это картина о героизме простых испанцев во время оккупации наполеоновскими войсками.
В миг перед залпом, каждый из обречённых мятежников выглядит по-своему: кто-то смиренно ждёт, кто-то молится, кто-то плачет.
Но один испанец в белой рубахе готов встретить смерть без страха. Художник поставил его на колени. И если представить, что он встанет, окажется просто великаном. А ружья французских солдат как будто направлены только на него.
Так Гойя впервые показал подвиг и отвагу простого человека. До него героями изображались далеко не простолюдины. Это совершенно новый взгляд на историческую живопись.
Несомненно, Гойя и сегодня поражает свой смелостью, эксцентричностью и гуманизмом. Это был мастер с особым мироощущением.
Он для нас художник особой силы, как духовный лидер. Который не будет льстить властьпредержащим, не будет игнорировать героизм простого человека, и не будет отворачиваться от красоты, даже если она считается греховной и низменной.
Пикассо считается самым знаменитым художником в мире. Правда большинство знает его, как кубиста. Хотя в стиле чистого кубизма он работал недолго. Он был и экспрессионистом, и сюрреалистом. Это был художник-хамелеон.
На самом деле не важно, в каком стиле он работал. Главная его особенность – это многочисленные эксперименты с формой. Он мял форму, вытягивал ее, сжимал, крошил и показывал со всех сторон.
Начал он с осторожных экспериментов, подражая Эль Греко. Именно у него он подглядел деформированные формы. И так же, как Эль Греко, вытягивал свои фигуры во время своего голубого периода. Как, например, на картине “Две сестры”,
Пабло Пикассо. Две сестры. 1902 г. Эрмитаж. Hermitagemuseum.org.Но он идёт дальше. И на этот раз его учителем становится Сезанн.
Сезанн искал в цвете, форме и перспективе возможности выразить суть вещи. Пикассо с помощью кубизма довел эту идею до конца.
С помощью разных углов зрения и элементов предмета он пытался запустить ассоциативный ряд у зрителя: показать суть вещи, а не ее изображение.
Пабло Пикассо. Композиция с разрезанной грушей. 1914 г. Эрмитаж. Hermitagemuseum.org.На картине «Груша» мы НЕ видим изображение груши. Но мы видим кусочки холста в крапинку: у нас идёт воспоминание о подобной текстуре грушевой мякоти. Нежный бежевый и коричневый тоже ассоциируются с грушей. Уже не говоря о характерной дуге.
Все эти обрывки образа груши и вызывают у нас не только зрительное воспоминание о груше, но и о ее вкусе, и том, какая она на ощупь.
Именно эта концепция выражения сути, а не изображения – ведущая в живописи Пикассо. Даже когда он отойдёт от типичных «кубиков» и будет писать в стиле, близком к сюрреализму.
К таковым относятся портреты Марии-Терезы Вальтер.
Пабло Пикассо. Сон. 1932 г. Частная коллекция. Ru.wikipedia.org.Во время изматывающего и разрушающегося брака с Хохловой Пикассо случайно встретил юную Марию-Терезу.
Он всегда изображал ее красочной и волнистой, с элементами кубизма. Ведь её лицо показано одновременно с двух точек зрения: и в профиль, и анфас.
Тем самым он выворачивает наизнанку всю ее чувственность и нежность, крайнюю женственность. И это несмотря на то, что в ее фигуре было что-то мужеподобное. Но ведь формы для того, чтобы подчеркнуть суть, а не изобразить внешнюю оболочку модели.
Пикассо – великий экспериментатор. Главная его подопытная – это форма. Она повергалась изменениям в огромном количестве работ художника. Ведь он был ещё и одним из самых плодовитых художников на свете. Как он сам говорил о себе: «Дайте мне музей, и я заполню его своими картинами».
Еще об одном шедевре мастера читайте в статье «Девочка на шаре» Пикассо: о чем рассказывает картина».
Пять великих живописцев, пять испанцев являются одними из создателей современного искусства. Несмотря на то, что большинство из них жило 200-300 лет назад.
В их творчестве черпают вдохновение современные художники.
Они дают импульс, который до сих пор подпитывает мировую культуру.
Нам остаётся быть благодарными, хранить их наследие и, конечно, восхищаться.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Автор: Оксана Копенкина
Перейти на главную страницу
Вконтакте
Одноклассники
Похожее
Самые известные испанские художники — блог
Эль Греко (1541-1614)
Доменико Теотокопули, известный всему мира под именем Эль Греко, родился в 1541 году на Крите (отсюда и псевдоним — «грек»). Там он изучал иконопись критской школы, затем переехал в Венецию, где предположительно учился у Тициана, а после — отправился в Рим.
Наконец, в 1577 году Эль Греко прибыл в Испанию и обосновался в Толедо — на тот момент религиозном центре Испании — где и прожил до самой смерти (1614 год).
На начальном этапе на Эль Греко большое влияние оказало творчество Тинторетто и Микеланджело, затем художник встал на путь маньеризма, развивая свой собственный, индивидуальный стиль. Его картины отличаются исключительной эмоциональностью, неожиданными ракурсами и неестественно вытянутыми пропорциями. Эль Греко преимущественно творил на религиозные темы. Он создал девять работ для украшения собора Святого Доминика, включая «Троицу» и «Вознесение Девы Марии», а также «Снятие одежд с Христа» для Толедского собора. Среди других его знаковых работ — «Поклонение пастухов», «Лаокоон» и «Вид Толедо».
Диего Веласкес (1599-1660)
Веласкес является, пожалуй, самым известным испанским придворным художником. Он имел смелость критиковать трон и придворное окружение в завуалированной манере — в выражениях лиц, нарядах и позах.
При этом у него это получалось действительно ненавязчиво, так, что смысл прятался где-то на втором плане, а в глаза бросалась уникальная живость и реалистичность изображения.
До нас дошла всего лишь одно высказывание Веласкеса: «Предпочитаю быть лучшим в изображении уродства, а не вторым в изображении красоты».
Среди самых известных картин художника — «Менины», «Венера перед зеркалом», «Портрет инфанты Маргариты», «Портрет короля Филиппа IV».
Франсиско Гойя (1746-1828)
Памятник этому живописцу стоит перед одной из крупнейших художественных галерей в мире — музеем Прадо. Гойя — яркий представитель романтического направления. Ему почти всю жизнь удавалось оставаться придворным художником и пользоваться покровительством сильных мира сего, что не мешало Гойе в своем творчестве обращаться к насущным социальным и человеческим проблемам — зло, насилие, страдания и несправедливость. Его образы — преувеличены, местами даже гротескны и надрывны, зачастую — аллегоричны.
Гойя достиг больших высот не только в живописи, но и в искусстве графики.
Пожалуй, самой известной картиной художника, неотделимой от его имени, является «Обнаженная Маха»: смелое изображение обнаженной натуры во всем своем великолепии, чувственное и живое. Среди других знаковых работы — «Король Карл IV» и его семья, «Похороны сардинка», «Сатурн, пожирающий своих детей», «Молочница из Бордо».
Пабло Пикассо (1881-1973)
Пикассо является чуть ли не самым известным художником во всем мире. Большую часть своей жизни он прожил во Франции, за что многие его зачастую называют французским живописцем, несмотря на его испанское происхождение.
Пикассо был великим экспериментатором и творил во множестве стилей, однако в первую очередь за ним закрепилась слава основателя кубизма. Его интересовала суть, а не форма, а потому с ней он экспериментировал самым смелым образом — сжимал, растягивал, переворачивал с ног на голову.
При этом известность Пикассо принесли не только его картины (многие из которых входят в список самых дорогих в мире), но и бесчисленные романы. Любовь всегда шла бог о бок с творчеством художника, нередко давая толчок к очередной трансформации и новому этапу его живописи.
Самыми знаменитыми работами Пикассо являются «Герника», «Любительница абсента», «Авиньонские девицы», «Девочка на шаре».
Испанские художники – яркие, как солнце их Родины
Великие испанские художники в своих работах затрагивали темы, которые волнуют каждого человека, поэтому их имена остались в веках. Начиная с Эль Греко, можно выделить девять таких мастеров, живших с XVI по XX век. Наивысшим расцветом является XVII век. Иначе его еще называют Золотым. Это период барокко.
Шестнадцатый век
Первым, кто прославил испанскую школу, был грек Доменико Теотокопулос (1541-1614), которого прозвали в Испании Эль Греко. В те времена часто пылали костры над еретиками.
Поэтому светские темы практически не затрагивались. Станковая и фресковая живопись – это разновидности иллюстраций к Святому писанию. Но и тут следовало проявлять большую осторожность. Требовались традиционные трактовки.
Эль Греко сочетает религиозные темы с изумительным по красоте и пышности цветовым решением, которое предваряет появление барокко. Один из его шедевров, «Апостолы Петр и Павел» (1582-592), хранится в России. На нем изображен простой неграмотный рыбак Петр и создатель всей христианской доктрины высокообразованный Павел, естественно, с Библией. Христианство в первые века завоевало все сердца своей любовью к людям, милосердием и простотой – достаточно было только поверить, и любой человек, образованный и нет, бедный или богатый, становился христианином. Испанские художники многому научились у живописца, обладавшего неповторимым стилем, связанным с болезнью глаз. Однако на долгий период его живопись была забыта и вновь открыта через три столетия.
Барокко – Золотой век
Как нигде, католицизм по-прежнему силен, более того, он представляет мощную и грозную силу, которая требует от человека умерщвления плотских желаний и радостей и полного погружения в религиозную обрядность.
Испанские художники, такие, как Хосе Рибера (1591-1652), Франсиско Сурбаран (1598-1664), Диего Веласкес (1599-1660) и Бартоломео Мурильо (1617-1682) являются ярчайшими представителями этого периода. Они знакомы с работами Караваджо, который оказывает на них большое влияние, не своими натюрмортами, а своим осмыслением того, что есть смерть и как близко она соприкасается с жизнью.
Испанские художники Рибера и Сурбаран
Это объединение несколько условно. Живопись Хосе Риберы (1591-1652) отличает тематика, связанная с мученичеством и натурализмом в изображении страданий святых и героев из мифологии, а также резкая контрастность света и тени. Франсиско Сурбаран (1598-1664) свои лучшие картины, окрашенные лиризмом, создает в 30-годы XVI века. В 1662 году он с умилением напишет «Мадонну с младенцем и Иоанном Крестителем».
Светлый образ младенца, находящегося в центре простой и естественной композиции, сразу привлекает внимание, как и нежный лик Мадонны, и золотистые одежды преклонившего колени Иоанна, у ног которого расположилась символичная белая овечка.
Выросший Христос будет пастырем огромного стада уверовавших в него. Сурбаран пишет только с натуры – это его принцип, используя контраст глубоких теней и сильного света. Сурбаран был дружен с гениальным художником Диего Веласкесом, который помогал ему с заказами. Испанские художники стремились поддержать друг друга.
Веласкес (1599-1660)
Первоначально испанский художник Диего Веласкес, живя в Севилье, много работает над жанровыми сценками, а также над аллегорическими картинами. Но знакомство с итальянской живописью из королевской коллекции очень изменило его эстетические взгляды. Он меняет колорит на нежно-серебристый и переходит к прозрачным тонам. С большим трудом ему удается получить место придворного живописца. Но король Филипп IV сразу оценил дар молодого художника, и тот в дальнейшем создавал портреты членов королевской семьи. Вершиной в его творчестве явились две картины, неразгаданные до сих пор, до того много смыслов заложил в них художник. Это «Менины» (1656), то есть свита придворных при наследниках королевского престола, и «Пряхи» (1658).
В «Менинах» на первый взгляд кажется все просто. В большой комнате находятся молодая инфанта, окруженная фрейлинами, телохранитель, два карлика, собака и художник. Но за спиной живописца на стене висит зеркало, в котором отражаются король с королевой. Есть королевская чета в комнате или нет – это одна из загадок. Их много больше, на огромную статью. И ни на одну загадку не дается однозначного ответа.
От Франсиско Гойи до Сальвадора Дали
Родившись в Сарагосе, Гойя (1746-1828) становится официальным придворным художником, но потом теряет это место и получает должность вице-директора Академии художеств. В любом качестве Гойя работает много и быстро, создавая картоны для шпалер, портреты, расписывает церкви, пишет картины для кафедрального собора в Валенсии. Он работает всю жизнь упорно и много, меняясь как мастер, переходя от светлых праздничных композиций с насыщенными цветами к стремительной и резкой графике, а если это живопись, то темная и мрачная.
Школа рисования в Испании не умирает, но следующий художник испанской живописи, большой мастер, появится в 1881 году.
Это Пикассо. Чем только не отмечено его творчество. Это и «голубой» и «розовый» периоды, и кубизм, и сюрреализм, и пацифизм. За всеми его работами стоит тонкая ирония и желание продаваться. А рисовать он умел. Создавая в кубистический период портреты своей возлюбленной, которые продавались, как горячие пирожки, для себя он пишет ее в стиле реализма. И только став обеспеченным человеком, он стал позволяет себе рисовать, как он хочет.
Лаконична его работа «Дон Кихот» (1955). Изображены сам рыцарь, его оруженосец, конь, ослик и несколько ветряных мельниц. Дон Кихот легок, невесом, а Росинант – почти мешок с костями. В противоположность ему Санчо слева – черная тяжелая масса. И хотя обе фигуры стоят на месте, рисунок полон движения. Линии энергичные, броские, полны юмора.
Эксцентричен известный испанский художник Сальвадор Дали. У этого человека все шло на продажу. И картины, и дневники, и книги. Состояние он себе сделал благодаря энергичной помощи жены Елены Дьяконовой, более известной как Гала.
Она была и его музой, и менеджером. Их союз был очень успешен в коммерческом плане.
Завершая на этом статью на тему об известных испанских художниках, нужно сказать, что они все обладали яркой, как солнце Испании, индивидуальностью.
Испанский художник Хосе де Рибера
Хосе (Джузеппе, Джозеф) де Рибера — самый старший из великих художников испанского барокко, которого практически даже не считают представителем художественной школы этой страны, поскольку большую часть своей жизни и всю свою карьеру он провел в Италии. Тем не менее он очень гордился своими корнями и, кроме того, жил в Неаполе, который в 17 веке был испанской территорией. Он имел тесные связи со своей родиной и оказал огромное влияние на искусство барокко не только там, но и в остальной части Европы.
Ему повезло работать в Неаполе. После того как он стал частью Испанской империи в 1501 году (город оставался под ее властью в течение двух столетий), население его утроилось, благодаря чему он стал вторым по величине городским центром Европы после Парижа.
В 17 веке Неаполь был очагом интеллектуальной и творческой деятельности, где жили величайшие художники, философы, писатели и музыканты, по крайней мере, до тех пор пока великая чума 1565 года не уничтожила половину населения города. Живя и работая в Неаполе, Рибера гарантированно был окружен не только лучшими представителями искусства, но и богатыми покровителями.
Ранние годы
К сожалению, биография Хосе де Рибера не совсем полная. Практически нет документов, которые могли бы пролить свет на его детство в Испании. Известно, что он родился и крестился в городе Ятива (Сан-Фелипе) в Валенсии, был вторым сыном успешного сапожника по имени Симон. Он потерял свою мать, когда ему было всего пять или шесть лет.
Становление
Хотя в то время сыновей обычно обучали той же профессии, которой владели их отцы, некоторые искусствоведы предполагают, что художественные занятия Риберы могли поощряться другими художниками в его семье.
Его бабушку по отцовской линии звали Хуана Наварро из Тервела, а в Валенсии были известны несколько художников с такой фамилией.
Однако это остается лишь предположением. Биограф Риберы утверждает, что в детстве он был учеником преуспевающего местного художника Франсиско Рибальта, хотя нет абсолютно никаких доказательств в поддержку этого утверждения.
Какими бы ни были факты, он был явно недоволен тем, как идут дела, поэтому покинул свой родной город в поисках лучшей жизни (есть мнение, что он покинул Испанию из-за ссоры с Рибальтой, связанной с дочерью мастера-художника).
Переезд
Рибера появился в Италии в 1611 году, остановившись сначала в Парме, где, согласно документам, он написал картину для церкви Святого Просперо, а затем в 1613 году оказался в Риме. Он оставался в Риме до 1616 года, обучаясь в Академии Св. Люка, живя вместе со своим младшим братом Хуаном, а также некоторыми другими собратьями-испанцами в доме фламандского торговца на Виа Маргутте.
Неаполь
Современные источники предполагают, что в эти годы в Риме Рибера вел либертинское существование (был сторонником свободной, гедонистической морали), возможно, подражая Караваджо, искусством которого он так восхищался.
Таким образом, у него быстро кончились деньги, и, по-видимому, чтобы сбежать от своих кредиторов, в 1616 году он переехал в Неаполитанское королевство под управлением Испании, где оставался до конца своей жизни.
К счастью для Риберы, благодаря своим корням, он смог объединиться с испанской элитой, а также с фламандскими купцами, которые были в высших эшелонах неаполитанского общества и, таким образом, являлись основными покровителями искусства в Неаполе.
Вскоре после появления там он заключил выгодный брак с Каталиной Аццолино — дочерью известного и успешного художника и торговца произведениями искусства Джованни Бернардино Аццолино (поспешность брака позволяет предположить, что Рибера, возможно, на самом деле устроил его еще до того, как он покинул Рим).
Современные документы показывают, что художник тратил много времени, чтобы выучить итальянский язык, хотя и не достиг в этом больших успехов: он разговаривал с сильным испанским акцентом и делал ужасные ошибки в письмах.
Известность
После прибытия в Неаполь его репутация взлетела до такой степени, что к 1618 году Рибера считался самым популярным художником в городе, получая комиссионные от таких покровителей, как, например, Козимо II Медичи, великий князь Тосканы и вице-король Неаполя. Перегруженный работой, Рибера заработал достаточно денег, чтобы переехать в большой дом с садом, как раз к рождению его первых трех детей в конце 1620-х годов (сын Анотонио Симоне родился в январе 1627 года, а затем его младший брат Хасинто Томас — в ноябре 1628 года и, наконец, младшая сестра Маргарита — в апреле 1630 года).
В 1630 году его посетили Веласкес, а также испанский посол, который впоследствии стал вице-королем Неаполя. Он заказал для себя несколько работ.
В 1631 году Рибера был удостоен чести стать рыцарем папского ордена Ватикана. Это одно из самых высоких достижений, на которые мог надеяться любой художник в Италии.
Успех Риберы в течение 1630-х годов развился до такой степени, что к 1640-м годам он смог переехать с семьей в настоящий дворец в роскошном районе Кьяйя, рядом с церковью св.
Тереза дельи Скальци.
В 1641 году Рибере посчастливилось получить комиссию за работу над самым важным религиозным объектом в городе – часовней св. Дженнаро в соборе Неаполя.
Поздние годы
Хорошие времена подошли к концу в середине 1640-х годов, когда художник тяжело заболел и уже не мог больше писать картины.
Сразу после того как Хосе де Рибера, наконец, восстановил свое здоровье, народное восстание против испанского правления во главе с Томассо Аниелло Масаниелло в июле 1647 года заставило его вместе с семьей укрыться в испанском Палаццо-Реале, где живописец встретится с незаконнорожденным сыном Филиппа IV Доном Хуаном из Австрии.
Восстание имело серьезные последствия для Риберы: из-за репрессивных мер, предпринятых испанцами против восставших итальянцев, художник и его семья были изгнаны итальянским населением города.
В 1649 году у него случился рецидив болезни, и, в результате его неспособности работать и из-за восстания, семья художника начала испытывать серьезные финансовые проблемы.
Ситуация ухудшилась, когда ему пришлось забрать свою дочь Маргариту обратно в свой дом после смерти ее мужа через несколько лет после их свадьбы. Трудности были настолько велики, что в 1651 году Хосе де Рибера написал петицию королю с просьбой о финансовой компенсации за вдовство Маргариты.
В следующем году, в июле, он переехал в меньший, более тихий дом в округе Мергеллина, а вскоре после этого умер.
Творчество
Все сохранившиеся работы Хосе де Рибера, судя по всему, относятся к периоду жизни в Неаполе. По большей части они представляют собой религиозные композиции, а также ряд классических и жанровых сюжетов и несколько портретов. Он много писал для испанских вице-королей, с помощью которых многие его картины были отправлены в Испанию. Он также работал в Римско-католической церкви и имел многочисленных частных покровителей разных национальностей. Начиная с 1621 года, большинство его работ были подписаны, датированы и задокументированны.
Картины Риберы суровы и мрачны, их вполне можно назвать драматичными.
Главные элементы его стиля, тенебризм (драматическое использование света и тени) и натурализм, использовались для того, чтобы подчеркнуть психические и физические страдания кающихся, мученических святых или замученных богов. Реалистичные детали, часто ужасающие, подчеркивались при помощи грубых мазков кисти на толстом слое краски для обозначения морщин, бороды и телесных ран. Техника художника Хосе де Рибера характеризуется чувствительностью контура и надежностью, с которой он делал переходы от яркого света к самой темной тени.
Помимо картин, он, среди немногих испанских художников 17-го века, создавал многочисленные рисунки, а его гравюры были одними из лучших произведений в Италии и Испании в период барокко.
Произведения Хосе де Рибера
В течение своей карьеры живописец изучал то, что связано с религией, в том числе биографию Святого Варфоломея, Марии Магдалины, Святого Иеронима и Святого Себастьяна. Последний является повторяющейся фигурой, которую Рибера изобразил как в традиционной манере, пронзенным множеством стрел, так и не в таком популярном образе, излечивающимся от полученных ран благодаря Святой Ирине.
На одной из картин Хосе де Рибера святой Себастьян изображен крепко привязанным к дереву, он переводит взгляд на небеса с выражением, которое говорит о его добровольном принятии мученичества. В том же году, когда художник выполнил эту работу, был нарисован еще один образ святого Себастьяна, который висел в Государственном музее в Берлине до Второй мировой войны. Эти две картины представляют два разных подхода к одному и тому же сюжету. На второй картине Себастьян изображен без сознания, на коленях, свисающим с дерева, к которому были привязаны его руки. В результате его фигура необычайно искажена, что подчеркивает ощущение страдания и мученичества.
Живописец иногда использовал в качестве модели для своих картин собственную дочь, Марию-Розу, которая отличалась необычайной красотой. В частности, она послужила прообразом для картины Хосе де Рибера «Святая Инесса». Он снова использовал непривычный подход, изобразив девушку в темнице с руками, сложенными в молитве, и глазами, устремленными к небу.
Этот образ считается одним из самых выдающихся. Картина чрезвычайно понравилась жителям Неаполя, а вице-король приобрел ее в свою коллекцию.
Картина Хосе де Рибера «Хромоножка» была написана в последний период творчества художника. На ней он изобразил нищего мальчика-калеку. Ребенок стоит на фоне пейзажа, как будто специально выставив свою искалеченную ногу. В руке у него листик с просьбой о помощи. Но, несмотря ни на что, его лицо озарено искренней детской улыбкой.
Гении испанского Возрождения. Живопись
История ИспанииАнна Борисова
Эль Греко. Святая Троица (фрагмент)
В продолжении разговора об испанском Возрождении, коснемся живописи этого славного периода. Здесь в XVI- XVII вв. столкнулись два влияния: нидерландское и итальянское. Последнее в основном было представлено маньеризмом. Термин «маньеризм» стал употребляться для живописи XVI столетия в период от смерти Рафаэля (1520) до начала классицизма и барокко, во многом родившихся как реакция на него.
Характерной иллюстрацией такого трагизма является творчество Луиса Моралиса (1509-1586 гг.). Художник писал изможденные лица и иссохшие тела мучеников и аскетов. Цветовая гамма его картин — зелено-черная, с преобладанием мрачных тонов. Филипп II приглашал Моралиса ко двору, но не был доволен его творчеством и отстранил его. Сейчас работы Моралиса можно увидеть в Лиссабоне, Нью-Йорке, в мадридском Прадо («Богоматерь с Младенцем») и в Эрмитаже («Богоматерь Скорбящая»).
Луис Моралис. Святой Иероним в пустыне.
XVI век проходит в Испании под знаком итальянского возрождения. Влияние итальянцев и венецианцев еще достаточно сильно в начале XVII в. Это время расцвета художественных школ Валенсии и Толедо.
Живопись эпохи Испанского Возрождения уникальна своей страстностью, порой до экзальтированности. Мы не видим этого в таком количестве и в такой силе у фламандцев и итальянцев, технику которых испанцы активно использовали.
У испанских художников того времени было два основных заказчика. Первый — двор, второй — католическая церковь. Стоит ли говорить о том, как велика была роль церкви в становлении испанской живописи в эпоху Инквизиции! Однако уже тогда в традиционные религиозные сюжеты гармонично вплетается народная повседневность.
Но первым по-настоящему светским жанром в испанской живописи того времени становится портрет, а точнее — придворный портрет: изображение королевских особ и высшей аристократии.
На становление портрета повлияли как национальные испанские вкусы, так и итальянский Ренессанс. Свой вклад внесло и Северное Возрождение, в особенности — нидерландская живописная школа.
Очевидно что в первую очередь придворный портрет подразумевал изображение Короля. Перед портретистами стояли сложные задачи — совместить в своей работе идеальный образ монаршей модели и реалистичность черт (не забываем также, что портреты служили «визитными карточками» венценосных женихов и невест при подготовке династических браков). А ведь Испанское Возрождение подготовила эпоха Католических Королей, когда имидж Короны и Монарха был возведен до небес. Придворный портрет многое заимствует у иконографии — изображение должно было вместить в себя все высокие качества, присущие
Правителю, и приравнивалось личности изображенного. Так клятвы, совершенные перед портретом Короля, были равносильны обетам, совершенным в присутствии самого монарха. Вспомним древнюю, существующую поныне, традицию клятвы или присяги на Библии, и поймем, кем являлся Король для своих подданных.
Много лет на службе у испанских королей находились крупнейшие живописцы Европы — Тициан и Антонио Моро. Но с появлением в 60-е гг. XVI в. испанца-портретиста Алонсо Санчеса Коэльо, иноземцев больше не приглашали ко двору. Сейчас работы кисти Коэльо можно увидеть в Музее Прадо (Мадрид). Именно со времени Коэльо портретист, изображающий монарха и его свиту, получал официальное звание придворного художника, а также мастерскую во дворце, которую нередко удостаивал своим посещением сам Король.
Алонсо Санчес Коэльо. Портрет инфанты Каталины Микаэлы
Преемником Коэльо при дворе становится его ученик Хуан Пантоха де ла Крус. Одним из лучших его произведений является «Портрет Диего де Вильямайор», хранящийся в петербургском Эрмитаже. Эта работа — яркий образец придворного искусства того времени. Де ла Крус в деталях показывает пышность туалетов изображаемого, ведь основной задачей было показать величие и богатство, а не красоту модели. Эти тенденции дальше найдут развитие в правдивых королевских портретах Веласкеса и почти гротесковых — Гойи.
Хуан Пантоха де ла Крус. Портрет Диего де Вильямайор
По иронии судьбы, первым прославившимся на весь мир живописцем Испании оказался не испанец. Им считается Доменикос Теотокопулос — «Эль Греко» (1541-1614 гг.). Как можно понять из его прозвища, художник был греком (родом с острова Крит). Сейчас работы «испанского грека» украшают самые крупные музеи мира (Метрополитен-музей в США, Прадо в Мадриде).
Являясь потомственным художником, в молодости Эль Греко писал иконы в византийском стиле, после чего отправился в Венецию, где учился у самого Тициана и освоил технику масляной живописи. Затем он был приглашен для работы в Испанию королем Филиппом II. Грек не прижился при дворе, но остался творить в Испании. Картины на религиозные и мистические сюжеты мастер чередовал с созданием портретов, находясь под большим влиянием итальянского маньеризма. Особенностью картин Эль Греко принято считать сочетание фантастичности сюжета и реализма его трактовки.
Однако колорит и цветовые решения зачастую не соответствуют тому, что мы можем видеть в природе и повседневной реальности. Это очень чувственное восприятие и передача, отражение эмоций и движений души. Пожалуй в этом и заключается уникальность всей живописи испанского Возрождения: в ней смешивается реализм с мистикой и религиозной экзальтацией.
Эль Греко. Раздирание одежд Христа.
Именно Эль Греко (заслуживающий отдельного разговора, и о котором подробнее мы поговорим позже) открыл Золотой век испанской живописи и подготовил почву для появления таких гениев как Сурбаран и Веласкес.
Так Франсиско де Сурбаран (1598-1664) стал одним из тех мастеров, благодаря кому испанская живопись вышла на одно из первых мест в Европе. Этот художник в основном выполнял портреты и живописал деяния святых. Кроме того, Сурбаран всегда охотно изображал детей, пользуясь ими как моделями для работ на темы детства Христа и Марии. Картины великого мастера можно увидеть в музеях Америки, Лондона, Будапешта, Мюнхена, а также в Лувре, Прадо, Эрмитаже и конечно в Севилье, где он учился и к живописной школе которой он принадлежал.
Франсиско де Сурбаран. Бегство в Египет.
Диего Веласкес (1599-1660), чьи работы украшают стены Мадридского Прадо и Российского Государственного Эрмитажа, широко известен как портретист испанского двора. Он был придворным живописцем короля Филиппа IV. Представитель знатного севильского рода, он был утонченным и мудрым, но при этом скромным. Находясь в центре придворной жизни, Веласкес обходил стороной интриги, чем заслужил дружбу и уважение короля. Кроме портретов и религиозной живописи, мастер создавал также исторические полотна («Сдача Бреды»), обращался к жанровым сценам («Завтрак», «Пряхи»). В дальнейшем произведения испанца особенно вдохновят импрессионистов. Так Эдуард Мане назовет Веласкеса «живописцем живописцев».
Диего Веласкес. Портрет Филиппа IV в доспехах.
Младший современник Сурбарана и Веласкеса — глава севильской живописной школы Бартоломе Эстебан Мурильо (1617-1682). Рано осиротев, юноша Мурильо приезжает в Мадрид, преисполненный желанием учиться живописи (1630-е гг.
). Там Веласкес допускает своего земляка к изучению произведений, хранящихся во дворцах столицы (Тициан, Рубенс, Ван Дейк). Таким образом Мурильо создает свои первые копии на мировые шедевры. Техника Веласкеса оказала сильное влияние на молодого живописца. В 1645 г. Мурильо возвращается в родную Севилью и получает крупный заказ от францисканского монастыря.
В родном городе он задерживается надолго, работая над росписью севильских соборов и монастырей. А в 1660 г. художника назначают директором учрежденной в Севилье Академии художеств, где впервые было официально введено изучение нагого человеческого тела. Стоит ли говорить о том, какое сильное влияние оказал Мурильо на живописцев севильской школы!
Художник покидает Севилью только в 1682 г.. Его путь лежит в Кадис, где местный монастырь капуцинов заказал ему большую алтарную картину «Обручение Св. Екатерины». В Кадисе с художником случился несчастный случай — он упал с мостков, работая над заказом, и скончался уже на родине от полученных травм.
«Обручение Св. Екатерины» завершено учеником Мурильо — Осорио.
Бартоломе Эстебан Мурильо. Иоанн Креститель с ягненком.
По своему содержанию работы Мурильо перекликаются с работами других художников испанского возрождения. В основном перед нами открываются религиозные сюжеты, но нередко попадается пейзажная живопись и бытовые зарисовки из жизни народа. Однако именно в картинах Мурильо искусствоведы усматривают «первые шаги» в сторону барокко. Сейчас работы этого мастера украшают крупнейшие музеи и галереи мира — Лувр, Дрезденскую галерею, Эрмитаж.
Годы жизни и творчества художников испанского Возрождения по праву считаются «Золотым веком» испанской живописи. Крупнейшие города Европы хранят в своих соборах, музеях и галереях шедевры той славной эпохи. Так что, оказавшись в одном из них, не упускайте возможность познакомиться чуть ближе с этими самобытными произведениями.
Художники, которые умели впечатляться. Часть 4: Испанские предшественники импрессионизма
Эль Греко (1541 – 1614)
То, насколько картины Эль Греко самобытны (причем не только для его времени, но и вообще в истории европейской живописи), видно сразу и помнится навсегда. Из-за этой неслыханной самобытности его ещё при жизни высоко ценили, потом сторонились, оспаривали, предали забвению почти на 300 лет, и уже в годы пышного цветения импрессионизма открыли заново, назвали учителем, превознесли. Вне всякого сомнения, заслуженно.Об Эль Греко говорят, что «он не имел ни предшественников, ни последователей».
Доминикос Теотокопулос был великолепно образованным иконописцем на родном Крите, бывшем частью Венецианской республики (учился, возможно, у Михаила Дамаскиноса и Феофана Критского). В 1566 году его упоминают как уже сложившегося художника, и если средний иконописец получал за работу до 8 золотых дукатов, то Доминикос смог за «Оплакивание с ангелами» получить 70.
Критская школа иконописи несла элементы как византийского стиля (укрупненные пропорции, золотой фон, акцент на духовное), так и итальянского (стремление к соблюдению правильности рисунка и перспективы). Впитав ее уроки, Доминикос в 1567 году отправился в Венецию, где стал учеником Тициана. Возможно, там его и прозвали «Грек» — и затем иначе не называли ни в Италии, ни, позже, в Испании. У Тициана он перенял свободный мазок и интенсивный колорит. Повлияли на стиль Эль Греко и Тинторетто, и Микеланджело, чьи работы он изучал в Риме в 1570-х: динамичные, драматичные, с особыми отношениями между светом и тенью. Со временем в работах Эль Греко искусствоведы нашли и черты маньеризма (формы причудливы, линии ломаны линий, метафизический опыт ощутим как первоэлемент), и элементы (обилие цвета, броскость, аффектация) — и все же его манера абсолютно уникальна. Прежде всего, вытянутые вверх фигуры и лица: предполагают, виной тому редкая патология хрусталика — художник действительно так видел (и только экспрессионист Модильяни спустя 300 лет писал портреты такими же удлиненными). Одновременно все эти измененные пропорции, изогнутые эллиптические формы, сверкающие тона и холодные рефлексы, из-за которых реальное ощущается как ирреальное, а потустороннее — как подлинное, последовательно выражают мистическое мировоззрение Эль Греко.
После десяти лет в Италии художник предпринял попытку поступить на службу к испанскому королю, однако не преуспел. Выполненные им по заказу Эскориала работы («Поклонение имени Христа, видение Филиппа II», «Мученичество Святого Маврикия») не были оценены по достоинству. Слишком странно рядом с традиционной церковной живописью выглядели их беспокойные колористические вспышки, теснящиеся фигуры в позах сильного эмоционального напряжения («Снятие одежд с Христа», «Крещение Христа»). Эль Греко навсегда перебрался в Толедо, где арендовал часть поместья, которое считали «мистическим» из-за занятий его прежнего владельца, маркиза де Вильены, алхимика и астролога. Эль Греко не жалея денег и с разборчивостью знатока собирал роскошную обстановку (а особенно — библиотеку с трудами по философии, теологии и архитектуре на греческом, итальянском и латыни), приглашал музыкантов. Книг он не продавал даже впав в нужду — завещал сыну, единственному и к тому же внебрачному ребенку художника и его спутницы Иеронимы де Лас Куэвас. Исключительная независимость взглядов Эль Греко, так раздражавшая официальную церковь, опиралась на его глубокую религиозность и мировоззрение мистика.
Самые прославленные работы Эль Греко в толедский период — «Похороны графа Оргаса» (1586), где видения кажутся более живыми, чем реальные лица; «Снятие пятой печати» (1614) на сюжет из Книги Откровения, где фигуры, сотканные светящимся цветом и изломанными линиями, подобны языкам пламени.
Что рисовал? Религиозные сюжеты, причем некоторые библейские мотивы — по многу раз (например, сюжет «Христос исцеляет слепого» — трижды). Цикл картин, посвященных апостолам: «Тайная вечеря» (1567−1570), «Петр и Павел» (1592), «Святой Иоанн» (1594), «Святой Лука» (1608), «Святой Андрей» (1610) и др. В некоторых его работах совмещены различные эпизоды сюжета; Сергей Эйзенштейн даже заявил, что «Эль Греко был одним из первых праотцов киномонтажа, предшественников кинохроники». На портретах кисти Эль Греко, написанных белым, черным, красноватыми тонами по сепиевой подкладке, — всегда выразительные, освещенные лица. Наиболее знаменит «Портрет кардинала Ниньо де Гевара» (около 1600) — колористическую пронзительность именно этой работы разовьет Веласкес в своем портрете понтифика Иннокентия X.
известных испанских художников | Список популярных художников из Испании
Место рождения: Малага, Испания
Национальность: Испания
Художественные формы: скульптура, керамическое искусство, живопись, эстамп, рисунок
Пабло Руис Пикассо (Великобритания:, США:, испанский: [ˈpaβlo piˈkaso]; 25 октября 1881 г. — 8 апреля 1973 г.) был … подробнее в ВикипедииПодробнее Пабло Пикассо
Каждый скрытый символ в Гернике Пикассо № 224 из 753 людей, которых мы хотели бы, были живы
Место рождения: Испания, Фигерас
Национальность: Испания
Художественные формы: скульптура, фотография, живопись, рисунок
Сальвадор Доминго Фелипе Хасинто Дали и Доменек, 1-й маркиз Дали де Пуболь (11 мая 1904 г. — г… больше в ВикипедииМесто рождения: Барселона, Испания
Национальность: Испания
Художественные формы: скульптура, фреска, керамика, живопись
Жоан Миро и Ферра (mi- ROH, также США: mee-ROH, каталонский: [ʒuˈam miˈɾo j fəˈra]; 20 апреля 1893 г. -… подробнее в ВикипедииМесто рождения: Барселона, Испания
Национальность: Испания
Художественные формы: скульптура, живопись
Антони Тапиес-и-Пуч, 1-й маркиз Тапиес (Каталанский: [ənˈtɔni ˈtapi.əs]; 13 декабря 1923 г. — 6 … подробнее в ВикипедииМесто рождения: Мадрид, Испания
Национальность: Испания
Формы искусства: скульптура, живопись
Хосе Викториано (Кармело Карлос) Гонсалес-Перес (23 марта 1887 г. — 11 мая 1927 г.), более известный … подробнее в ВикипедииПодробнее Хуан Грис
№ 3 из 63 известных художников-кубистов, 283-е место из 1283. Google Doodle
Место рождения: Сан-Кристобаль-де-ла-Лагуна, Испания
Гражданство: Франция, Испания
Оскар М.Домингес (3 января 1906 — 31 декабря 1957) был испанским сюрреалистом … подробнее в ВикипедииХулио Гонсалес
Голова, женщина, расчесывающая волосыМесто рождения: Барселона, Испания
Национальность: Испания
Формы искусства: скульптура, живопись
Хулио Гонсалес и Пеллисер (21 сентября 1876 — 27 марта 1942) был испанским скульптором и … подробнее в ВикипедииПодробнее
№ 76 из 85 Лучшие исполнители поп-арта # 48 из 101 известного художника-экспрессиониста
Ремедиос Варо
Бесполезная наука или алхимик, ЗовМесто рождения: Англес, Жирона, Испания
Национальность: Испания
Художественные формы: Живопись
Ремедиос Варо Декабрь Уранга (16 декабря 1908-8 октября 1963) был испанским художником-сюрреалистом… больше в ВикипедииХуан Баутиста Васкес Старший
Хуан Баутиста Васкес эль Вьехо (1510 в Пелайосе, провинция Саламанка Кастилия и Леон — 12 … больше в ВикипедииМесто рождения: Оргаз, Испания
Национальность: Испания
Художественные формы: живопись
Хуан Санчес Котан (25 июня 1560 г. — 8 сентября 1627 г.) был испанским художником эпохи барокко, а… больше в ВикипедииМесто рождения: Фуэнте Вакерос, Испания
Национальность: Испания
Федерико дель Саградо Корасон де Хесус Гарсия Лорка (испанское произношение : [feðeˈɾiko ðel … подробнее в ВикипедииПодробнее Федерико Гарсия Лорка
№ 166 из 1172 Лучшие писатели всех времен № 16 из 250 Лучшие авторы-геи
Место рождения: Каламба, Лагуна, Филиппины
Национальность: Филиппины
Художественные формы: Живопись
Хосе Протасио Ризал Меркадо и Реалонда (испанское произношение: [xoˈse riˈsal]; 19 июня 1861 -… подробнее в ВикипедииМесто рождения: Севилья, Испания
Национальность: Испания
Художественные формы: Живопись
Диего Родригес де Сильва и Веласкес (испанский: [ˈdjeɣo βeˈlaθkeθ]; крестился 6 июня 1599 г. — подробнее в ВикипедииНациональность: Испания
Художественные формы: Скульптура
Хоан Бросса (каталонское произношение: [ʒuˈam ˈbɾɔsə]; 19 января 1919 — 30 декабря 1998) был a… больше в ВикипедииМесто рождения: Бенимамет, Валенсия
Национальность: Соединенные Штаты Америки, Испания
Художественные формы: скульптура, живопись
Сантьяго Калатрава Валлс — испанский архитектор-неофутурист, инженер-конструктор, скульптор .. Подробнее в ВикипедииМесто рождения: Фуэндетодос, Испания
Национальность: Испания
Художественные формы: живопись, эстамп, рисунок
Франсиско Хосе де Гойя-и-Люсьентес (; Испанский: [fɾanˈθisko xoˈse ðe ˈɣoʝa i luˈθjentes]; 30… подробнее в ВикипедииМесто рождения: Феланич, Испания
Гражданство: Испания
Микель Барсело Артигес (родился в 1957 г.), испанский художник.Знаменитые художники из Испании — WorldAtlas
Джон Мисачи, 7 декабря 2018, Мировые факты
Пабло Пикассо считается одним из величайших художников мира.Кредит редакции: Bangkokhappiness / Shutterstock.comНельзя не отметить вклад Испании в историю западной живописи. Здесь находится один из величайших музеев мира — Прадо. Во время Золотого века Испании страна процветала в области искусства и литературы, став одним из основных участников европейского мира искусства. Испания произвела на свет некоторых из уважаемых художников той эпохи, которые оказали значительное влияние на современное искусство.С самого начала искусства испанские художники создавали великолепные, тревожные и даже эротические образы. Ниже приведены некоторые из самых известных художников, которые жили и работали в Испании.
7.Сальвадор Дали
Сальвадор Дали был одним из самых плодовитых и разносторонних художников 20 века. Он был художником, режиссером, писателем и скульптором. Сальвадор считается величайшим художником-сюрреалистом. Он использовал причудливые образы снов для создания удивительных пейзажей своего внутреннего мира. Дали родился в 1904 году в Фигерасе и изучал искусство в Мадриде, где экспериментировал с дадаизмом и кубизмом. Его исключили из класса, потому что он считал, что преподаватели недостаточно компетентны для проведения его последнего экзамена.Затем он переехал в Париж, где объединился с Пикассо и вскоре заинтересовался сюрреалистическим искусством. Одна из его самых известных картин — Постоянство памяти , картина плавящихся часов. Его связь с Франко, испанским диктатором, привела к его изгнанию другими художниками-сюрреалистами. Позже он переехал в Соединенные Штаты и, наконец, вернулся в Испанию, где и умер в 1989 году.
6.Эль Греко
Эль Греко родился в 1541 году на острове, который находится на территории современной Греции. Его официальное имя было Доменикос Теотокопуло, но он получил имя «Эль Греко» из-за своего греческого происхождения. Он начал свою карьеру в Италии и переехал в Испанию в 1577 году, где написал большую часть своих работ. Эль Греко был мастером живописи религиозных сюжетов, но не менее обширен в портретной и пейзажной живописи. Он отверг натурализм для более концептуальных представлений.Работы Греко повлияли на несколько движений, таких как кубизм и экспрессионизм. Фактически, историки изо всех сил пытались поместить его в какую-либо обычную школу. Среди его знаменитых произведений искусства — Христос несущий крест и Похороны графа Оргаза , которые многие художники рассматривают как совокупность всех выдающихся атрибутов искусства Греко.
5.Антони Тапиес
Антони Тапиес родился в 1923 году в Барселоне. Его отец был юристом и влиятельным каталонским националистом. Из-за этого Тапиес вырос в среде, в которой он сталкивался с социальными и культурными лидерами. Он познакомился с искусством в возрасте 11 лет. После трех лет изучения права Тапиес посвятил свое время живописи. Он, пожалуй, самый известный испанский художник в период после Второй мировой войны.Его фактурные, жестовые и скульптурные настенные рисунки — это выражение его опыта во время гражданской войны в Испании. Большинство его абстрактных картин вдохновлено традициями Art Informel. Среди известных работ Тапиеса — Ex Libris и Els Solcs .
4.Жоан Миро
Хуан Миро был художником, керамистом и скульптором. Он родился в 1893 году в Барселоне, Испания. Большую часть времени он проводил в Италии, но большинство его работ были основаны на образах из его родной Барселоны. Его работы были вдохновлены человеческой психикой и созданы в сюрреалистической манере. Миро был одним из первых художников, которые разработали автоматические рисунки как бунт против традиций, которые он понимал как поддержку буржуазного общества.Он представил начало сюрреализма как художественного направления. Миро также считается родоначальником движения абстрактного экспрессионизма. Некоторые из его известных работ включают The Farm , Blue II и The Harlequin’s Carnival . Помимо живописи, он также работал литографом, создавая множество скульптур и фресок для общественных мест.
3.Пабло Пикассо
Пабло Пикассо, вероятно, один из величайших художников когда-либо живших. Он родился в 1881 году в Малаге и большую часть времени проводил во Франции. Пикассо — один из основоположников кубистского движения. Однако большинство его ранних работ было основано на реализме. Кубизму приписывают революцию в европейской живописи и скульптуре. Стиль живописи Пикассо со временем изменился, поскольку он экспериментировал с различными техниками, теориями и идеями.За свою карьеру он создал более 1900 картин. Некоторые из его картин входят в число самых дорогих произведений искусства, когда-либо проданных. Среди его знаменитых картин — Герника , Плачущая женщина и Les Demoiselles d’Avignon . Ранние работы Пикассо можно увидеть в музее Пикассо в Барселоне и в музее королевы Софии в Мадриде.
2.Франсиско Гойя
Франсиско де Гойя был выдающимся художником испанской королевской семьи. Родился в 1746 году, его часто считают последним из художников «старого мастера» и первым из современных мастеров. Гойя изучал искусство в Мадриде, но провел время в Италии, прежде чем вернуться в Испанию и присоединиться к королевской семье. Он написал несколько портретов королевской семьи и других дворян. Одна из его самых известных работ — Третье мая 1808 года , изображающая убийство испанских бойцов армией Наполеона во время французской оккупации 1808 года.Позже Гойя потерял слух из-за болезни. Позже его работы становились все более пессимистичными, а его картины отражали его мрачное мировоззрение. Его картины также отражали социальные и политические проблемы. Самые известные работы Гойи можно увидеть в музее Прадо в Мадриде.
1.Диего Веласкес
Диего Веласкес родился в 1599 году в Севилье. Он описывается как художник художников и наиболее известен своими потрясающими портретами. Диего был членом королевского двора короля Филипса IV, где он рисовал портреты придворных и других дворян, чем снискал ему восхищение по всей стране. Но его живопись не ограничивалась только аристократией и членами королевского двора; он также рисовал портреты других людей с низким рейтингом в обществе.Веласкес также создавал картины, изображающие исторические и культурные события. Одна из его известных картин — Las Meninas , портрет юных дочерей короля и его самого в процессе рисования. Он умер в 1660 году в Мадриде. Большинство его картин можно найти в Прадо, Мадриде, а также в других музеях Нью-Йорка, Сан-Паулу и Лондона.
- Главная
- Мировые факты
- Известные художники из Испании
|
«Лошади и дети. Полные женщины, красивые женщины и старушки. Волшебники и поэты. Собаки и кошки спят. Быки и испанские тореадоры. В шествия Севильи и Малаги. Распятые Христы наполнены кровь и молитвы. Святые. Дева для каждой деревни. Солнце и дождь Бискайский. Море, страсть, любовь и искусство Средиземноморье.Живопись и старая архитектура. И самый современный. Танцы и танцы деревень потеряны. Литература, выпущенная Испанский мир. Глубокий красный, фиолетовый, черный и оливковый. Баланс между солнцем, луной и звездами: это испанское искусство. » Хосе Мануэль Мерелло «Каким будет искусство в 2011 году и в ближайшем будущем?
современное искусство. Международные художественные ярмарки — это весело и интригующе,
вызовы мысли и человеческим эмоциям. Прогулка по
Ярмарка современного искусства, подобная ARCO в Мадриде, теперь стала настоящим праздником.Вы можете подумать, что то, что мы видим, не является «искусством».
что некоторые художественные произведения не нравственны, а затем делают вывод, что они
не искусство. Но ты ошибаешься. Искусство никогда не зависит от
мораль. Любое произведение искусства ничем не обязано какой-либо форме мысли или
идеология. Человеческий дух свободен. Искусство бесплатно. Искусство за гранью
Добро и зло. Что необходимо, так это предотвратить некоторые виды искусства.
которые являются жестокими, опасными, диктаторскими. Мы не можем допустить их
потому что нам нужны правила для сосуществования или потому что это этично
неприемлемый.Например, мы можем превратить Амазонку в сад.
пустой, голый, только с деревом. Конечно, это может быть работа концептуального
искусство, но это было бы действительно глупо. Жестокость и жестокость могут
обращаться с большим мастерством. Это не было бы моралью, это могло быть искусство,
но нельзя допускать.
Мне очень грустно, что люди не перестают удалять уши, кости, нищета и уединение этих мучеников искусства. Пожалуйста, оставьте их в покое ». Хосе Мануэль Мерелло
|
Искусство Испании
От художников до архитекторов, от скульпторов до драматургов, Испания на протяжении веков была родиной многих известных художников. Испанское искусство признано во всем мире теми, кто изучает испанский язык в Испании и за рубежом, как важная часть испанской культуры и истории.
Оказал влияние
Испания, благодаря своему географическому и историческому положению, на протяжении веков подвергалась множеству различных художественных влияний.
Семь веков мавританского владычества не могли не оставить свой след в испанском народе. Это хорошо видно на зданиях, построенных некоторыми из самых известных испанских архитекторов.Луис и Доменек, каталонский Испанский архитектор , часто использовал мавританские украшения для украшения своих творений.
Быть частью европейского континента также означало, что Испания была подвержена большому количеству европейской культуры и искусства. Например, Испанский танец , Болеро, испытал влияние многих специалистов итальянского балета, путешествуя по Испании.
Большое количество испанских художников провели время во Франции, и особенно в Париже, где арт-сцена процветала.Париж был идеальным местом для тех, кто хотел узнать об искусстве. Известно, что Пабло Пикассо проводил много времени в Париже, где он также встретил испанского скульптора Пабло Гаргалло.
Испания также должна выразить огромную благодарность скульпторам Италии и ее столицы Рима. Без них один из самых известных испанских скульпторов никогда бы не продолжил делать скульптуры. Мариано Бенллиуре был убежден, что он сосредоточится на скульптуре , только после того, как увидел скульптуры Микеланджело в Риме.
Влияние
С другой стороны, мастера испанского искусства сыграли важную роль в развитии многих европейских художественных течений.
Пабло Пикассо был одним из великих испанских художников, которого многие считают отцом современного стиля искусства, кубизма. Пикассо оказал влияние на других важных художников-кубистов, таких как Жорж Брак и Хуан Гри.
Антони Гауди был еще одним испанским художником, революционером в своем стиле. Гауди продвигал каталонское модернистское движение в 19-м и 20-м веках, оказав влияние на многих других молодых каталонских испанских архитекторов следующего века.
Фламенко — это также национальный символ Испании, который своим влиянием охватил весь земной шар. На самом деле, фламенко настолько популярно в Японии, что там больше академий фламенко, чем в Испании. Это также привело к появлению современных версий танца, таких как «Нуэво фламенко» или «Новое фламенко».
Испанские режиссеры также оказали огромное влияние на мировую арену. Сегундо де Чомон был испанским кинорежиссером XIX и XX веков, который считался пионером кино за достижения в технике покадровой съемки.
Expression
Искусство — отличный способ выразить свои внутренние чувства и эмоции, особенно те, которые трудно выразить словами, и испанские художники особенно хороши в этом.
Многие художники использовали свои работы в знак протеста против определенных событий в истории Испании. Например, Пикассо выразил свое возмущение бомбардировкой городка Герника во время Гражданской войны в Испании, написав «Герника». Франсиско Гойя также выпустил серию «Los desastres de la guerra» («Бедствия войны») в знак протеста против насилия во время восстания в Испании 2 мая 1808 года или Дос-де-Майо 1808 года.
Все испанские танцы — это страстные танцы с большим чувством. Испанская страсть проявляется в мощи движений танцора фламенко, которые сопровождаются проникновенным пением и проникновенной гитарой.
Здесь вы можете узнать больше об известном испанском искусстве , художниках и их работах, а также о том, где их найти, если вы приедете в Испанию.
Art Directory
Испанские художники в международном мире комиксов
Испанские художники в международном мире комиксов
В Испании есть много талантливых иллюстраторов комиксов.Многие переехали в США или Францию, где рынок графических романов намного сильнее, но другие продолжают работать в Испании.
Если и есть один хорошо известный испанский художник по комиксам за пределами Испании, то это Карлос Пачеко . Его работы регулярно появляются в сериалах Marvel, таких как Люди Икс , Супермен , Фантастика 4 … Его динамический стиль рисования идеально подходит для рендеринга супергероев. Паскуаль Ферри — еще один испанский художник с большим опытом рисования супергероев для таких серий, как Thor и других знаменитых саг.Фактически, более пятидесяти испанских художников имели возможность работать с крупнейшими издателями комиксов, такими как Marvel, DC и Image.
Франция — еще одна из наиболее востребованных стран в индустрии комиксов, где творческий дуэт, состоящий из художника Хуанхо Гуарнидо и писателя Хуана Диаса Каналеса , также добился большого успеха. Они создатели Blacksad, , популярной серии, которая, пожалуй, является самой известной, полностью сделанной испанцами.
В Испании также есть выдающиеся художники, отмеченные международными наградами, которые редко покидают страну. Карлос Хименес — автор Paracullos , ностальгической серии комиксов о периоде диктатуры в Испании после Гражданской войны, увиденным глазами ребенка. Франсиско Ибаньес — создатель некоторых из величайших комедийных персонажей комиксов страны, таких как Мортадело и Филемон , двух секретных агентов, которые, кажется, всегда терпят поражение во всем, что они пытаются сделать. Пако Рока — создатель одних из самых замечательных комиксов последнего десятилетия, в том числе Arrugas (морщины), душераздирающей истории о болезни Альцгеймера.По этому очень успешному комиксу был снят фильм.
Хотя в Испании много великих художников, большинству из них приходится уезжать за границу, чтобы заработать на жизнь. Великие художники всегда уезжают из Испании.
10 самых известных британских художников и их шедевры
Британское искусство может быть классифицировано как изобразительного искусства, созданного художниками в Соединенном Королевстве с его формирования в 1707 . Среди наиболее выдающихся ранних британских художников были Уильям Хогарт, Джошуа Рейнольдс и Томас Гейнсборо . Романтизм — движение, зародившееся в конце 18 века и доминировавшее в европейском мире искусства. Его художники сделали акцент на эмоциях и индивидуализме , а также на прославлении прошлого и на природе . Великобритания произвела на свет некоторых из самых известных художников движения, включая Уильяма Блейка , Дж. М. У. Тернера и Джона Констебля . За романтиками последовало Братство прерафаэлитов (PRB) , сосредоточившееся на религиозных, литературных и жанровых предметах, выполненных в детально детализированном стиле.В 20 веке было несколько влиятельных художников из Великобритании, в том числе Фрэнсис Бэкон и Люсьен Фрейд , которые создали одни из самых известных портретов той эпохи; скульптор Генри Мур ; и поп-исполнитель Дэвид Хокни . Среди наиболее известных современных британских художников Трейси Эмин и Дэмиен Херст , которые принадлежат к группе, известной как молодых британских художников ; и известный художник граффити Бэнкси .Вот 10 самых известных британских художников и их самые известные шедевры.
# 10 Трейси Эмин
Трейси ЭминДата рождения: 3 июля 1963 г.
Механизм: Молодые британские художники (YBA)
Молодые британские художники — это название группы художников-визуалов, которые впервые начали свои совместные выставки в Лондоне в 1988 году. Они известны своей открытостью к материалам и процессам, шоковой тактикой и предприимчивым отношением .Трейси Эмин — самая известная YBA после Дэмиена Херста. Она исследовала широкий спектр средств массовой информации; и ее искусство известно как автобиографических и конфессиональных . Среди ее самых известных работ « Все, с кем я когда-либо спал с 1963–1995», «» — палатка с именами всех, с кем она когда-либо спала в постели; и Моя кровать , готовая инсталляция, состоящая из ее собственной неубранной грязной постели, когда она переживала период тяжелой депрессии.Трейси Эмин, получившая название «плохая девочка британского искусства» , входит в число самых известных современных художников. Она была названа одной из 100 самых влиятельных женщин Великобритании. в 2013 и она одна из двух женщин, которые были назначены профессором Лондонской Королевской академии искусств с момента ее основания в 1768 году.
Masterpiece: Все, с кем я когда-либо спал 1963–1995 (1995)
Все, с кем я когда-либо спал 1963-1995 — Трейси ЭминДругие известные работы: —
Моя кровать (1998)
Ты забыл поцеловать мою душу (2007)
